Dirigida, escrita y producida por Fassbinder, se rodó durante 15 días en setiembre de 1973. Considerada por el autor como una de sus mejores obras, ganó el premio de la OCIC y el premio FIPRESCI de Cannes. Obtuvo la Cinta de Oro a la mejor actriz (Premios del Cine Alemán).

La acción tiene lugar en 1972/73 en una ciudad no determinada de Alemania. Narra la historia de amor entre Emmi Kurowski (Brigitte Mira) y Alí (El Heidi Ben Salem). Ella es viuda, tiene unos 60 años, es madre de una hija, Krista (Irm Hermann), y dos hijos y trabaja como empleada de la limpieza. Él es marroquí, de etnia bereber, tiene unos 35 años, es inmigrante desde hace 2 y trabaja en un taller de reparación de coches. Se conocen cuando ella, una tarde lluviosa, se refugia en el bar donde Alí se reúne con los amigos. Más tarde contraerán matrimonio. La película se plantea como una reflexión sobre el racismo. La pareja sufre el rechazo de vecinos, familiares y amigos, cegados por la intransigencia, agitados por el miedo, inseguros ante el cambio y todo lo nuevo y animados por el espíritu autoritario que late en las profundidades del alma colectiva de una sociedad avanzada como la de la RFA en 1973. El film pone en evidencia la falta de argumentos en los que se basa el rechazo de la inmigración, sea polaca, serbia, magrebí o turca. Se les acusa de falsedades (no se lavan) o de bobadas (pertenencen a otro grupo salarial). El rechazo de la inmigración se asemeja al que padecen las personas mayores, como Emmi, por razón de edad, limitaciones, diferencias de gustos y hábitos, aparente fragilidad, etc. Muchas se ven forzadas, como Emmi en las primeras secuencias de la película, a la soledad y al abandono. Emmi padece un doble rechazo, el que la afecta por ser pareja de un inmigrante y el que la afecta como persona mayor. La hostilidad general que padece la pareja se convierte en falsa amabilidad y en condescendencia interesada, cuando los actores necesitan alguna ayuda o favor. Racismo, miedo, intolerancia, inseguridad e hipocresía son elementos que se combinan y se refuerzan mutuamente.

La música juxtapone melodías magrebíes y alemanas, con preferencia por el tango que tanto agrada a Emmi. La fotografía usa una cámara más inquieta y más móvil que en la mayoría de las películas del autor. Estiliza los personajes y en ocasiones mantiene a algunos de ellos en posición inmovil, en actitud de expectación (bar) o de rechazo (jardín del restaurante). Usa con frecuencia balustradas, barrotes o similares, para reforzar la separación entre la pareja y los vecinos. El guión evita toda manifestación sensiblera o sentimentalista: explica los hechos con sobriedad y mesura. La dirección añade a la narración emotividad, dinamismo y una frescura inusual. Fassbinder cambia su pesimismo habitual por la posibilidad de la utopía de un amor imposible.

Remake de "Sólo el cielo lo sabe", de Douglas Sirk. Película excelente, que en ocasiones roza la perfección.

Miquel

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Film de Ernst Lubitsch (1892-1942), considerado por algunos como su obra mayor. El guión, de Edwin Justus Mayer, desarrolla un argumento de Melchior Lengyel y del propio Lubitsch (no acreditado). Se rueda en los UA Studios por cuenta de Alexander Korda, socio de los mismos. Es nominado a un Oscar (banda sonora). Producido por Ernst Lubitsch para Alexander Korda, se estrena el 6-III-1942 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar en Varsovia (Polonia), entre agosto de 1939 y diciembre de 1941, desde unos días antes de la invasión nazi del país hasta pocos días después de la incorporación de EEUU a la IIGM (8-XII-1941). En el teatro Polski, de Varsovia, actúa la compañía estable dirigida por Dobosh (Halton), que representa “Hamlet”, de Shakespeare, y prepara el estreno, previsto para el 31-VIII-1939 de “Gestapo”, una sátira antinazi, que es prohibida por las autoridades polacas. Deciden entonces prolongar las representaciones de “Hamlet”. Joseph Tura (Benny) es el primer actor y María Tura (Lombard), su esposa, es la primera actriz. Stanislav Sobinski (Stack) es un joven piloto militar. El profesor Alexander Siletsky (Ridges) colabora con los nazis como espía. El coronel Ehrhardt (Roman) es el jefe militar de la ciudad. Joseph Tura es vanidoso, celoso e inseguro. María es joven, atractiva, apasionada, voluptuosa, voluble y coqueta.

El film suma comedia, drama y guerra. Es, a la vez, una comedia negra, romántica, de espionaje y de enredos y malentendidos. Su estilo es elegante, sofisticado y refinado, como gusta a Lubitsch. Hace uso de la ironía, la gracia, el ingenio, las sutilezas y el sarcasmo, en un contexto de insuperable elegancia. Despliega una sátira antinazi corrosiva y demoledora. Parodia a Hitler, Goering, el militarismo, la obediencia ciega, etc. Se burla de los nazis, que presenta como hipócritas, brutales, cobardes y estúpidos. El ritmo trepidante de la acción se apoya en un extraordinario pulso narrativo. La acción es compleja, incorpora muchos personajes y hace uso de numerosas interrelaciones. Las secuencias están muy elaboradas. El relato es claro, asequible y muy divertido.

Se sirve de recursos propios del vodevil, como disfraces, malentendidos, suplantaciones de personalidad, confusiones, expresiones de doble y triple sentido, etc. Echa mano en las primeras secuencias de la una guerra de sexos entre un marido inseguro y de pocas luces y una mujer desenvuelta, audaz, lista, decidida y dispuesta a gozar de las ventajas de un amor triangular.

Son escenas memorables la del encierro del profesor Siletsky (falso o verdadero) con el cadáver del profesor Siletsky (verdadero o falso), las órdenes del coronel al capitán Schultz (Victor), la conversación de Joseph, María y su amante, la mascarada colectiva para salvar a María y al joven piloto, el sacrificio de unos cómicos para rescatar la lista de miembros de la Resistencia y de sus familiares, etc.

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El film se refiere a las conexiones entre teatro y realidad, a las oportunidades en las que la ficción puede salvar la realidad, etc. Habla de amor, sexo, hipocresía, traición, doble moral, opresión, tiranía, lucha por la libertad, etc. Analiza los celos artísticos y sentimentales. Muestra la fuerza física y moral que extraen del ser humano los instintos de supervivencia. Elogia a la gente del teatro y, por extensión, del cine. Muestra los extremos de heroísmo y generosidad a los que es capaz de llegar el ser humano cuando se comporta como tal.

El título hace referencia al conocido soliloquio de “Hamlet”. Hace referencia a la situación desesperada de los protagonistas que con sus audacias patrióticas se la juegan a vida o muerte (ser o no ser). Hace referencia a la inexistencia de espacios neutrales entre los patriotas polacos y los nazis: se es patriota o traidor.

Carol Lombard no puede asistir al estreno de la obra. Muere dos meses antes en un accidente aéreo, a los 33 años, cuando participaba en una acción de apoyo a la venta de bonos de guerra. El estreno tuvo poco escaso éxito a causa de las circunstancias poco propicias del momento: EEUU se hallaba involucrado en la guerra y ésta exigía un enorme esfuerzo individual y colectivo. Es la antepenúltima película de Lubitsch, que fallece en 1947.

La música, de Werner R. Heyman y Miklós Rózsa (no acreditado), compone una partitura orquestal con abundancia de viento y metal. Combina pasajes dramáticos, de tensión, jocosos y triunfales. Añade como música adaptada una versión orquestal de “Polonesa”, de Chopin, sobre los créditos iniciales, y el canto de “German National Anthem”, de Haydn, a cargo de un coro de militares alemanes. La fotografía, de Rudolph Maté (“Las modelos” Vidor, 1944), en B/N, se sirve de cáusticas proyecciones de sombras, ambientes expresionistas, una iluminación que imita la del teatro (luces pobres y focos aislados) y de numerosos lances visuales de humor e ironía.

Película magistral, gozosa e indispensable.

Miquel

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Último film de Clark Gable y último a la vez de Marilyn Monroe. Realizado por John Huston, lo escribe el dramaturgo Arthur Miller (“Muerte de un viajante”, Segal, 1960), casado entonces con Marilyn. Se rueda, entre el 18/VII y el 2/XI de 1960, en el desierto de Black Rock (Reno, Nevada) y en localizaciones próximas (Misfits Flat, Quail Canyon y Dayton), con un presupuesto de 4 M dólares. Producido por Frank E. Taylor para Seven Arts y United Artists, se estrena el 1-II-1961 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar en Reno (Nevada) a lo largo de unos pocos días de 1960. La bailarina Roslyn Taber (Monroe) acude a Reno para obtener un divorcio rápido y fácil. Allí conoce a Gay Langland (Gable), vaquero de unos 50 años, y a su amigo Guido (Wallach), mecánico, veterano de la IIGM, de unos 40 años. Poco después se une a ellos Perce Howland (Clift), amigo de Gay, joven trotamundos. Gay lucha por mantenerse libre e independiente. Guido, viudo, distrae su soledad pilotando una vieja avioneta. Perce pasea su amargura por un mundo que no entiende. Los tres tienen empleos marginales: Gay caza caballos salvajes con destino a la fabricación de comidas para perros, Guido regenta un pequeño taller mecánico propio y Perce malvive participando en rodeos. Roslyn, recién separada, es frágil y vulnerable.

El film suma drama, romance y western. Desarrolla un relato de personajes inadaptados, solitarios, desorientados y perdidos, que arrastran fracasos, desilusiones y frustraciones. Todos sobrellevan sentimientos de abandono y pérdida: Gay echa en falta a los hijos, Perce no ha asimilado la muerte del padre, Guido convive con el recuerdo del fallecimiento de su mujer y Roslyn estrena divorcio. La narración, melancólica y agridulce, se torna gradualmente dramática y trágica. El mal, la perversidad, el dolor y la muerte se hacen presentes con insistencia creciente. Al mismo tiempo emergen conflictos interiores de los personajes y problemas de relación interpersonal dentro del grupo, que amenazan la convivencia y llevan las situaciones al borde del abismo.

El realizador hace uso de simbolismos, paralelismos, sugerencias e indicaciones sutiles y punzantes. Ca abe recordar los varios sentidos que atribuye a la manada de caballos (un garañón, cuatro yeguas y un potro), a la avioneta que pone a los animales en fuga, al potente camión de persecución, a la lucha cuerpo a cuerpo de Gay y el garañón, al desierto, a los peñascos amenazadores de la montaña, a los arriesgados números del rodeo, a la desesperación histérica de algún personaje, etc.

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La película explora el subconsciente de personas enigmáticas. Elogia la lucha del ser humano por la libertad y la independencia. Demuestra que ser independiente puede costar un alto precio. Habla de la soledad, la infelicidad y los fracasos que jalonan la vida humana. Hace referencia al paso del tiempo y al envejecimiento. Explica que la compensación de las frustraciones personales mediante el recurso a la violencia constituye una salida en falso que empeora las cosas.

Frente a los valores tradicionales de la fuerza, el arrojo y la rudeza, contrapone el valor de la compasión, la clemencia y la ternura. Admira la paz, el silencio, el aroma de la hierba mojada y el aire puro del campo. Como en otras obras de Huston, los personajes pierden al final lo que habían conseguido con gran esfuerzo. Largometraje número 18 sobre 27 de Huston.

La música, de Alex North (“Dublineses”, 1987), ofrece un tema principal dramático de gran belleza. Incorpora cortes líricos y melódicos, bailables (Reno Bar Dance), dramáticos y descriptivos de gran porte (captura de los caballos). La fotografía, de Russsell Metty (“Espartaco”, Kubick, 1960), en B/N, busca el realismo, prescinde de artificios y se complace en mirar con sinceridad y honestidad. Ofrece emocionantes travellings aéreos y terrestres. Grean elenco y notable interpretación de Marilyn.

Drama intenso y vibrante, de acertado final.

Miquel

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Octavo largometraje de Bernardo Bertolucci, dedicado a exaltar la lucha del movimiento obrero italiano de 1901 a 1945. Escriben el guión Bernardo Bertolucci, Franco Arcalli y Giuseppe Bertolucci. Se rueda en escenarios reales de la región Emilia-Romagna (Busseto, Guastalla, Parma, etc.), en la finca “La Piacentine” y en platós de Cinecittà Studios (Roma). Producido por Alberto Grimaldi para Artemis, Artistes Associés y PEA, se estrena en agoto de 1976 (Festival Venecia).

La acción dramática principal tiene lugar en la finca rústica de 300 Ha. de la familia Berlinghieri y en el pueblo vecino, de la región italiana Emilia-Romagna, situada al Norte de Italia. Sigue la historia italiana desde enero de 1901 hasta abril de 1945, con un epílogo situado en la primavera de 1976. Los principales acontecimientos históricos que jalonan el relato son la muerte de Verdi (27-I-1901), la gran huelga agraria de 1908 (de 1/V al 25/VI), la IGM (1914-18), la fundación del PCI (Livorno, 21-X-1921), la toma del poder por Mussolini (30-X-1922), la prohibición del PCI (5-XI-1925), la IIGM (1939-45) y el día de la liberación (25-IV-1945).

El film desarrolla el relato novelado de las historias de Olmo Dalcò, nieto de Leo Dalcò (Hayden), bracero residente en la finca, y de Alfredo Berlinghieri, nieto del último propietario de la explotación agraria que pudo gobernarla a la antigua usanza. Olmo (Depardieu) es un bracero airado y luchador, con madera de líder, que encabeza los movimientos de protesta de los trabajadores de la finca. Alfredo (De Niro) lleva una vida despreocupada y relajada hasta que, a la muerte del padre, Giovanni (Valli), se ve obligado a asumir las funciones de patrón.

El film suma drama, historia, romance y guerra. Desarrolla la acción en los alrededores del lugar de nacimiento de Bertolucci (Parma, Emilia-Romagna). De algunas localizaciones da el nombre y su posición (Madonna dei Prati, a 3 Km. de la finca). De otras facilita sólo el nombre (Piacenza, Cremona...). Muestra, sin identificarlo explícitamente, el cauce parsimonioso del río Rabbi y las casas de la finca “La Piacentine”. De ésta da el número de trabajadores y trabajadoras (un centenar) y los componentes de su producción: carne ovina, porcina y vacuna, leche, cultivos de riego (huerta, maíz, fruta...) y de secano (grano, viña...), etc.

Presta atención a la progresiva mecanización del campo con el desplazamiento del arado de bueyes o mulos a raíz de la introducción del tractor, el rastrillo, etc. Explora la evolución del papel del terrateniente desde la época superada del abuelo Alfredo (Lancaster), pasando por los cambios impuestos por la creciente organización sindical del campo que obliga a negociar y a reconocer derechos, hasta la delegación de las tareas de gestión en manos de asalariados como Attila (Sutherland), crueles y violentos.

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El relato se divide en cuatro etapas, que tienen lugar en cada una de las cuatro estaciones del año. La infancia de Olmo y Alfredo se presenta en verano, la adolescencia en otoño, la madurez en invierno y la vejez en primavera. Así mismo, la infancia de los protagonistas coincide con la emergencia del movimiento obrero, la adolescencia con la aparición de la lucha obrera (reivindicaciones, huelgas...), la madurez con la derrota del fascismo y el triunfo de la democracia y la vejez con los sueños de liberación. A lo largo de las cuatro etapas va disminuyendo el número de trabajadores de la finca. Las bajas pasan a trabajar en otros lugares (ciudad) y en otras ocupaciones (industria). A lo largo de su recorrido, el relato está hecho desde el punto de vista de los trabajadores (el de Leo al principio y el de Olmo después), que se inspira en los ideales, concepciones y sentimientos del PCI, principal impulsor del movimiento obrero en Italia.

Bertolucci analiza otros temas, como la crueldad de los “camisas negras”, la importancia y precocidad del sexo en el mundo agrario, el envejecimiento en una explotación agrícola, las condiciones de trabajo y de vida de los trabajadores del campo, el papel de la mujer en las tareas agrícolas, el proceso de reivindicación obrera y la evolución de sus objetivos, etc. Algunas escenas, de gran realismo, causan fuerte impresión, como el sacrificio del cerdo, el lanzamiento de excrementos a Attila, la represalia de éste, el acompañamiento al cementerio de los muertos en el incendio de la Casa del Pueblo, el asesinato de un niño, los suicidios, la muerte violenta de un gato, el bracero que se corta una oreja y se la entrega al terrateniente, etc.

El film presenta una descripción sesgada de la inviabilidad de las posiciones liberales, que no se identifican ni con el autoritarismo fascista, ni con las ansias revolucionarias obreras. Encarnan estas posiciones Octavio (Bruhns) y Ada (Sanda), a los que se asignan papeles de derrota, embriaguez y locura. Al margen del sentimentalismo ideológico y del sesgo emocional que lo informan, el film cuenta con muchos elementos que fundamentan su solidez e interés.

La música, de Ennio Morricone, ofrece una partitura vibrante, sencilla y grata, que hace uso de violines, grupos de cuerda y de cuerda y metal, solos de ocarina, voz, coros, etc. La melodía central tiene formato de himno de exaltación y glorificación. Va acompañada de cortes incidentales, que resaltan su centralidad y preeminencia. Añade el canto de “Giovinezza” (marcha fascista). La fotografía, de Vittorio Storaro (“Apolalypse Now”, 1979), en color (technicolor), presenta una narración visual muy cuidada y atractiva, de gran perfección. Son excelentes las interpretaciones de De Niro y Depardieu.

Miquel

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Quinto largo individual de Fellini, escrito por él, Ennio Flaiano, Tullio Pinelli y PP Pasolini (diálogos). Se rueda en exteriores de Roma (Acilia, Castel Gandolfo, Santuario Virgen del Amor Divino, Via Apia, etc.) y en Cinecittà Studios. Gana un Oscar (película extranjera) y dos premios de Cannes (actriz y OCIC). Producido por Dino de Laurentis, se estrena el 10-V-1957 (Festival Cannes).

La acción tiene lugar en Roma, en 1956. María Ceccarelli, alias "Cabiria" (Giulietta Masina), es prostituta, tiene unos 35 años, vive en el barrio de San Francesco, en las afueras de Roma, y hace la calle en el Passaggio Archeológico, cerca de las Termas de Caracalla. Es ingenua, inocente, activa, animosa, ahorradora, romántica, confiada y de buen corazón.

El film toma el nombre de la protagonista de la película muda "Cabiria" (1914), de Giovanni Pastrone, inspirada en una novela de Emilio Salgari. Da este nombre a una muchacha siciliana apresada por piratas y vendida como esclava a los cartagineses. La Cabiria de Fellini es un personje nuevo, de personalidad singular, tierna, humana y entrañable, que es maltratada y engañada por los hombres. Deviene una figura clásica moderna. El relato que sustenta al film es sencillo y simple. Lleno de encanto humano y de fuerza conmovedora, plantea la posibilidad de que el mal venza al bien, aunque a la larga el bien se impone sobre el mal. La vida y el azar tienden a ser injustos con las personas, sobre todo con las más débiles. Se considera que el film cierra la primera etapa del realizador, la neorrealista, caracterizada por la importancia de los personajes, la preferencia por las figuras sencillas, humanas y marginales y las referencias de crítica social. Aparecen en ciernes algunas de las constantes del autor que adquieren en la etapa siguiente mayor desarrollo, como las figuras fantasmagóricas (procesión de penitentes que se pierde en la oscuridad) y las matronas gruesas (Wanda, Franca Marzi). Se observan algunos trazos surrealistas, como la vieja prostituta que sale del subsuelo en la escena del samaritano, eliminada por la censura. La caracterización de Cabiria recuerda la del vagabundo de Chaplin, con la que mantiene algunos puntos en común (lucha con la cortina del "Night Club", cejas pintadas, atención al paraguas). Bob Fosse realiza un "remake" musical, "Sweet Charity" (1968).

La música, de Nino Rota, calaborador habitual de Fellini, aporta una partitura variada, alegre y emotiva, con un tema principal melódico y melancólico. Consta de 15 cortes, de entre los que destacan el "Tema final" (acordeón y guitarras), "Lla ri lla ra" (guitarra y voz), "Mambo de Cabiria" (maracas, contrabajo y batería) y "Pic-nic en el Divino Amor" (acordeón). Se añade un fragmento de la Sinfonía nº 5 de Beethoven. La fotografía, de Aldo Tonti, contrasta con fuerza blancos intensamente iluminados con abundantes negros (sombras y figuras). Ofrece algunos contraluces brillantes. La interpretación de Masina es admirable.

Miquel

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