Coproducción con Alemania y Suiza basado en un relato del suizo Friedrich Dürrenmatt sobre un asesino en série de niñas y las obsesión de un retirado agente de la policía por cazarlo. Sean Penn lo adaptaría nuevamente con "El Juramento", con Jack Nicholson en la cabeza.

Filmada integramente en Suiza con sus característicos parajes boscosos, Vajda escarba en la conciencia de cada uno de los personajes que intervienen. El obsesionado inspector de polícia, el vendedor ambulante, el aniñado psicópata (Gert Frobe, el futuro de Goldfinger de 007), la desesperación del padre de una de las víctimas, o el propio cebo de niña (inocente aunque poco compasiva) y su recelosa e inocente madre que no comprende de las intenciones del polícia que ha alquilado una gasolinera y desde allí, reemprender su trabajo para hallar al asesino.

Un soplo al cine español que significó que se podía hacer buen cine aunque fuera desde el extranjero. Quedará como uno de los títulos más remarcables de Ladislao Vajda, que se aleja del misterio y del cine negro para elaborarnos lo que parece ser más un documento de denuncia.

Ignasi Borràs

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Con la boga de Ciencia-Ficción y Fantasía que invadiría los EEUU en los años cincuenta, hay que sacar a relucir esta joya basada en un relato de Richard Matheson (autor de las tres veces adaptada "Soy Leyenda"). Nos cuenta aquí el calvario que sufre un hombre al ser expuesto a radiación con sus consecuentes efectos de reducción de tamaño. Aunque imparables, él empezará a tener una visión de la grandeza de lo que le rodea, ya sin contar los peligros a los que se debe enfrentar. Es recalcable no obstante el apunte reflexivo acerca de esa nueva manera de ver las cosas.

Los saltos temporales ya nos dejan ver la situación del absurdo proceso de miniaturización de este Robinson Crusoe, cuando las mangas de sus camisas empiezan a esconderle las manos hasta su refugio en su casita de juguete sin dejar de ser acechado por un lindo gatito que no solamente merodea en busca de su cuenco de leche. Scott está en el sofá de su casa, pero no de la suya, sinó en una estancia para sus necesidades. Los distintos grados de condición humana son presentes; desde su "rechazo" social presentado como un personaje de circo hasta poco después cuando traumáticamente se da cuenta que su estatura sigue yendo a menos, hasta su condición de luchar por sobrevivir en un mundo nuevo y desconocido que empieza por las dependencias de el sótano para llegar al inexplorado jardín bajo un cielo salpicado de estrellas.

Rodada en blanco y negro con unos excelentes efectos especiales, dignos de la época, Jack Arnold ya se había especializado en films del tipo "Tarántula", donde aquí un arácnido se engrandecía y sembrava el pánico ante una diminuta población asustadiza.

Ignasi Borràs

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No era la primera vez que Francis Veber adaptaba al personaje de François Pignon en las matrices del celuloide. Ya lo habíamos visto en "El Embrollón" (1973) tras la piel de Jacques Brel y en "Los Compadres" (1983) y "Dos Fugitivos" (1986) ambas interpretadas por el acertado cómico Pierre Richard.
De la pieza teatral que tuvo un éxito rotundo en Francia, Veber se saca de la manga su creado personaje y le pone otro nombre y apellido; Jacques Villeret. El malogrado actor es todo Pignon; paleto, gafe e idiota. Daniel Auteuil retomaría las andanzas de Pignon dos años más tarde con "Salir del Armario".
"La Cena de los Idiotas" fue el punto de inspiracion de Veber a partir de artículos de prensa en los que detallaban casos reales de citas y cenas propiciadas por altos ejecutivos parisinos que, para amenizar sus encuentros, invitaban a gente tan peculiar con la falsa promesa de ascenderlos de status laboral. Aquí, lógicamente en una comedia, se subvierten los esquemas y la risa está más que asegurada. Ni que decir que Steven Spielberg compró los derechos para, algún día, adaptarla al otro lado del charco.

Lo mejor: el productor belga.
Lo peor: los diálogos doblados pierden fuerza por los juegos de palabras que se producen en su versión original.

Ignasi Borràs

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Definir "expresionismo" es darle un mazazo al Arte en su concepto. Una forma de invocar la escena mediante la opresión y la asfíxia del decorado. La abstracción de lo sobrecogedor también lo expresan los actores que, como fantasmas en silencio, pululando como presas de pánico, misterio e incertidumbre. Se dejan llevar por este movimiento artístico, manejado a la vez por las viejas bobinas que, mecánica y musicalmente, ruedan y ruedan de principio a fin reflejando, fotograma a fotograma, su imagen salida de la oscuridad. A través de la linterna mágica. Con esto quedaba inaugurada la proeza de Robert Wiene y el cine expresionista alemán.

Planos generales que parecen primeros planos. La amputada perspectiva de fondo en formas cónicas y puntiagudas mirando arriba (los tejados, los ventanales, sillas altas en decorados diminutos...), como las casas y las laberínticas calles de pesadilla, estrechamente concebidas para los más sigilosos caminantes que aparecen en cualquier momento, confundidos por la debil luminosidad que el plató de la época poco podía ofrecer. De esa condición, la creación de una magistral pieza que, vista en otros ojos; vemos la situación de Alemania en el período de entreguerras. El Imperio que decae, la Nación que nace ante un futuro incógnito con sus títeres presas del pánico, llevados por Caligari y su maquiavélico pelegrinaje por las ferias de los pueblos.

No es una película que se congenie con el cine fantástico. Literalmente hablando, claro está. En esos tiempos había que recurrir a George Mélies y sus atracciones de feria, para hablar de géneros cinematográficos, que era decir muy poco. El cine, tal y como lo conocemos, está en su más tierna infancia. Pero dotada de inteligencia y reflexión artística. Y la obra de Wiene es un buen ejemplo. Era el feto del superdotado de ideas mientras "El Nacimiento de una Nación de Griffith" lo era al montaje.

Museo en movimiento. Obra maestra de una culminación. "El Gabinete del Doctor Caligari" removerá conciencias vea como se vea. Con o sin música. Entre diálogos o en el más espectral y agradecido de los silencios.

Ignasi Borràs

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El director de "Conociendo a Júlia" se inspiró libremente en la figura del actor Gustaf Gründgens que triunfó en los escenarios de los años veinte y que vió su oportunidad para huir a América con la llegada de los nazis al poder. Pero él decidió quedarse. En el cine, Gründgens aparecía como uno de los mafiosos ansiosos por cazar al asesino Peter Lorre en "M el Vampiro de Dusseldord" de Fritz Lang.

Pero no como Lang, Dietrich o sus compañeros de escena teatral, Gründgens se quedó en Alemania confiado que su imparcialidad hacia el nuevo gobierno le daría más libertad creativa. Moriría en Manila en 1963.

István Szabó saca a su Gründgens (en el film es apodado Hendrik Höfgen) a la platea y vestido de Mefistófeles (personaje que le dió a conocer). Como en la obra de Goethe, el actor desde fuera se vende al Diablo por el bien de sus amistades cercanas. Solo que en la calle están los nazis y él ya no es Mefistófeles sinó un atemorizado hombre que va escalando posiciones en el mundo teatral.

Con esta película Szabó inauguraría una trilogía compuesta por otros dos films: "Coronel Redl" y "Hanussen, el adivino", interpretados también por Klaus Maria Brandauer (Nunca digas, nunca jamás) y con la caída del Imperio Austro-Húngaro como nexo en común.

Ganó el Oscar a la mejor película extranjera en 1982

Ignasi Borràs

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