A pesar de ser uno de los engendros cinematográficos más nauseaubundos de todos los tiempos, "La central" constituye sin quererlo un documento valiosísimo sobre el estado actual de la juventud española.

A menudo podemos leer en los periódicos que nuestro país se halla en la cola europea en cuanto a nivel educativo. Otra cosa no se puede esperar de una generación criada por la playstation, que admira a seres que reconocen con orgullo no haberse leido un libro en su vida y cuyos obejtivos vitales no son más que hacer botellón los fines de semana, meterse rulas y con suerte hacerse famoso participando en Gran Hermano.

Pues bien, todo esto queda magnificamente reflejado en la primera parte de este film, donde vemos unas imagenes más propias del cinema verité que del slasher casposo. Esto es exactamente lo que hay, tíos pasados de alcohol y porros denigrando a la mujer a mero obejto sexual, tías igualmente pasadas encantadas de ser reducidas a cachos de carne, embarazos adolescentes, mandriles mentecatos y de fodo un hedonismo existencial mal entendido que llega hasta puntos incomprensibles como seguir con la juerga a pesar de que probablemente haya muerto un amigo.

Lo de menos es que esto sea una cinta de terror, que no haya buen gusto cinematográfico o incluso que los actores no deberían ser llamados como tales. Lo que importa en realidad es el mensaje de fondo. Nada importa y todo es porque sí, inclusive el asesinato. Quién necesita razones cuando tiene una botella de alcohol al lado?

Lo mejor: Que a pesar de su ínfima calidad de que pensar.
Lo peor: Que este tipo de productos existan.

Puestos a ser positivos, alguna virtud si que atesora esta película (por llamarla de alguna manera), y no, no voy a hablar de Carmen Electra ni de sus tetas. Me refiero a que es ligeramente mejor que "Epic Movie", dura algo menos y encima poseé la capacidad de poner de acuerdo a fans y detractores de "300" en que es una auténtica bazofia indigna ya no de ser proyectada, sino incluso de hacer el esfuerzo de bajársela.

Por lo demás lo de siempre, intentar hacer gracia por acumulación de gags, chistes fáciles de homosexuales, escatología a raduales, parodias de otras películas, ridiculizar las miserias de los famosetes de turno y poca cosa más.

Lo que no cuela es tratar de justificarla diciendo que no se puede esperar otra cosa. Sí de acuerdo uno espera una mierda y mierda es lo que le dan, pero eso es motivo para decir que la mierda es buena?
Total que viendo lo que recaudan estas mierdas llego a la conclusión de que en general somos masoquistas, porque sino no se entiende que sigamos tragándonos mojones como estos una y otra vez.

Lo mejor: Ahora sí, las tetas de Carmen Electra.
Lo peor: Que esto sea considerado cine.

Hollywood construyó su propia imagen a base de mitos. Uno de ellos se erigió en un leiv motiv tan cursi como efectivo: la fábrica de sueños. Cierto es que a través del sistema denominado método de representación institucional se consiguió crear una máquina perfectamente engrasada cuyo objetivo de gratificación esperada alcanzó su objetivo básico: satisfacer los gustos del gran público. No menos cierto es que este sistema fue, en diversas ocasiones, un Saturno devorando a sus hijos, un ingrato mecanismo que sacrificó a creadores (autores como más tarde serían llamados) de indudable talento pero con un estilo que se rebelaba contra una forma de hacer cine que consideraban previsible y poco arriesgada.

Precisamente esta adaptación de un texto de Kafka parece, aún sin serlo, un reflejo de la propia lucha de Welles contra un sistema de imposición de estilo cinematográfico que le negaba constantemente el desarrollo libre de su talento. No parece pues casualidad que este film fuera realizado al margen de la industria americana, concretamente en Francia, coincidiendo además con la eclosión de la Nouvelle Vague y el inicio de la era del cine de autor.

Welles pretende crear una película basada en las texturas, en las sensaciones, un intento de mostrar el material del que están hechas las pesadillas. Los elementos claves para desarrollar esta idea son el uso de la puesta en escena y el espectro de luz. Así encontramos a un protagonista que oscila entre ambientes claustrofóbicos enmarcados por techos bajos, poca profundidad de campo, personajes amontonados en espacios reducidos y planos muy cortos, y un empequeñecimiento absoluto ante una ambientación donde predomina el gigantismo de los decorados y una cámara que se centra en el plano general para dar sensación de profundidad infinita. Este contraste fluye de forma natural con un montaje continuo, en el que se pasa de un lugar a otro mediante la simple apertura de una puerta. Si además juntamos esto con el hecho de que en ningún momento hay ninguna referencia visual temporal, y que la luz siempre es claramente artificial en interior y muy monocromática en exteriores, se acaba configurando una sensación de distorsión espacio-temporal y de confusión absoluta.

Este escenario está diseñado con una doble función, por un lado ser fiel al universo kafkiano, pero más importante es que sirve como correa de transmisión de los sentimientos del protagonista, una forma de que empaticemos con su angustia y sufrimiento ante una lucha contra una superestructura burocrática e incomprensible que sabemos de antemano perdida.
(sigue en spoiler)

Turbadora, sensual y revolucionaria. No se me ocurren mejores adjetivos para calificar a esta película.

Realizada en el contexto de una Italia post-fascista, empobrecida y rural vemos desfilar a personajes como el de Vittorio Gassman, un ser brutal, sin escrúpulos y que constituye un retrato descarnado de la maldad y el egoismo humano erigiéndose en el protagonista absoluto de la función junto a Silvana Mangano, que representa una suerte de femme fatale rural. Egoista y provocadora destila sexualidad por todos lados y da los momentos más memorables del film.

Todo ello en un ambiente donde está presente de forma sutil cierta iconografía religiosa mariana y donde hay momentos auténticamente transgresores para la época. Sólo hay que ver la tensión sexual, con toques de lesbianismo encubierto, las proclamas revolucionarias de igualdad de las trabajadoras y los bailes de la Mangano para ver que, si hoy día impresiona, los espectadores de la época deberion quedar profundamente turbados por lo que veían.

Sin duda una obra cumbre del neorealismo italiano y del cine europeo en general. De visión obligatoria.

Lo mejor: Su voluntad de transgredir
Lo peor: Deja mal cuerpo (aunque eso no tiene que ser negativo necesariamente)

Sólo habían pasado 3 años entre el estreno de La regla del juego de Renoir y este Ser o no ser de Lubitsch. Una lapso temporal que, cinematográficamente, puede no ser mucho, pero históricamente estaba decantando al mundo en una posición o en otra, políticamente hablando, en función del resultado de la contienda bélica que se estaba desarrollando y que, en el año 1942, se encontraba en su cénit.

Malos tiempos, aparentemente, para desarrollar una comedia de tono exquisito y que por si fuera poco tratara un tema tan delicado como el del nazismo. Pero a pesar de su tono desenfadado, Lubitsch no hace más que responder a la pregunta final que el film de Renoir hacía en el año 1939. ¿Hacia donde vamos? La respuesta está en Ser o no ser: hacia la guerra y la destrucción, no sólo de vidas humanas, sino de toda una concepción del mundo y las relaciones humanas hasta la fecha existentes.

No era por casualidad que en el inicio del film de Renoir se advirtiera de la fecha y del inmediato estallido de la II Guerra Mundial, ya que el marco presentado era el de una burguesía acomodada y aislada que obviaba toda relación con el presente mientras se entregaba a una suerte de hedonismo decadente, de fin de una era. En el film de Lubitsch se nos muestra el siguiente paso, ese laissez passaire burgués que en las esferas del poder se mostró en forma de política de apaciguamiento frente al nazismo y acabó derivando en guerra, una crítica directa a la cobardía de los poderosos frente a las amenazas imperialistas de Hitler.

A pesar de ello Ser no ser resulta ser un film positivo, que muestra cómo la voluntad del pueblo es capaz de resistir la injusticia y la opresión, a diferencia de Renoir, que mostraba a las clases bajas mimetizando la desidia moral de sus amos. Esta dualidad de enfoques queda destacada especialmente por el manejo de la luz. Mientras el cineasta francés usa el claroscuro para dotar al film de un cierto aire tenebrista y tortuoso, Lubitsch ilumina perfectamente cada plano para no dejar un solo resquicio a la desesperanza.
(sigue en spoiler)