Sobre Demonlover hay mucho que hablar. ¿Es buena o es mala? ¿Realmente importa? No se. Analizándola fríamente es una mala película. Sus imágenes me irritan, su montaje epiléptico me molesta mucho, su vaivenes con la cámara son lamentables. Ahora bien, ¿no es eso lo que busca Assayas? Los personajes se pasan toda la película hablando de la verdad, sobre mundos virtuales y sobre la dificultad de sentir.

Por eso Assayas los encierra en un complejo esquema argumental, no les deja tener imágenes propias. Es una película muy cruel, me ha recordado a Psicosis de Gus Van Sant, ambas hablan sobre la imposibilidad de que el cine continúe utilizando ciertos mecanismos que están a todas luces anticuados. Sin embargo, Assayas va mucho más allá que Van Sant. Muchos de los tópicos que aparecen en este film están presentes en otras "obras maestras" del cine actual, pero Assayas nos las muestra como falsas, como mentira

El problema de Demonlover es que no hay ningún cabo al que asirse, ninguna imagen que nos ponga sobre alerta ante este juego. Le falta una imagen que por fin nos diga: esta es la verdad, a partir de aquí se han ido construyendo mundos artificiales. Falta esa escena y eso obliga a partirte los sesos para llegar a la conclusión de que todo es mentira, de que todo existe de una forma virtual, no real y de la posibilidad de que el cine puede crear objetos reales.

También hay que considerar hasta que punto es necesario utilizar unos instrumentos (narrativos, dramáticos...) malos para construir un discurso coherente. Es decir, ¿tiene sentido el film de Assayas? ¿No sería más lógico hacer un A través de los olivos, un Elephant o un Vento di terra buscando imágenes propias que tengan alguna trascendencia en lugar de negar todas las imágenes, negar el mundo? Para responder a eso hay que volver al Psicosis de Van Sant. ¿Una mala película? Sí, pero no. ¿Puede ir el cine más allá de la experiencia real de sus protagonistas, constituirse en un artificio que tenga un significado real? Creo que si, pero me parece más válido hacer Gerry que Psicosis. Demonlover es una película valiente, diferente (aún utilizando mecanismos trillados), pero a la que le faltan imágenes que puedan decir que hay un camino válido a seguir, que se puede alcanzar.

miguel

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La película podría acercarse al concepto de abyección propugnado por Jacques Rivette a propósito de Kapo. Martin manipula las imágenes y los tiempos de su película en favor de un significado excesivamente subrayado, revistiéndolo de planos largos (enormemente largos, pero también muy dinámicos y vistosos) para contentar a una cinefilia afín que ha surgido tras el fenómeno Bela Tarr. Pero esto no es Gerry, ni The Brown Bunny ni Los muertos, películas que se cuestionan a sí mismas y donde las imágenes son sólo un principio evocador para espectador. En el caso de Martin, todo parece mucho más claro y no creo que se acerque al dicho godardiano referente a confrontar imágenes claras con ideas vagas (La Chinoise). Creo que el fallo de Martin es proponer un discurso muy limitado y cerrado que vuelve ineficaces los enormes planos que despliega.

El problema de Autohystoria pues, es que esas ideas están muy claras, como si se tratara de una película de Lars Von Trier o de su epígono norteamericano Paul Thomas Anderson.. El plano 2 es el más predecible y manipulador de todos, con esos coches girando repetidamente alrededor de la plaza, donde desaparece por completo la naturalidad y espontaneidad del primer plano (unos 40 minutos de paseo ininterrumpido). Al principio puede llegar a intrigar, pues sólo vemos a los vehículos girar y girar hipnóticamente alrededor de una plaza donde ondean banderas de Filipinas. Es una manipulación del contexto para introducir a la fuerza una idea que se desvela en los planos 3 y 4, en los que vemos en el interior de uno de esos vehículos a dos de los personajes, cada uno mirando constantemente hacia su ventanilla. Una mira al exterior de la plaza y la otra al interior. En la primera vemos enormes carteles con grandes anuncios, luces de neón sobre la bulliciosa silueta del presente capitalista del moderno Manila (espero que imegineis ya por dónde van los tiros de Martin) y en el interior vemos una y otra vez las banderas filipinas alrededor del monumento, una simplista y excesivamente subrayada metáfora de esa suerte de capitalismo emergente (Filipinas es una de las mayores exportadores de manufacturas electrónicas del mundo) y excesivo autoritarismo estatal que vive filipinas en los últimos 20 años -época por la que transita la interesante película colectiva Imahe Nasyon-. Por si la confrontación de estas dos imágenes no había quedado clara, el siguiente plano muestra a los dos protagonistas caminando en la más absoluta oscuridad. Excesiva oscuridad que revela otro plano demasiado pretencioso y con un evidente afán metafórico, que relaciona lo visto en los tres planos anteriores con la referencia histórica de los hermanos Bonifacio (los más importantes revolucionarios filipinos durante la ocupación española, ejecutados por otra facción idependentista filipina)

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Esta extraña simbiosis entre Historia y parábola política que propone Martin es interesante, el problema, bajo mi punto de vista, radica en que para alcanzarlo parece verse obligado a subrayar en exceso todas sus ideas. Ideas que tratan de adherirse con excesiva literalidad a las imágenes, como ocurre en el plano 2. Martin carece de la honestidad y clarividencia de un Jia Zhang-ke o Apichatpong Weerasethakul, directores que filman el presente de su país con mucha más naturalidad y creando metáforas igualmente efectivas. En el caso de esta película filipina, la narración excesivamente dirigida la aleja de esots dos grandes cineastas. Si bien estéticamente se podría asemejar a directores como los citados en el primer párrafo, creo que los planos largos no deberían ser un fin en sí mismo.

miguel

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He aquí la diferencia entre una película con ideas buenas y una buena película en sí. Los renegados del diablo no está mal, pero uno se queda con la sensación de que esa historia y esos personajes daban para mucho más. El problema radica en que Rob Zombie no es director y eso se nota. No me cabe la menor duda de que este hombre
tiene grandísimas ideas, pero ¿están bien llevadas a cabo?

Ejemplo: la escena en la casa de Charlie, la música, las drogas, las putas, el ambiente, se respira tristeza, melancolía, cansancio en los protagonistas, pero falta ir más allá. No hay ni un solo plano general en todo la escena, queda demasiado artificial, refrendado además con el efectismo de la cámara lenta.

Otro fallo que tienen muchas películas al tratar un tema morboso es que piensan que con eso su película ya es radical. Le pasa a Carlos Reygadas en Batalla en el cielo y le pasa, en menor medida a Zombie (aunque las pretensiones del cantante, por suerte, están muy lejos del petardo mejicano). Las escenas con Mamá están muy mal rodadas, les falta un ambiente más desquiciado. La ambigüedad del personaje del policía está muy cogida por los pelos.

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Y el final... Todos sabíamos que en la mente de Rob Zombie estaba Peckinpah y el final se prestaba a un homenaje a Wild Bunch. La magnífica canción de Lynyrd Skynyrd, Freebird, de fondo es muy adecuada, muy triste, antecediendo lo que va a suceder. De nuevo nos encontramos con la contradicción entre la resolución argumental y la resolución estética. Me parece muy magnífica la idea del "suicidio" final, como ya dije, sacado de Wild Bunch, el problema reside en la opción formal al mostrarlo. Zombie elige lo más convencional, es decir: cámara lenta, subir el volumen de la canción y trocear la escena en cuantos más planos mejor. Y ahí el dramatismo cae muy bajo. ¿Quién no estaba esperando que esos tipos se bajaran del coche y fueran andando con chulería hacia la muerte? Incluso podría haber copiado el famoso plano de Peckinpah (curiosamente en las imágenes promocionales si sale una escena similar...). Pero Zombie se raja, como se rajó Spielberg en La guerra de los mundos. Prefieren la resolución mainstream, para todos los gustos. Y así una película que podría haber sido de antología se queda en agua de borrajas. Interesante pero fallida.

miguel

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"Todos esos momentos se perderán en el tiempo, como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir"

Muchos significados le han dado a Blade Runner, es fácil hablar del superhombre, del hombre que juega a ser dios, de las limitaciones del ser humano, del miedo a la muerte y a lo desconocido, del amor entre personas de distintas razas, etc. Pero yo prefiero quedarme con las imágenes, con los momentos, que yo jamás olvidaré y que generación tras generación se irán pasando y nunca se perderán como lágrimas en la lluvia.

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Definir Blade Runner dentro de un género, de una corriente o de un estilo sería prácticamente imposible. Blade Runner es el resultado del trabajo de un director y unos actores en estado de gracia. ¿Qué se puede decir de Blade Runner? La primera vez que la vi, al terminar no pude articular palabra, había visto la version del director, en la que se había suprimido la horrenda secuencia final. Las palabras últimas de Batty aún estaban en mi memoria, volando, buscando enlazarlas con las imagenes de la película. Viendo como las lágrimas que Batty antes de morir se confundían con las gotas de la lluvia, y esa paloma con el alma de Batty volando hacia el cielo. Al lado Deckard, un hombre cobarde, que no valía ni la mitad que Batty, seguía vivo. De repente Gaff (Edward James Olmos) se acerca y dice: "Es una pena que la chica no pueda vivir, pero ¿quien vive?". La espéndida melodía Tears Rain sonando de fondo se acaba, al igual que la vida de Batty, al igual que la lluvia...

miguel

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El cambio de siglo vino marcado por el cuestionamiento de la autoridad norteamericana sobre el resto del mundo, labrada tras el derrumbre del bloque soviético. Los atentados del 11-s y el fracaso de la guerra contra el terrorismo, unido al avance de las economías asiáticas, erosionó esta dominación mundial. por lo que los teóricos de la postmodernidad vinieron a cuestionar el relato de Fukuyama acerca del fin de la Historia. Esto requiere el acceso a nuevos rudimentos para acercarse a la Historia, más allá de los relatos que proceden desde el poder o la excesivamente redundante filosofía de la Historia. Mysterious object at noon fue una de las primeras películas del siglo en preguntarse qué camino debería seguir el cine como instrumento de registro histórico. Si el cine podía ser una herramienta para construir una narración acerca del pasado.

Llevándolo a la práctica, su director, el debutante Apichatpong Weerasethakul ofrecía un cadáver exquisito mediante el cual la película se guiaba a través de pequeños relatos que unía de forma inconsciente la gente a la que entrevistaba a modo de documental. Superando el debate entre documental y ficción, AW comienza la película entrevistando a una vendedora ambulante para que narre las dificultades que ha pasado a lo largo de su vida. Como el relato termina pronto y no es demasiado interesante, el director le pide que cuente cualquier otra cosa, aunque tenga que inventársela. Ese es el punto de partida de un relato delirante donde la Historia oficial se mezcla con relatos orales, mitos o directamente la ciencia ficción fantástica.

Tailandia es un país donde la sinfluencias ajenas son reinterpretadas localmente a toda velocidad, al menos eso es lo que averiguamos observando el cine de AW o Wisit Sasatieng, también con los mucho menos interesantes hermanos Pang. Las lágrimas del tigre negro (Sasatieng), ese saturadísimo western tailandés, es el ejemplo más extremo. Esta cultura que muta con tanta facilidad choca con la situación política que vive el país, prácticamente una monarquía absoluta donde la censura prohibió la última película de AW por mostrar un monje que sueña con ser DJ. Quizás esta pervivencia de un sistema político tan arcaico en tiempos de la web 2.0 es el desencadenante de este cine que se ha señalado. Y así es como el relato excesivo, desestructurado y viciado que propone Mysterious object at noon se convierte en arma de disidencia política

miguel

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