Críticas de: odaesu - FilmAffinity

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Críticas de: odaesu

George Clooney y Steven Soderbergh, una terraza desde la que se divisa medio Hollywood, una botella de whisky, y el libro de Joseph Kanon, El Buen Alemán en la mesa. Dos amigos, una idea, una locura. Porque no dar una vuelta de tuerca al cine actual, y rodar una película contemporánea cómo si fuera un clásico de cine negro, sobre la que flotaran constantemente tres espíritus (entre muchos otros): el de Orson Welles, el de Carol Reed y el de Humphey Bogart. Porque seamos sinceros, el encasillamiento no es bueno. No se puede estar toda la vida haciendo lo mismo: paranoias (Soderbergh), cine político (Clooney) y películas comerciales (ambos, juntos o por separado). Y ya que el dinero entra a espuertas gracias a la franquicia Ocean, porque no rodar un filme sencillo, pequeñito, casi familiar, decadente (como la carrera de Steven Soderbergh desde Traffic), melancólico (como el rostro de George Clooney en el inmenso primerísimo primer plano del final de Michael Clayton), y ante todo hipnótico.

Steven Soderbergh se arriesga y gana. La apuesta formal se rebela como un éxito sin paliativos. El mismo guión, el mismo reparto, la misma dirección hubieran dado un resultado muy diferente de no haber contado con esa maravillosa fotografía en blanco y negro del propio Soderbergh, y sobre todo con la partitura de Thomas Newman. Menuda banda sonora que se mandó, sencillamente tremenda, cuanta sabiduría musical y amor por los clásicos palpita por debajo de las notas.

Pero El Buen Alemán, si algo no es, es un bonito envoltorio. Estamos ante una obra profunda, meditada, consciente de su propia oscuridad y de lo descorazonador del mensaje que busca transmitir: la imperfección del hombre termina por generar una serie de horrores a los cuales solo se puede sobrevivir cometiendo pecados aún mayores, lo cual lleva a una eterna cadena de fatalidad, y es justo en este momento cuando hace acto de presencia un cuarto espíritu, mucho menos evidente: Luchino Visconti. Y es que El Buen Alemán hace con la posguerra de la II Guerra Mundial lo que La Caída de los Dioses hacía con el nazismo, eso sí, con mucha menos negrura y voracidad depredadora.

Y si para construir un proyecto tan ambicioso temáticamente, como modesto en cuanto a métodos de producción, cuentas con George Clooney, perfecto perdedor bienintencionado, Tobey Maguire, malévolo y retorcido como nunca, y Cata Blanchett, si no la mejor, una de las cinco mejores actrices del mundo, pues el resultado no puede ser malo, y no lo es. Soderbergh da en el clavo, y de paso calla muchas bocas. El tiempo, como a muchas otras cintas, la pondrá en su sitio.

Eros es una película formada por 3 relatos dirigidos por el maestro Michelangelo Antonioni, Steven Soderbergh y Wong Kar-Wai.

Francamente me gustaría poder esgrimir algún comentario sobre los episodios de Soderbergh y Antonioni (que supone a mayores su testamento cinematográfico), pero por no recordar ya no recuerdo ni sus títulos. Lo único que se mantiene en mi subconsciente es la demoledora sensación de haber sido estafado, de haber gastado 1.5 euros para alquilar semejante bodrio. Mi desesperación llegó a tal nivel que apunto estuve de coger el dvd y tirarlo por la ventana, sin embargo mi cerebro dijo: “tranquilo, que aún falta el relato de Wong”. Y sí, ahora me doy cuenta de que acerté al mantenerme pegado a la televisión. La mano (así se llama el relato dirigido por el hong-konés) supone otro paso más en la edificación de ese mundo sensual, silencioso, musical, cálido y desolador ideado por Wong Kar-Wai. Ante los ojos del espectador se presenta una historia de amor (como siempre en Kar-Wai) imposible, personificada en personajes perdidos, confusos, autodestructivos.

Todo es tan bello, que te dan ganas de retener cada instante en la memoria, que deseas que el sufrimiento de los personajes no termine nunca, que se alargue, aunque diluido, en el tiempo. Llegado el final, puede asaltar al espectador 1 duda de carácter existencial: ¿Cómo pudieron enredar a Wong en semejante desbarajuste? Ni Soderbergh, ni Antonioni se toman su trabajo en serio, es más, se dedican a crear unos discursos del todo insustanciales, preñados de auto admiración, sentenciados a muerte por el síndrome del director-ego, más propio de Aronofski que de los directores de películas como Traffic, Sexo, Mentiras y Cintas de video, La Noche o Blow-Up.

Por suerte siempre nos quedará Kar-Wai, a pesar de que los exhibidores españoles tengan la desvergüenza de no estrenar su primera película americana: My Blueberry Nights.

Se íntegra contigo misma. Así es como aconseja a una pequeña Marjane, su abuela. Y bajo esa premisa, Marjane Satrapi, autora de la novela gráfica originaria, así como directora de la versión cinematográfica y protagonista de ambos relatos, construyó, no sin esfuerzo y dolor, una vida en libertad, lejos de su pueblo, exiliada, por su rebeldía cara un poder establecido asfixiante, por su negación a aceptar la destrucción de la democracia y la denigración sistemática de la mujer. Alzándose desde estos postulados, como una autoridad moral, creíble y en última instancia, íntegra. Que no se casa con nadie, sino que arremete a izquierda y a derecha, y que sobre todo proclama orgullosa que es iraní.

Teniendo en cuenta todo esto, Marjane Satrapi y Vícent Paronnaud, co-director del film, construyen en Persépolis un excelente canto a la democracia y al anti-belicismo que analiza, sin ningún tipo de reparo, la evolución histórica de una potencia mundial como Irán, desde la llegada del régimen de los Shas hasta nuestros días, criticando el papel jugado por las democracias occidentales, muy especialmente por los Estados Unidos, así como el radicalismo de los líderes musulmanes, que controlan actualmente el país.

Para todo esto, los directores se apoyan en unos elegantísimos dibujos animados en blanco y negro, realizados artesanalmente y al margen del establishment hollywodiense, evitando de este modo caer en las garras de ese peligroso señor llamado Don Dinero. Sin embargo, que nadie se engañe, esta no es una película familiar, estamos ante un film eminentemente político, que centra su atención en la dura, y muchas veces infravalorada lucha por la libertad que deben emprender, diariamente, los que carecen de la misma.

Sin embargo, en su grandeza e independencia, el film se permite, abordar otros temas tales como la adolescencia, el amor, el matrimonio, la búsqueda de uno mismo, la religión o la familia. Los cuales lo transforman en un intenso relato contemporáneo y actual, que busca luchar contra la tiranía y el fundamentalismo reinante en Irán, pero también en Occidente.

Comunicación = Espectáculo = Dinero

Sencillo, ¿no? A más de un profesor defensor a ultranza de la ética periodística le daría un infarto. Pero así es este mundo. Todo gira alrededor del dinero. Y los magazines amarillistas ingleses son el mejor ejemplo de ello.

Tabloide es una ida de olla. Pero una ida de olla, muy pero que muy bestia, incluso se podría decir que gore. Todas sus buenas intenciones se consumen en la hoguera de la más estúpida vanidad. Predica una crítica contra la dictadura del dinero, sin embargo se arrodilla ante él una y otra vez a lo largo de todo el metraje.

Por otra lado Tabloide es una película de actores. Y es justo este apartado el que depara lo mejor y lo peor de la película. Mientras Mary Elizabeth Mastrantonio muestra ser una intérprete bastante sobre actuada, lineal y simplona, John Hurt logra una interpretación adecuada y Matthew Rhys se revela como un actorazo a tener muy en cuenta. Yo lo descubrí en Cinco Hermanos, y su interpretación me pareció el equilibrio perfecto entre la pena y la culpabilidad, entre lo triste y lo insoportable. Ahora dibuja un personaje que bebe, como Requiem por un sueño o Studio 60, del clásico de Sidney Lumet, Network (Un mundo implacable) es decir la vertiente apocalíptica y grotesca que subyace en todo profesional, en todo ser humano.

Hay dos maneras de ver Jack. La primera es verla sin saber nada de su director. Disfrutarla como un mero entretenimiento familiar bien construido y que resulta más que entretenido. La segunda es verla a sabiendas de que Francis Ford Coppola, uno de los más grandes cineastas americanos de todos los tiempos, es el artífice del producto. Si sigues la opción 1, el filme te parecerá simpático, incluso emotivo. Si coges el camino 2, cada cinco minutos te preguntarás ¿Cómo coño pudo Coppola rodar semejante bobada? El dinero es el dinero. Y el papá de Sofia (como le gusta ahora que lo llamen) por aquellos tiempos aún no estaba forrado gracias a sus viñedos, y aún pagaba los costes económicos de eses dos desastres financieros llamados Corazonada y Apocalypse Now, sí, la misma en la que, parafraseando a Marge en un capítulo de Los Simpson, Marlon Brando hacía un mero inciso de humor.