El director Julian Schnabel se sirve de un hecho real, el infarto que sufre Jean-Dominic Beaby (interpretado por Mathieu Amalric), director de la revista Elle, que le hace quedar preso dentro su propio cuerpo y siendo un único ojo su medio de comunicación con el exterior.

El film se centra básicamente en la nueva vida de Jean-Dominic, cómo se adapta a las nuevas circunstancias. Hay dos aspectos que hacen este film muy interesante:

Por un lado el tratamiento que el director le da a la forma de afrontar una situación en que una persona solo puede mover un ojo. En lugar de buscar la lágrima fácil y construir un relato blando y sensiblero, el director, eludiendo hábilmente cualquier debate sobre la eutanasia, se centra, una vez el pesonaje ha asumido su situación en las posibilidades que le ofrece su mente y más concretamente su imaginación para conseguir evadirse de la prisión en que se ha convertido su cuerpo. En este sentido, se podría establecer un claro paralelismo entre la vida del protagonista y las del mundo en general, atrapados de una u otra forma en esa misma forma de vida. De alguna forma, el film se podría ver como un canto a la imaginación y a través de ella, una invitación a utilizarla para salir de la atonía y marasmo de unas vidas rutinarias.

Por el otro, es muy interesante cómo el director nos obliga a pasar por el mismo via-crucis que el protagonista con el uso casi indiscriminado de la cámara subjetiva. Sobretodo al principio, todo lo que vemos, lo vemos a través del ojo de Jean-Dominic, no es hasta que este empieza a aceptarse cuando empezamos a verle desde otro punto de vista (aunque el director lo hace progresivamente). El director consigue de esta forma, que nos identifiquemos con una historia básicamente introspectiva, no sólo con el uso subjetivo de la cámara, sino con la voz en off de Jean-Dominic, ya que casi todo lo que nos muestra lo hace a través de su protoganista que nos hace de filtro, consiguiendo que entendamos su situación.

Inteligente propuesta de Schnabel tocando con seriedad y no exento de cierto estilismo un tema que de entrada puede ser bastante delicado, evitando que éste derive hacia el lado fácil, cómodo y más puramente taquillero, afrontando con acierto una historia rica en matices, y consiguiendo la identificación con el protagonista sin trucos ni manipulaciones.

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Desde el inicio el film no oculta su que vamos a asistir a una tragedia, el mismo protagonista, que hará las veces de narrador nos lo anunciará, puesto que desde el inicio sabemos que está muerto (a destacar el excelente travelling inicial en el que mientras escuchamos la voz del protagonista, la cámara se va moviendo lentamente desde un plano general hasta la piscina donde se encuentra su cadaver). Wilder nos ilustra una amarga y negra historia sobre un escritor de segunda clase (William Holden), cuyos pasos le llevan hasta la mansión de una antigua estrella del cine mudo, Norma Desmond (Gloria Swanson) ya prácticamente olvidada.

De hecho Wilder, en realidad nos cuenta una historia de las que se consideran como "cine dentro del cine", pero realizada de una forma en que realidad y ficción parecen entrelazadas de una forma muy inteligente y sutil, sirvéndose de los personajes de la trama. Para empezar la protagonista, Gloria Swanson fue al igual que su personaje una estrella del cine mudo y que también trabajó con Cecil B. De Mille. Eric Von Stroheim que interpreta al silencioso mayordomo, fue, al igual que su personaje, director de cine de la época muda, además de primer marido de Norma.

Con esta elección de personajes, Wilder sin duda pretendía hacer algo más ténue la línea entre realidad y ficción, de forma que muchas de los aspectos que aparecen en el film se pueden extrapolar perfectamente a la realidad. Así, bajo una trama que gira alrededor de una estrella de cine caída en el olvido, subyace una feroz crítica a la "fábrica de las estrellas", cuyos efectos vemos claramente en el personaje de Norma, un producto fabricado allí, pero a causa de su edad, ya no es util. La crítica no es tanto para alguien en particular como algo general.

Lo cierto es que Wilder toca en este film temas tan generales como la llegada de los nuevos tiempos, junto con nuevos valores, asumir la pérdida de la fama, la vejez, la muerte, la ambición (sin duda el personaje de William Holden), etc. Todo ello planea a lo largo del film de una forma implícita. De hecho ninguno de los tres personajes principales, que no por casualidad, son los que acaban viviendo en la mansión, tienen connotaciones positivas, abarcando un amplio catálogo de caracteres que va del egoísmo a la megalomanía pasando por la antipatía y como mucho llegamos a sentir lástima de Norma. La puesta en escena es perfecta (de hecho Wilder no dejó nada al azar), con unos escenarios (los de la mansión sobretodo) que respiran decadencia por los cuatro costados, todo ello envuelto en la excelente banda sonora de Frank Waxman, que da la guinda a esta sórdida y negra historia, con unas interpretaciones que están a la altura.

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Versión americana de una película alemana, el film nos presenta a Catherine Zeta-Jones en el papel de Kate, una chef que dirige una cocina con cierto éxito. Sin embargo su vida se tambalea cuando tras la muerte en accidente de su hermana, debe encargarse de cuidar a su sobrina.

Además entra en su cocina otro chef, el cual parece disputarle el poder en lo que hasta entonces eran sus dominios. El film es una típica historia de comedia romántica con algunas pinceladas dramáticas y al servicio de Catherine Zeta-Jones. Sin embargo, tanto el otro chef, interpretado por Aarón Eackhart, como la sobrinita, Abigail Breslin (la niña de “Pequeña Miss Sunshine”), le roban casi todos los planos, ya que por muy buena figura que tenga, no es suficiente cuando se enfrenta con un buen actor y una niña que enamora a la cámara.

Por otro lado, el film, desaprovecha al resto del reparto relegándolos a la categoría de meros figurantes. A todo esto hay que añadir una historia excesivamente plana y banal que prácticamente no aporta nada al cine en general.

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Dirigido por Tamara Jenkins, el film ahonda en la relación entre padres e hijos, explicado con una sensibilidad especial. El film centra su foco en la situación de Lenny Savage (Phillip Bosco), afectado por demencia senil, y que precisa de cuidados contínuos, cuya vida transcurre en la rutina de sus cuatro paredes hasta que la persona que le cuida decide dejarle. Entonces sus dos hijos, John (Phillip Seymour Hoffman) y Wendy (Laura Linney) deberán tomar las riendas.

La directora en realidad nos quiere mostrar el recorrido que hace una familia, de entrada totalmente separada y alejados unos de otros, cuyos hijos llevan unas vidas bastante insatisfactorias, ella trabaja como oficinista aunque sueña con poder escribir obras de teatro. Mientras que él, aunque es profesor de filosofía, lleva una vida personal un tanto desordenada. El hecho de tener que ocuparse de su padre senil, obliga a ambos hermanos a desplazarse, y durante un lapso de tiempo estar juntos. Lo que muestra en realidad la directora es el recorrido que realizan unos personajes un tanto perdidos en la vida, y totalmente alejados unos de otros, de forma que al ver la situación de su padre, les obliga reflexionar sobre la vida, sobre su vida, y de alguna forma esta reflexión les permite enderezar el camino, y de paso recuperar unos lazos familiares que parecían perdidos para siempre.

Jenkins, nos ofrece un relato con un marcado tono intimista, con una linea claramente dramática aunque con algún que otro toque de humor (suavizado), dentro de un tono un tanto triste, sobretodo al principio, pero que a medida que avanza el metraje deja un poso de optimismo y esperanza. El tratamiento que nos ofrece la directora está lleno de sensibilidad y sentimiento, dentro de un enfoque eminentemente realista: son personas corrientes con problemas corrientes que buscan su lugar en el mundo que les ha tocado vivir. La historia está perfectamente secundada por las estupendas interpretaciones tanto de Phillip Seymour Hoffman como de Laura Linney, absolutamente magníficos los dos, dando el tono adecuado a unos personajes complejos, a ratos antipáticos, pero con toda su dimensión humana. Película intimista, en la que la directora no nos cuenta nada nuevo, pero cuyo tratamiento, alejado de pretensiones y manipulaciones, le da una apariencia de realismo que es inevitable sentir simpatía por sus personajes.

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De la mano de David O. Selznick, el realizador Alfred Hitchcock cruzaba el charco y nos ofrecía su primera película en "la tierra prometida".

Desde el inicio acompañando sus primeras imágenes con las notas de Frank Waxman, Hitchcock deja bien claro no vamos a ver una comedia precisamente. Un travelling atraviesa una cerca cerrada y serpentea de noche por un camino abandonado, mientras la voz en "off" de la protagonista comienza con una frase para la posteridad ("Anoche soñé que volvía a Manderley"). Y entonces vemos la mansión, en ruinas, como una presencia amenazadora, tétrica y siniestra, que la sensación que allí ocurrió algo estremecedor.

Tras este brillante inicio, Hitchcock va desvelando la trama, que comienza con la historia de "amor" entre la protagonista, interpretada por Joan Fontaine, y Max (Lawrence Olivier), en Montecarl. Hitchcock aprovecha estos primeros minutos para definir a sus personajes, ella una joven ingenua, y casi anónima (no llegamos a saber su nombre en ningún momento del film), y él atormentado por el pasado y por el recuerdo de su difunta mujer.

El film gira alrededor de una persona muerta, la Rebeca del título, eje sobre el que basculan todos los personajes, y de cuyo recuerdo se encarga de mantener su ama de llaves, la Sra. Danvers (impresionante Judith Anderson). El director no se preocupa de mostrarnos ningún "flashback" de la desaparecida, limitándose a construir la trama y la puesta en escena alrededor de su ausencia, más que de su presencia física. No sólo Rebeca es un personaje que sin que lo veamos, está presente, también Manderley, la mansión es casi un personaje más. Una presencia siniestra y poco acogedora para la segunda Sra. de Winters (reforzado por el hecho que el film expone su punto de vista), ya que el caserón era el territorio de Rebeca, y cualquiera que intente ocupar su lugar es una amenaza.

Brillante film, uno más, el de Hithcock, construido a partir de la ausencia, e ilustrado con una intriga y suspense que giran alrededor de la ausente y de los hechos que la llevaron a la muerte. Manteniendo en todo momento el pulso y el tono siniestro, con que ya nos marcó al inicio del film. Por otro lado, más que las interpretaciones de los dos personajes principales, que están perfectos en sus papeles, destacaría la de los secundarios que enriquecen profundamente la historia y vehicula el film hacia el tono exacto que quiere dar su director a esta película. Si bien, todo el mundo recuerda al ama de llaves (Judith Anderson), no hay que olvidarse de la breve, pero intensa, presencia de Florence Baters ni de la estupenda interpretación de un personaje típicamente "hitchconiano" que nos ofrece George Sanders.

Una película cuya presencia entre las más grandes del cine está plenamente justificada.

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