Película que genera opiniones bastante opuestas, “Los girasoles ciegos” pertenece a ese tipo de films donde todo parece milimétricamente planificado, quizás de una manera excesiva, sin dejar ningún tipo de margen a la improvisación. Y seguramente ese academicismo que ha generado buena parte de sus críticas, acabe siendo una de sus mayores virtudes. José Luis Cuerda adapta una parte de la novela de Alberto Méndez, sin querer protagonismo alguno, dejando en manos de dos personajes la base central de la historia y apostando por que un guión con pocas fisuras haga el resto. No sale malparado del todo, pues tanto Raúl Arévalo (verdadera revelación de la película) como Maribel Verdú rayan a gran altura y de sus encuentros y desencuentros extraemos lo mejor de un film que vuelve a caer en la tentación (parece ser que ineludible en el cine español) de hacer del personaje del niño de turno el contrapunto gracioso que equilibre el drama que se nos cuentan. Es en este excesivo protagonismo que adquiere el personaje interpretado por Roger Príncep y en la historia paralela de la huída a Portugal de la hija y el yerno del matrimonio protagonista donde “Los girasoles ciegos” patina en exceso, llevándolo por momentos por los cauces de la “historieta” de estar por casa, postre agridulce para la feliz degustación de paladares acomodados. Por fortuna, el grueso de la historia principal se acaba imponiendo y el último tramo del film se acaba convirtiendo en un verdadero “tour de force” interpretativo entre Arévalo y Verdú al que se une un Javier Cámara que sabe sacar con solvencia el sin duda personaje más difícil de la película.

Se le podrá recriminar su falta de nervio, un más brillante acabado o que nos devuelva a lugares comunes que nos sabemos de memoria, pero “Los girasoles ciegos” acaba sobresaliendo por ser una película sobria, digna y que no engaña a nadie, que a día de hoy no es poca cosa.

Lo mejor: la revelación de Raúl Arévalo y el reencuentro con la mejor Maribel Verdú.

Lo peor: el trazo grueso con que están dibujados algunos personajes.

AMQE

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Realmente está muy difícil hoy en día en el mundo del cine de super-héroes y en general en el de acción llegar a sorprender, a aportar algo nuevo que distinga al producto de entre la amplísima oferta que nos es ofrecida masivamente semana tras semana. Quizás por ello Christopher Nolan opta en esta segunda entrega de su serie sobre el personaje de Batman, a acercar más el personaje y la historia al público adulto, dándole a la película un marcado acento oscuro y pesimista que seguramente lo alejará del público adolescente más afín a la parafernalia y a los juegos artificiales, pero por otro lado el film sale sin duda ganando en cuanto a calidad narrativa se refiere.

“El caballero oscuro” es una película de impecable producción, brillantemente interpretada (Heath Ledger destaca por encima del resto, pero sería una injusticia no mencionar también el estupendo trabajo de Christian Bale, Aaron Eckhart o Gary Oldman) y que solo se resiente de un desenlace algo confuso que de todas formas no merma un hermoso final, seguramente el más descorazonador que ha tenido nunca un film de super-héroes. Se desmarca pues, como ya hacía en la primera entrega “Batman begins”, de las adaptaciones de Tim Burton, más divertidas, más personales, pero también más planas y simples. Nolan dibuja un Batman más consciente de sus limitaciones, humaniza al personaje y le hace tener dudas, dilemas que la vida le plantea como a cualquier ser humano. Esto hace que el personaje crezca y se haga mucho más rico en matices con lo que la película gana enteros, apoyada en unas escenas de acción perfectamente resueltas (la primera escena del atraco al banco sería un buen ejemplo) y unos diálogos potentes, insólitos en este tipo de producciones.

Estrenada oportunamente en un momento donde las crisis de todo tipo parecen hacer tambalear nuestros valores morales, Nolan parece advertirnos de que cualquier persona puede convertirse en un “joker” (incluso nosotros mismos) y de que desgraciadamente, dado el caso, no tendremos a ningún Batman que acuda a nuestro rescate.

Lo mejor: el ritmo y el tono oscuro que domina toda la película.

Lo peor: la confusión a la que lleva a veces querer rizar el rizo.

AMQE

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No se puede negar que las películas de M. Night Shyamalan tienen de entrada un atractivo especial. Sus puntos de partida, especialmente ingeniosos, hacen que te sientas prácticamente en la necesidad de verlas, aunque lamentablemente la mayoría de ellas se acaben desinflando como un globo a medida que pasa el metraje. “El incidente” no es una excepción. Tiene un inicio interesante pero su posterior desarrollo se vuelve plano, poco original, incluso en algún momento aburrido. Incluso el desenlace, que salvaba alguna película de su filmografía como por ejemplo “El bosque”, es en esta demasiado fácil y simplista. Si a esto añadimos unos personajes secundarios mal dibujados la mayoría de ellos, unas situaciones algo hilarantes y el inevitable recuerdo y comparación que genera hacia la relativamente reciente y parecida “La guerra de los mundos” (de la cual “El incidente” sale claramente mal parada), nos daremos cuenta que estamos ante un voluntarioso ejercicio de ciencia ficción con ánimo de denuncia ecologista que no va más allá de la anécdota inicial y al cual da la impresión que su director no ha sabido o no ha podido dar la garra que la historia precisaba.

Hay que reconocer, no obstante, la habilidad que exhibe Shyamalan en la utilización de los espacios abiertos para generar tensión. En una época en la cual parecen indispensables los ambientes oscuros para provocar el miedo en el espectador, el director indio demuestra (como hizo el maestro Hichtcock en alguna de sus grandes películas) que un campo abierto puede ser tan terrorífico como el peor sótano infecto y mal iluminado.

Así pues, es una pena que tal capacidad de generar ideas no vaya acompañada de la misma destreza en desarrollarlas y todas sus películas se acaben pareciendo demasiado unas a otras en el peor sentido.

Lo mejor: la utilización del campo abierto y luminoso como recurso terrorífico.

Lo peor: su resolución.

AMQE

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Generalmente no basta con buenas intenciones para hacer una buena película. Sin duda Aleksandr Sokurov las ha puesto todas en “Alexandra”, su nuevo film, más que una reflexión sobre los efectos nocivos de la guerra de Chechenia, un lamento sincero sobre la condición humana y su incapacidad para superar conflictos que se eternizan más de lo deseable. Sokurov no obstante lo deja todo en manos de su actriz principal, Galina Vishnevskaya, la cual a través de su personaje, esa abuela que viaja hasta el campamento en el cual su nieto ejerce de oficial, carga con el peso de una historia que parece estancarse desde el primer momento y que parece adueñarse del ritmo cansino de su protagonista para sumergir al espectador en un estado cercano a la modorra.

Entre caminos polvorientos vamos siguiendo a la protagonista deambular por el entorno del campamento militar esperando que pase alguna cosa. Pero el film va discurriendo sin que nada lo altere, sin ese giro esperado que pueda hacer que mantengamos nuestro interés en la historia hasta el final, provocando que nos preguntemos una y otra vez, qué diablos pinta esa mujer en el campamento, qué clase de relación tiene con su nieto, qué papel juegan los personajes secundarios que van apareciendo y desapareciendo sin aportar nada a la película… Preguntas que al final quedan sin una respuesta clara, pues la película acaba de la misma insípida manera que como comienza. Como testimonio documental se podrían salvar algunas cosas pero como película es un tostón de principio a fin.

Lo mejor: su buena voluntad.

Lo peor: su incapacidad de transmitir algo.

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Últimamente se le da bastante bien al cine español abordar el tema de los conflictos laborales, ya sea la ausencia del mismo trabajo (Los lunes al sol), como los problemas que este conlleva (“Smooking room”, “El método”). “Casual Day”, la primera película de Max Lemcke, no es una excepción en este sentido y supone un soplo de aire fresco en una cinematografía no precisamente sobrada de estas sensaciones. Lemcke sustenta su propuesta básicamente sobre dos pilares. Un excelente y ajustado guión, en el cual los diálogos funcionan como armas afiladas y mortíferas y un reparto sobresaliente del que destaca por encima de todos la figura excelsa de un Juan Diego en estado de gracia. Sus escenas con el joven Javier Ríos se convierten en lo mejor de una película que ironiza con abundantes dosis de mala leche las eternas luchas de poder que se dan en el seno de cualquier empresa y los nuevos métodos de relación laboral que se vienen implantando en el mundo globalizado. Cualquiera que forme parte del sector laboral podrá reconocer (o incluso reconocerse) algún conocido identificado con alguno de los personajes del film. Como de igual manera habrá que reconocer que “Casual Day” es no solo una grata sorpresa sino una de las mejores películas españolas de lo que llevamos de año.

Lo mejor: Juan Diego.

Lo peor: que pase desapercibida.

AMQE

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