Timothy Treadwell confeccionó, casi sin tener completa noción de ello, un discurso personal de inalcanzables connotaciones autorales. Las más de cien horas de grabaciones que este maniqueo outsider filmó son, de un modo capicúa, la obra magna de un desquiciado, pero lúcido, artista post-apocalíptico. Y es que la feroz belleza que desprenden algunas de las tomas que Treadwell captó son el perfecto reflejo de quién hizo, con asombrosa valentía, una malla hermética entre la inviable línea que separa lo racional de los pensamientos con la imposibilidad de encontrar un lugar en un medio hostil.
Lo que comienza siendo la anestésica y fugaz vehemencia de un documentalista en pro de los derechos ecologistas, finaliza, de forma estremecedora, por convertirse en un diabólico y maquiavélico diario de abordo, en una bitácora en la que el autor absoluto termina por fundirse, de un modo tan oscuro como fascinante, en su obra, siendo él mismo el protagonista único y más relevante de su particular obra maestra.

Es indudable y patente la fascinación de Herzog por las imágenes asilvestradas de Treadwell, y más asombroso aún el respeto con el que el director de “Aguirre, la cólera de Dios” plasma el trabajo de éste último a la par que ejecuta un furtivo y asombroso análisis socio-humano. Sosteniendo sobre la misma balanza los resortes analíticos que han perseverado en la carrera de Herzog. Y es que este encantador de osos grizzly es un perfecto “homo-herzog”, un descabellado pero discursivo personaje que esconde dentro de su estrambótica apariencia un microcosmos tan adulterado como metafísico.
Y como en toda obra de Herzog, la tragedia del hombre moderno no puede sino acabar con un trágico, poético final, que es el principio de toda legenda contemporánea. De ese modo, y al igual que “United 93” de Paul Greengrass, “Grizzly Man” es un asombroso mecanismo extrapolado como cámara redentora de ecos, capaz de sacar emoción y sentimiento a través de un marco que todos ya conocemos.

“Grizzly Man” es pura esencia Herzog, porque Timothy Treadwell es el espejo más cristalino en el que el director de “Cobra Verde” se ha visto reflejado, siendo capaz de dinamitar la optimista e ilusa concepción global de su protagonista en favor de exponenciar su sórdida y articulada visión del mundo, anclando este relato sobre los cánones más estrictos de la figura artística que representan sus films: la imperfección del hombre desdoblada contra la belleza y el salvajismo de la naturaleza.
Pocas obras de no ficción tiene el valor de pararse a mirar, a contemplar y escuchar el sonido de la belleza que resuena en su materia prima. Herzog, de un modo inexplicable, no solo ha conseguido entender el mensaje oculto de las grabaciones de video, sino que ha transformado el material de Treadwell en cosecha propia.

Lo mejor: La veraz e impoluta belleza de las imágenes capturadas por Treadwell.
Lo peor: El testimonio de la pareja de ecologistas.

Clark

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Terroríficamente divertida. Película compuesta de tres macabras historias, dirigidas por John Carpenter (los dos primeros segmentos “The gas station” y “Hair”), Tobe Hooper (el último segmento “Eye”) y Larry Sulkis (las secuencias en la morgue). No existe ninguna interrelación entre las historias, aparte de que las dos primeras las dirige Carpenter.

“The gas station”: Este primer segmento narra la pesadilla sufrida por una mujer que se queda sola en su primer día de trabajo, atendiendo, ella sola, una gasolinera durante toda una noche. Lo que ella no sabe es que un loco-maniaco-asesino está cerca; muy, muy cerca. La chica nunca olvidará esa terrorífica noche.

“Hair”: Este segundo segmento, protagonizado por Stacey Keatch, narra las andanzas de un tipo semi-calvo que quiere tener algo mas de pelo. Para ello contrata los servicios de un nuevo doctor al que conoce a través de unos anuncios publicitarios en televisión. Este nuevo doctor no solo conseguirá que el personaje de Keatch vuelva a tener pelo (una inmensa melena), sino que eso será la naturaleza de la fermentación de larvas en el cerebro para una futura invasión de extraterrestres.

“Eye”: El excelente segmento de Hooper, cuenta la historia de un jugador de béisbol interpretado por Mark Hammil (“Star Wars”). Cuando una noche oscura y lluviosa, volviendo hacia su casa, tiene una accidente de coche por el cual pierde su objeto más preciado, su ojo (recordemos que es bateador en un equipo de béisbol). A raíz de este incidente, los médicos consiguen ponerle un nuevo ojo. Pero a partir de entonces el buen hombre comenzara a tener unas extrañas visiones. Y es que lo que no sabe es que el ojo nuevo era el de un famoso psicópata….

Magnifico ejercicio de horror metalingüístico, en el que, sin embargo, la primera de las historias (“The gas station”) es netamente superior a las otras dos, explorando el miedo hacia lo oculto, hacia los de fuera (recordemos “Halloween” o “El príncipe de las tinieblas”, por poner dos ejemplos que representan perfectamente la naturaleza del cine del director de “Starman”). “Hair”, mucho más centrada en la comedia de ciencia ficción, se ve con mucho agrado, aunque se hecha en falta la dislexia hacia lo esquizofrénico de Carpenter. Y “Eye”, magnifico cuento terrorífico, se centra más en los temas comunes de Hooper, la descomposición de lo racional hacia el empuje del salvajismo racional.

Lo mejor: El primer segmento “The Gas Station”. Y la interpretación de Carpenter como el cuidador de la Morgue.

Lo peor: La resolución de “Hair”, siendo un segmento excelente, no queda muy claro su análisis final, así como su impostura en una película de terror no cuaja del todo.

Clark

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Los grandes clásicos, los maestros que crearon legiones tanto de defensores como de detractores siempre vuelven, retoman los anclajes de sus ancestrales comienzos (casos últimos de George Romero y “Land of the dead”, Tobe Hooper y “Mortuary” o “Toolbox Murders”, o más recientemente Martín Scorsese e “Infiltrados”). Es por eso que un film tan nítido y apacible como “Insomnio” es doblemente importante: porque por un lado nos devuelve al gran creador de cine negro que deslumbró con piezas maestras como “El gato de las nueve colas” o “El pájaro de las plumas de cristal” antes de ser tachado como un simple mercenario del gore evasivo y tangente, y por el otro es de agradecer que un producto tan esmerado llegue como previo de “El jugador” (y prólogo de “Jenifer”), dando como respuesta la vuelta del mejor Argento como el gran autor del más moderno giallo italiano.

El policíaco suele pecar de sectarismos y aniquilaciones narrativas tan atrevidas capaces de originar insospechados giros arguméntales, drásticos a la par que ambiguos, y quedarse tan ancho. “Insomnio” no engaña a nadie: es cine criminal en toda su pura esencia. Hay un asesino resucitado, un policía retirado que vuelve a un viejo y terrorífico caso (espléndido Von Sydow), un joven curioso con vengativa personal, un caserón abandonado, una canción que incita a la muerte, pistas inconexas, y salvajes asesinatos. Argento, como viejo zorro fílmico, ejecuta este su particular regreso de entre los muertos con el alma seca y las intenciones contenidas. De lo que se trata es de proponer un macabro juego itálico que sugiera y fascine.

Y si la trama peca de endeble en determinados pasajes (el obligado romance), Argento se las apaña para compensar la balanza de atrocidades, componiendo diversos anclajes tragicómicos entre la verdadera naturaleza del film: la asfixiante y terrorífica dilatación de las sombras frente al asesino. Así, la mejor parte del conjunto es el principio, con esa prostituta huyendo aterrada, surcando la oscuridad de los vagones de un tren vacío, habitado por el miedo, en una secuencia extraordinaria cuyo clímax es sencillamente magistral. “Insomnio” es una muestra viviente de ese anciano y vibrante cine italiano que ya no se hace, y uno de los títulos fundamentales en la filmografía de su máximo responsable.

Lo mejor: La vuelta de Argento a lo que mejor sabe hacer.
Lo peor: El poco caso que se le ha hecho.

Clark

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Pocas veces el tedio argumental y la nimiedad narrativa se dan la mano con una cochambrosa e insufrible propagación de caracteres, haciendo referencia directa al nuevo cine de terror con reminiscencias orientales, como lo hace este bochornoso y lamentable acercamiento al ya citado movimiento “Asian horror”.
“Art of the devil”, inmunda casqueria de la más explicita y peyorativa marca fílmica, esta mucho más cerca de ser un “colombiano” vodevil telenovelico, que de una seria ejecución plástica. Confundiendo, en todo momento, el efectismo reaccionario del entramado despache de planos personajes, con lo que en realidad podría haber sido: un terrorífico empaque de sustos y revolcones pesadillescos a la par que la espléndida “Shutter”.

Finalmente, este batiburrillo de nula capacidad autoral, consigue algo que pocas han logrado: obviar, y carecer tan eufóricamente de tan siquiera un ápice de talento. “Art of the devil” es todo lo que una película no debería de ser.
Aburrida, desenfocada, confusa, sin el más mínimo sentido del tempo narrativo (cosa que obstruye cualquier arteria rítmica), mal actuada, pésimamente escrita, y peor dirigida. Un film, en resumidas cuentas, triste, muy, muy triste; uno de esos ejemplos de grisáceo y plomífero cine-basura , que lamentablemente, y muy a mi pesar, degrada las ya de por si pocas influencias que conocemos de una cinematografía tan poco prolifera por estos labres como es la Tailandesa.

Lo mejor: La portada.
Lo peor: Los noventa y seis minutos de celuloide excremental que dura la pericia.

Clark

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Si Matt Groening configuró con “Los Simpson” una sarcástica, absurda y difícilmente ofensiva pieza de orfebrería alcalina, objetando por primera vez la racionalización de una sociedad estúpida, burlándose y estereotipando conflictos de cierta carga socio-política, dando en el clavo al mostrar, por primera vez, que un “cartoon” también podía ser burdo, idiota, ridículo, ... a igual que cada uno de nosotros, Seth MacFarlane rescribe su propia necrología sobre la disfuncionalidad del “American Way of Life”.
Porque “Family Guy” no deja títere con cabeza. Condena a sus protas a la vez que a todo su entorno, consiguiendo lo más difícil en animación: que sus histéricos, improbables personajes nos suenen familiares.

Todo suena a ya visto, a cliché y a déjá vu, pero si su forma es añeja, su mensaje es devastador y espléndido. Esta desquiciada y aquilatada familia no es sino el reverso más ácido e irreverente de la pulcra y conservadora estirpe que nos ofreció Groening. “Family Guy” es todo lo que “Los Simpson” no es. Se atreve a llegar y regentar lugares tan asépticos y profundos que los recatados ciudadanos de Spirngfield ni siquiera podrían haber soñado en sus más desquiciadas y suicidas pesadillas. Ahora bien, no todo es de color de rosas. A esta familia Griffin le faltan modales (descriptivos) en su demoledor mensaje, aunque ellos crean que con canalizarlo todo a base de sal gorda baste.

“Family Guy” no es para puristas ni prejuiciados (para esos ya están “Los Simpson” o “Futurama”), es para ofensores y alborotadores sociales, para todos aquellos que aún crean en la posibilidad de que la revolución llega en forma de manto idealista; es para todos aquellos que detesten mirarse en el espejo todas las mañanas, para aquellos que no estén conformes con como les dictan lo que han de hacer, para quienes no crean en nada más que en su vista y en su tacto, ... en definitiva, para quienes estamos cansados de tanto conservadurismo, de tanto querer buscar el lado bueno de las personas, y para quienes estamos artos que los mandamases nos prometan encontrar la fibra moral de la sociedad actual.
Puede que “Family Guy” no este a la altura de esa magnifica y fascinante burrada llamada “South Park”, pero desde luego saciara a quienes busquen morbo, buenas (malas) formas, y altas dosis de irónico sarcasmo.

Lo mejor: Su falta de coartadas a la hora de dictar sentencia.
Lo peor: Ni todos los capítulos ni todos los personajes son igual de divertidos.

Clark

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