Nos situamos en los últimos años de la era Tokugawa, concretamente en el año 1868. Seibei Iguchi un samurai perteneciente al clan Unasaka que vive de forma muy humilde comparado con el resto de sus compañeros de clan, viudo ,con dos hijas y una madre en estado senil, se ve obligado a realizar duras tareas (dignas de una persona inferior a su clase social) para sacar a flote a la familia. Por ello, cuando acaba sus tareas como samurai, sale al caer el ocaso a trabajar en los quehaceres de la casa en vez de irse con los demás samurai a emborracharse, estos lo ven como objeto de mofa, poniéndole al pobre hombre el mote de "Ocaso Seibei".
Seibei vive una vida triste, sin embargo todo cambia cuando Tomoe, una vieja amiga de la infancia, reaparece en su vida.
"El ocaso del Samurai”, con un sutil guión, nos muestra que el mito del "poderoso" samurai al que estamos acostumbrados a ver en videojuegos, anime o películas "made in occidente" es exagerado. Sin ir más lejos, nos muestra una certera realidad. El diálogo, la imagen y la actuación de los personajes es lo que hace interesante a la película, dejando unas pocas escenas de acción, las cuales incluso están realizadas con gran maestría, así pues, puede considerarse como una película gramática. El personaje de Seibei, muestra a una persona que no desea ser un samurai con grandes honores y riquezas, el está a gusto con su vida, pues pasa mucho tiempo con sus hijas, el ya es feliz con su estilo de vida, aunque muchas veces sea paupérrimo y duro, nos enseña una moral la cual muestra que el ansia de poder no va coordinado con la felicidad, sino que dicha felicidad va cogida de la mano con el cariño que sientes a las personas de tu alrededor.

La música está compuesta con escasas melodías que se mezclan con el ambiente del lugar, a pesar de que el mismo sonido de la naturaleza otorga una buena melodía incluso en los momentos de silencio.
En resumen, es una película cuya maestría del director y del reparto es sólo comparable a la maestría de las películas del mismo género de Kurosawa o Mizoguchi.

Arakiri

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“You are my Sunshine” de el director Jin-pyo Park, ganador del Blue Dragon Awards al mejor director, junto el protagonista Jeong-min Hwang que que también ganó el premio al mejor actor. Nos muestran una película claramente diferenciada en dos partes, la primera nos muestra a Do-yeon Jeon la cual interpreta a una prostituta camuflada en pedidos de café a domicilio ofreciendo sus servicios a terceros, hasta que conoce a un modesto pero inocente granjero genialmente interpretado por Jeong-min Hwang que a costa de burlas y juegos de la "princesa", la termina enamorando.
Esta primera hora de la película, cumple con todos los cánones de un genero tan usado en Corea como lo es la comedia romántica, la cual esta manejada eficientemente e incluso con mucha elegancia y genuina picardía, para retratar los avatares del paso juguetón del romance de la pareja, desde la indiferencia de ella frente a la inocencia de el, la llegada del amor y el inicio del cortejo por parte de el y los detalles que llevan a ella a caer en brazos del granjero a pesar que este conoce los designios de la profesión que practicaba esta meretriz.

Luego una llamada cambia todo el rumbo de la película, como toda prostituta tiene un pasado, a partir de la segunda hora la película transita en una segunda parte, tan interesante y dramáticamente poderosa como sentimentalmente desgarradora que trae consigo un mensaje de esperanza y amor, en contra de todos los que no conciben este amor en especial la familia de el.

Una película que te hace poner la piel de gallina, mas aun sabiendo que es una historia real.

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Y es que Eun-ha descubre que esta infectada por el virus VIH y es encerrada en la cárcel acusada de contagiar a miles de clientes, lo cual da otro punto interesante de la propuesta, con lo cual la historia de amor y drama tiene un toque social porque se encuentra ubicada en una época a principios de los estragos de la enfermedad, donde los burdeles y prostitutas no usaban preservativos, se tenia un conocimiento mínimo del mal, lo que causaba discriminación por el temor al contagio (geniales momentos en donde no quieren tomar el vaso de agua del protagonista o en las duchas de la prisión, etc.), es decir sobre la base de los tabúes y miedos de una enfermedad, se construye una poderosa historia de un amor que trasciende todas las barreras y que no le teme a la muerte.

Arakiri

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En “la Condición Humana”, Kobayashi nos muestra otra vez la historia de una persona contra el mundo, contra un sistema, “la condición humana” es la historia de Kaji, un pacifista en medio de una guerra, de un semi-comunista en una sociedad fascista, es la historia, la dura historia de un hombre que ha de soportar su propio drama y el drama que le rodea, “La condición humana” es el ejemplo de lo que debe ser una película bélica triste, con la que sufrir, con la que llorar, al contrario que con “La lista de Schindler” “La vida es bella” o “Lazos de guerra”, sin buscar la lágrima fácil y al mismo tiempo disfrutar, y no porque el argumento nos de motivos para la alegría, todo lo contrario disfrutar de tener ante ti 10 horas del mejor cine que jamás podrás encontrar.

La trilogía está estudiada al milímetro, impresionante la puesta en escena que no escatima en detalles, la recreación de la colonia Japonesa de Manchuria es para quitarse el sombrero y a priori, el lastre que pueden suponer 10 horas de una película asiática y su fama de cine lento aunque parezca increíble son llevadas con fluidez, con sus consecuentes altibajos en el ritmo, que son suplantados sin ningún problema por el propio interés del espectador a causa de la gran intensidad del argumento.

Donde otros buscan mostrar, Kobayshi busca concienciar, donde otros giran en torno a una película en clave anti-militarista, Kobayashi te la pega en la cara en forma de primera persona, ni que decir que Tatsuya Nakadai como siempre está colosal, no por su gran actuación (que también) sino porque una obra colosal, hace colosal a un actor colosal y no porque la grandeza de “La condición humana” camufle sus posibles defectos de actuación, para nada, estos defectos no existen, se trata de una simbiosis perfecta solo comparable a la de Marlon Brandon en “El Padrino”.

La evolución a lo largo de la trilogía, tanto del protagonista como el resto del reparto es lógica e incluso esperada, los diálogos siempre durísimos, no tanto por el tema en si, sino por la manera de ser llevados a cabo, por un soldado aferrado a sus ideas y por la manera de defenderlas, es una cosa que a mi siempre me ha parecido digno de admiración.

Con referencia a la repercusión que tuvo, o ha tenido esta obra en occidente creo que es destacable que a pesar de ser prácticamente desconocida para el gran público, si sirvió de inspiración para otros directores y otras películas bélicas, (Sobretodo la segunda parte de “La Condición Humana”) siendo quizás la más representativa, “La Chaqueta Metálica”, (Desconozco si Kubrick vió esta trilogía, todo me hace pensar que si) que sin llegar a plagiar nada al espectador le da la sensación de estar viendo otra vez la parte de la instrucción, lo cual es un punto a favor que denota que nivel de película estamos visualizando.

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Como tengo el defecto, de que cuando algo me encandila, soy casi incapaz de ver sus fallos, aunque estos sean garrafales (ya se encargará de eso Grandine) intentar analizar no las tres partes, sino solo una, con la cantidad de detalles de un cine histórico-reivindicativo me parece una labor titánica, y puesto que seguro que se me escaparían infinidad de detalles de los que seguramente me arrepentiría después, me ha parecido mas justo intentar resumir lo que es el sentimiento de toda la saga en una sola crítica, aunque quizás eso sea algo más estúpido aún.
Arakiri

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Historia de una familia china, desde que un niño nace en 1967 hasta nuestros días. El film presenta tres momentos bien precisos. Arranca con la infancia del niño, cuyo padre regresa un día de modo inesperado, tras haber estado internado en un campo en los años de la revolución cultural. El padre soñaba con ser pintor, pero su estancia en el campo ha estropeado su pulso, su carrera se ve frustrada. Entonces pone todo su empeño en que el chaval, coja el testigo y se convierta en un buen pintor. Ya de joven, el chico progresa como pintor, pero trata de escapar del férreo control paterno: no va a clases, y dibuja por su cuenta, lo que le supone una dura reprimenda. Además conocerá a una joven de la que se enamorara (Zhang Yue, imposible no enamorarse de ella, yo también lo hubiese hecho)

La espina dorsal de la película es la relación padre-hijo. El padre es un hombre duro, que está convencido de que toda su vida no ha hecho otra cosa que buscar lo mejor para su hijo. Él ha reconocido el talento de su hijo, y no es que quiera proyectar en él lo que no pudo hacer, sino que reconoce su superioridad, porque advierte un don. Esto no quita para que se vea la distancia que se ha creado entre los dos, la falta de libertad y responsabilidad en que ha criado a su hijo; se ve claramente como el respeto reverencial a los padres, muy confuciano, debe compaginarse con la independencia personal.

En la narración, aunque sean presencias pasajeras, se ven las dificultades de la vida en China, a la hora de conseguir un piso. Los rascacielos que se construyen sobre los antiguos callejones son el cambio visible en esta nueva sociedad que cambia a la par que las relaciones humanas. También se aborda el tema del aborto, presentado como hecho traumático; la visión que se da del aborto no es complaciente, pero se ve como una opción personal, dura, pero que atañe sólo a los padres de la criatura.

La decisión final del padre, algo disparatada para mi gusto.

Arakiri

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Mao ha muerto y las reformas económicas impulsadas por Den Xiaoping han suscitado una atractiva prosperidad en las urbes de Shanghai y Guangzhou. Sin embargo, los voluntarios de lo que se llamaria “tercera línea” se encuentran aún atrapados en las atrasadas áreas del interior, a las que no ha llegado la nueva política del gobierno. Como muchos otros, Wu Zemin busca la forma de regresar a su antigua casa de Shanghai. Está decidido a que su hija, Qinghong (interpretada por la siempre preciosa Gao Yuanyuan) y el hermano pequeño de ésta lleven una vida mejor que la que han tenido Wu y su esposa en Guiyang.
En cambio, para Qinghong, Guiyang es el único hogar que ha conocido. Allí está su escuela y tiene su mejor amiga, Xiao Zhen, y allí tiene también al que puede convertirse en su primer novio, el joven trabajador Fan Honggen, la vida de Qinghong no es facil, inmersa en sus estudios su padre asabentado de la situación, recurre a todos los medios, incluidos la vigilancia, la persecución e incluso la mentira, para destruir el primer amor de su hija.
A pesar de ello “Sueños de Shanghai”, no es para nada una película de amor, ni sobre el amor.

Después de ver Sueños de Shanghai, el espectador no puede por menos que sentirse deprimido, se plasman los sentimientos conflictivos y contradictorios experimentados por personajes insignificantes durante los primeros años de la reforma económica, así como la impotencia que invade su corazón. El ritmo de la película es lento; la descripción de los personajes, minuciosa; el ambiente en el que éstos se mueven, es decir, el de los años 70 y 80, se recrea recurriendo al registro casi documental de lo que sucede: los ejercicios gimnásticos en grupo, las proyecciones de películas al aire libre, la moda de las camisas a cuadros y los pantalones acampanados, etc.

Muy recomendable.

Arakiri

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