Críticas de: Edan Gutcard

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Cuando leí la sinopsis sobre Minotauro me creó expectativas que distan del resultado final, por su inadecuada adaptación y los recurrentes estándares del género. Con una duración de 93 minutos la fallida elección se vuelve evidente a los 25 minutos (y me he visto tolerante) al ser predecible y peor cuando el esperado esperpento hace su aparición, mal concebida y lograda.

Y Olé mientras todos corren, yo bostezo; mientras tratan de salir del laberinto busco las diferencias del set, ya que es más que evidente el bajo presupuesto para situar al espectador en el laberinto del cual el más inteligente y sagaz tendrá la oportunidad de resolver y matar al toro. Los efectos especiales penosos, la caracterización ineficaz.

No pierdan su tiempo los amantes de la literatura, ¡Se lo que hicieron el verano pasado! Solo que ubicados en un pasaje de la mitología griega. ¡Qué valor! Para hacer este tipo de trabajos.

Vergüenza

Con la última Muestra Internacional de Cine en México del 2006 se retomaron dos cintas denominadas de culto: El Topo y La Montaña Sagrada, ejemplares jamás transmitidos por televisión gracias a guiones poco amables para los conservadores (políticos y empresarios) que de alguna manera se ven aludidos por este director que cuestiona los valores morales que han imperado durante siglos.

A través de la metáfora “La montaña sagrada” define al ser como “mierda” y sin contemplaciones cuestiona roles asignados a Dios, Jesús y todos aquellos individuos con la capacidad de brindar soluciones a la sociedad, que con análisis se conciben como los males que acechan al hombre: la esclavitud, represión, intolerancia, injusticia o el abuso todo por cuestiones de poder y dinero, tornándose como cuestiones de la vida diaria.

Sin muchos parlamentos, recursos visuales únicos y favorecidos por la idea clara que Jodorowsky quiere transmitir, trasciende a 23 años de realizada.

La Montaña Sagrada es de gran apreciación, comprensión, analogía y gran paciencia, no todas las percepciones son iguales, “No es necesario fumarse un churro, para poder disfrutarla”.

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

spoiler:

Moraleja: La única inmortalidad es la que puede ofrecer el cine.

No importa donde se de el fenómeno de la inmigración y a consecuencia de éste la desintegración familiar y en el que la mujer tomará el rol de padre y madre simultáneamente, a falta de la figura paterna. Con ingenuidad los tres protagonistas aceptan la verdad que les han querido contar y harán hasta lo imposible por recuperar al padre ausente, situado lejos de su lugar de origen por cuestiones económicas. Esa ingenuidad y falta de información los expone a peligros latentes du-rante su búsqueda.

Se le agradece al director y guionista que a pesar de ser una problemática común y poco alentadora haya un tratamiento cuidado y que el drama de estás familias no concluya en tragedia. Los contextos de ubicación de las historias (México, Cuba y Marruecos) son hasta cierto punto diferentes, por cuestiones políticas, sociales y geográficas, pero la motivación a inmigrar será la misma: el dinero suficiente para vivir mejor.

A pesar de no haber recibido premio alguno en nuestro país y tampoco haber figurado como cinta altamente taquillera, para el autor de está obra queda la satisfacción de haber entregado una coproducción (México-España-Cuba) con críticas aceptables por parte de los críticos y del publico, dónde la delincuencia o el sexo ya no fueron temas centrales y su léxico fue más apropiado para un público más amplio en cuanto a rangos de edad.

Definitivamente las actuaciones sobresalientes se sitúan en sus protagonistas (los niños), siempre con una interpretación natural y convincente, así como de Carmen Maura a la cual se le ha dado por intervenir con chicos menores de diez años, afortunada su aparición, (felicidades). De gran relevancia que esta producción apareciera en la cartelera del año pasado y mostrar el potencial de directores con obras interesantes, que buscan más allá de la taquilla y la polémica, pudiendo opacar trabajos huecos y estupidos de nuestra misma industria cinematografía.

El Cubo… ¿Qué se puede decir de la obra magna de Vicenzio Natali? Muchos comentarios positivos para el talento de este hombre, que con su ingenio logro crear un guión excepcional apoyado por un staff lo bastante eficiente para transportar al espectador a ese cubo de primera instancia terrorífico, colorido y analítico, complementado por personas de diferentes caracteres dispuestas a salir del encierro que ciega y enloquece.

En entrevista Vicenzio Natali asegura que sus personajes no fueron tomados para representar la sociedad de hoy, simplemente fueron tomados de acuerdo al perfil psicológico que ayudara u obstaculizara la salida del cubo, sin olvidar que cada uno de los seleccionados cumple con una función y si es lo bastante apegado al pensamiento de hoy… la competencia por ser el primero, por evitar que otros lleguen a la cima habiendo de por medio intolerancia, injusticia, alevosía, abuso, traición encima de la ética y lo correcto.

El Cubo te atrapa de principio, te sorprende, aflige, aterroriza, idónea para la reflexión, extraña, fascinante, imprescindible, terror absoluto y del mejor.

La opera prima de Gael García Bernal acaparó comentarios en la semana de la crítica en Cannes, debido al argumento que sustenta su trabajo, el cual trata de enfocar problemáticas que atañen a la juventud de clase alta y baja, la supuesta tolerancia de la que se dota la primera y el sometimiento al que se ve expuesta la segunda. Las presiones y roles se encaran con una sonrisa y supuesta generosidad al encontrarse frente a frente; es notoria la imposibilidad de aceptar el fracaso propio y el éxito ajeno de quien supuestamente es inferior. Entre amigos y desmadre se encausan esas presiones a los que son sometidos los protagonistas; es inminente ese vacío en el interior de los presentes; no hay convicción en los actos y el reto es evadir el déficit emocional. Luces, drogas, sexo y música se vuelven en fugaces escenas los elementos idóneos para evadir el entorno asfixiante e intranquilo de quienes tienen “todo”.

La línea argumental es tan valida que pudo obtener algo más que comentarios positivos y llevar a la cima a su creador a nivel de guión o dirección. Sin embargo, Bernal se estanca en la banalidad de los personajes, los estereotipa, los envuelve en la pendejada y no deja ver más de ellos. Hay un superfluo análisis del comportamiento de este sector de la sociedad, siendo excesivo para una película que trata de abordar otros temas de mayor relevancia. Por otro lado, se muestra a los habitantes de la casa encargados del cuidado y mantenimiento de la misma, de forma escueta, volviendo la interacción entre los dos grupos casi nula. Todo lo anterior es bastante apegado a la realidad, pero es aquí donde la habilidad del creativo debe entrar para narrar de lo ordinario, lo excepcional y volver lo retratado en obra.

El déficit no solamente es notorio en guión, es evidente en diseño de arte y caracterización; la casa no da la pinta de ser de alguien pudiente, así como su dueño tampoco convence caracterizado de Gael García usando ese estilo desaliñado propio del actor. Y si seguimos con estereotipo tal y como lo propone con los amigos de Cristóbal (pendejos), éste debió tener la preocupación de interpretar un auténtico tipo hijo de papi o jr. (vestimenta y actitud). Es insuficiente el léxico y tono empleado “wey, no mames cabrón, o sea deja te explico”, puede verse que es un estilo de vida. Mala interpretación.

La opera prima de Bernal no cumple con lo esperado.