Desde el primer momento en el que intenté informarme con mayor claridad acerca del último estreno de la siempre interesante Julianne Moore me sorprendió comprobar la enorme indiferencia hacia la última película de esta siempre interesante actriz. Contados carteles, ningún trailer, ningún teaser, alguna que otra crítica de alguna publicación americana, prácticamente ninguna reseña en las revistas especializadas más que unas cuantas líneas que dejaban pocas cosas en claro. En definitiva, total indiferencia. Lo primero que pensé fue que la razón seguramente se encontraría en que el ambicioso proyecto del director Tom Kalin seguramente al final había sido un completo desastre. Pero aún con esas expectativas no podía renunciar a ver a la siempre talentosa Moore en acción en uno de esos papeles de mujer de la década los 60 que tan bien sabía encarnar.
Al término del film, la conclusión que me quedó es que a pesar de que la película no era un completo desastre, sí que era tremendamente irregular y sórdida.
La historia, basada en hechos reales, se centra en una multimillonaria llamada Bárbara, una mujer caprichosa y solitaria, que desde que su hijo nace, va estrechando lazos con él de una manera cada vez mayor, dejando entrever una relación ambigua que confundirá el término de madre e hijo, por amante y mujer. Así con estos pocos datos uno ya se espera algo fuera de lo común, un material interesante que bien dirigido podría dar para una muy interesante película y aunque el resultado final no es ninguna obra maestra, tampoco es un engendro de los abismos.

La película de Kalin pretende resultar sugerente y mostrar sin tabúes las relaciones sexuales que se establecen entre una madre y su hijo homosexual. En ocasiones la excentricidad de la propuesta es tal que uno no puede más que arquear la ceja ante semejante panorama. Tampoco es que la película sea escatológica y muestre algo desagradable pero la moralidad de lo que muestra es muy cuestionable y la manera de plasmarla y de dirigirla de Kalin es, en ocasione, bastante desastrosa a nivel narrativo, saltando de una localización a otra sin previo aviso, confundiendo al espectador y dejándole sin saber donde esta ni que está sucediendo, haciendo que los personajes no paren de pronunciar nombres en francés que la mitad ni los entenderemos ni nos importarán.

Por otro lado, el director tampoco es capaz de hacer que sintamos empatía por sus criaturas, las cuales se mueven como figuras de cera en un entorno de la alta, altísima sociedad, esa de duques y príncipes, hablando francés y actuando como verdaderos pijos snobs, haciendo extremadamente difícil que nos impliquemos con ellos en la trama, y siendo meros testigos de una situación que la mayoría solucionaríamos de manera completamente diferente.

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Está claro que cuando vas al cine, los personajes con los que lidiarás no siempre actuarán como tu la harías, y eso es así, pero en el caso de “Savage Grace” Kalin dibuja a sus personajes de manera caótica y altiva, pretendiendo dar importancia a una historia de sexo y, supuestamente, amor, que en el fondo lo que a todos nos da por pensar, es que eran fantasías de un niño rico, trastornado por las presiones que la madre ejercía sobre él de la manera más brutal.

Julianne Moore dibuja a su personaje, Bárbara, según lo que el mismo rol le pide. Sobreactuación, como la misma Bárbara sería en el ámbito social, altivez, orgullo, mirada fría, sonrisa malvada. Un papel ligeramente distinto a las anterior mujeres de los 60 que ya encarnara anteriormente. Stephen Dillane como su marido, en ocasiones parece estar repitiendo el mismo papel que ya ejerciera en “Las Horas” y cumple de manera correcta. Eddie Redmayne haciendo de desafortunado hijo lo calca, especialmente por que resulta fácil imaginarse a un joven de esas características y rasgos como joven perteneciente a la alta sociedad. Por último los actores españoles presentes en el film, son meras marionetas de una historia de cartón piedra, que, aunque interesante en algunos aspectos, resulta un tremebundo fracaso como adaptación, tanto de una historia real como del libro en el que se basa escrito por Natalie Robins. Belen Rueda pone su simpática sonrisa y cumple sin más en los cuatro planos que le tocan, y Elena Anaya, como no podía ser de otra manera, ofrece su cuerpo a la cámara en una escena de cama con Eddie Redmayne. A continuación la veremos un par de veces más pero las palabras que dirá serán mínimas y todo se limitará a presencia y caritas.

A nivel técnico Kalin hace un trabajo encomiable, haciendo uso de una fotografía de Juan Miguel Azpiroz que se decanta por los blancos y cremas, con contrastes de rojo, de una banda sonora de Fernando Velázquez que resulta tremendamente eficaz y una grata sorpresa, ayudando a sustentar algunas escenas que sorprendentemente ganan mucho con el track que mantienen de fondo.

Sin duda, Kalin se excede en algunos aspectos de su película, confundiendo el atrevimiento con la sordidez. Solo la interesante mezcla de nacionalidades además del impoluto aspecto técnico y el buen trabajo actoral por parte de una siempre efectiva Moore, son los alicientes más destacados para ver esta interesante propuesta que se queda en eso: en interesante.

Lo mejor: Julianne Moore ejerciendo como siempre un trabajo interpretativo muy notable. Algunas secuencias que ganan mucho con la banda sonora. Un aspecto técnico muy cuidado

Lo peor: Una dirección caótica. Unos actores españoles totalmente desaprovechados. El matiz que adquiere la mezcla de nacionalidades se pierde en el doblaje. Kalin confunde atrevimiento con morbosidad y sordidez. Unos personajes que nunca consiguen empatizar con el espectador.

El Fauno

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Impresionado, anonadado, y agradecido ha sido mi estado ante la enorme dedicatoria que un colega crítico se ha molestado en escribirme. Jamás pensé que mi estilo mereciera una crítica. Hay mucha gente con mejor prosa que yo. Pero de todas formas no puedo más que agradecer a antipseudo su enorme labor y sus sinceras palabras para conmigo. No niego que me dejaste impresionado, realmente lo hiciste bien. Aunque me asusta pensar que realmente me flipe tanto en ocasiones. De cualquier manera yo seguiré siendo fiel a mi estilo y a mis principios y aunque ello conlleva evitar este tipo de cosas no he podido menos que responder a tan ilustre crítico cuyas opiniones respeto mucho a pesar de lo dispares que son para con las mías.
Por ello he decidido que la siguiente película a analizar fuera una que ambos hayamos podido disfrutar y aunque la búsqueda no ha sido fácil hete ahí que una de las mayores sorpresas que nos dejó el pasado año la industria le ha gustado incluso al más escéptico de los espectadores. Y es que no es difícil por otro lado que Pequeña Miss Sunshine no guste a alguien.
Su fuerza y optimismo son tan elevados y arrastran con tal potencia al espectador que aquel que no decaiga ante sus bromas y sus encantos definitivamente esto del cine no le va. Porque es así, porque hay películas que, en un estado de gracia, han sido hechas para contentar al mundo, para encandilar a todos los niveles y para recoger alabanzas allí por donde pasan.
Pequeña Miss Sunshine es una cinta que puede jactarse de poseer uno de los guiones mejor escritos de cuantas películas pudimos presenciar en el fructífero año 2006.
Y es que hay que dejar bien claro que escribir comedia de calidad nunca ha sido fácil. El hecho de que podamos ver una película en la que prácticamente cada chiste sea recibido con gracia y empatía por parte del espectador tiene mucho merito, porque cuando lo normal es que sean uno o dos los gags dignos de ser recordados, con Abigail y compañía no es fácil elegir con que broma quedarse. Son tantos los momentos en los que esta familia me ha sacado una sonrisa que por más que lo intento me es imposible. Desde luego podemos esperar con tranquilidad nuevas sorpresas de Michael Arndt porque semejante guión no creo que haya sido obra de un aficionado.
Cambiando de tercio tampoco hay que olvidar su acertada banda sonora, con melodías de lo más risueñas cuyo principal objetivo es acompañar con finura las aventuras de tan excéntrica familia. Tiene mérito que la partitura de una película tragicómica pueda escucharse de manera independiente y es algo que tanto Michael Danna como Devotchka consiguen desde el primer compás de canción.

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A nivel fotográfico nuestro amigo Tim (de apellido impronunciable) nos regala unas imágenes que también funcionan como elemento a aparte. Cuando en la mayoría de comedias la fotografía apenas es algo relevante en donde poder colocar a los actores, en el caso que nos ocupa posee belleza por si sola. Nuestro amigo fotógrafo se sirve del amarillo como color líder y de ahi va sacando todos sus derivados. Mucho colorido, el azul del cielo, el rojo de la ropa de Breslin, el cantoso amarillo de la, ya icónica, furgoneta... Toda la película esta repleta de colores muy cálidos con una luz casi siempre muy blanca que ayuda a otorgar mayor viveza y optimismo a la imagen tanto como las divertidas desventuras de la familia. Todos estos elementos se notan cuidados en su conjunto para poder crear esas indefinidas sensaciones que la película nos otorga tras su visionado.
No sería descabellado decir que, exceptuando a "Amelie" (un prodigio de hoy día), nunca antes un film me había dejado tan risueño y feliz. Quizá a costa de algo que ya hemos visto mil veces, no lo niego, pero cuantas cosas no hemos visto ya mil veces. Pequeña Miss Sunshine no innova en su argumento, puede que ni quiera en su forma pero al menos sabe como se debe contar una buena historia y al final eso es lo que cuenta.
Y es que no hace falta poseer grandes cantidades de dinero, ni grandes estrellas, para poder hacer algo con calidad y gracia, algo con lo que el publico se divierta, sabiendo que no se le trata como un burro cuando además se le este diciendo algo importante. Y es que habiendo perdido el Oscar a la Mejor Película, definitivamente Pequeña Miss Sunshine confirmó su estatus de ganadora, porque al final lo que importa no es el premio que te lleves, sino la ilusión que en ello has puesto y la enseñanza que todo eso te ha otorgado. Hay tantos ganadores idiotas que casi prefiero ser perdedor.

Para terminar siento no haber estado un poco más inspirado antipseudo, pero necesitaba responderte con prontitud y hacerte un pequeño obsequio crítico.
Por último no me pidáis que resalte ningún momento porque en Pequeña Miss Sunshine TODOS son los momentos.

El Fauno

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Como siempre los mejores documentales sobre la naturaleza y su comportamiento nos llegan de Francia. Si ya en el 2001 nos emocionaron con ese gran compendio de poesía visual que conformaba "Nómadas del Viento" en esta ocasión es el turno de los Emperadores, los pinguinos más famosos de su raza, Y en este momento el viaje nos viene contado, no sólo por hermosas imágenes, que las hay y muchas, sino también en forma de cuento, el relato de un viaje eterno hacia la supervivencia, hacia la vida; un viaje hecho por amor. Espectaculares resultan los paisajes del ártico que dejan sin aire a cualquiera, y triste resulta que a la vez que hay tanta belleza haya tanta crueldad. De la misma manera que vemos como nace la vida, también vemos como más de una pequeña vida, como más de un pequeño pinguino recién nacido puede acabar injustamente devorado por su rival en la cadena alimenticia. Queda muy bien plasmado por tanto el eterno e ineludible círculo de la vida. A parte de todo esto poco se puede añadir. Con decir que sus imágenes resultan muy hermosas y que su música (aunque no llege a la altura que la que Bruno Coulais compuso para "Nómadas del Viento") también lo es, además de que su historia resulta más interesante, emotiva y humana que cualquier superproducción hollywoodense hecha con personas reales pues está claro que todo aquél que sepa apreciar lo bueno se precipitará a encandilarse con este gran documental, que al menos obtuvo el oscar al mejor documental; que menos para una joya de película que nos muestra el lado más humano de la naturaleza.
Todo aquél que ya gozara en su día con el eterno viaje de las aves en "Nomadas del Viento" disfrutará de nuevo con el inmenso Sacrficio de los Emperadores.

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La escena del apareamiento es muy hermosa, de las mejores de la película.

El Fauno

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Lo primero de todo, reconocer que en un principio no era nada receptivo hacia las nuevas obras del reconocido director americano. No me apetecía demasiado ver una película bélica que confirmara mis sospechas de lo inútil de semejantes contiendas aburriéndome además con largas e innecesarias secuencias de guerra que poco podían aportarme. Pero tras una pequeña concesión y el convencerme a mi mismo de que tal vez Clint podía volver a sorprenderme a pesar de semejante temática que en nada me atraía me dispuse a visionar sus dos últimas películas, una notable, la otra una obra maestra. Y tras haber contemplado con interés las dos partes del díptico acerca de la batalla de Iwo Jima, finalmente uno intuye que el cineasta americano esta más cerca que nunca de la cima de su maestría. Y es que, aunque ciertamente "Banderas de Nuestros Padres" no posee el poder emocional ni la poética dureza de su personal testimonio sobre lo que pudo ser la guerra según los japoneses, la disección y desmitificación del héroe realizada con minuciosidad y rigor en la visión del país de la hamburguesa posee casi la misma fuerza e incluso la misma belleza plástica que su cinta hermana.
Cada una a su modo nos ofrecen, no sólo una versión personal de cómo pudo acontecer la batalla en cada uno de los frentes sino también una entrada en las profundidades de los sentimientos tanto de unos como de otros, de forma intimista como el mejor Eastwood siempre consigue, componiendo una fotografía carente casi por completo de color alguno que evita hacer alarde de grandes barroquismos y sirviéndose principalmente de la capacidad interpretativa de los actores para poder transmitir toda la emoción del momento en los numerosos primeros planos, conjuntado todo ello con una banda sonora muy minimalista, en la que la orquesta apenas es perceptible y las suaves notas de piano son las indiscutibles protagonistas.
Como ya habrán intuido nunca me he sentido especialmente atraído hacia las películas de temática bélica y es que los sentimientos patrióticos, los cuales afloran sobre todo en una guerra, pocas veces consiguen generar empatía. Por ello no es poco el merito de Clint al haber conseguido generar el interés suficiente como para que visionara ambas películas por completo. En pocos momentos el aburrimiento hace acto de presencia. La dureza, el dolor y las lágrimas se hacen presentes en numerosas ocasiones, dotando a la cinta de escenas realmente desgarradoras que cuanto menos conmoverán levemente el corazón de alguien. La terrible realidad de la guerra se hace presente gracias a la maestría del director, el cual hace alarde de una dirección con un pulso narrativo lento pero certero y de una visión estética del conflicto bélico que casi roza la poesía.

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A nivel personal un servidor aquí presente no había visionado nunca una visión tan íntima y bella de lo que una guerra podía significar para aquellos que la viven, aunque tampoco debería omitir el hecho de que nunca he visionado demasiadas cintas bélicas.
A pesar de ello, no tengo reparo alguno en decir abiertamente que me ha enamorado la versión asiática de Eastwood, que me ha encantado el tratamiento tan humano de sus personajes, la visión, tan exenta de morbo barato y tan llena de cariño desmedido, hacía los numerosos protagonistas de su película. No podemos obviar el hecho de que un director no sólo debe dirigir; su pasión, su amor y su alma deben hacerse presentes en su proyecto si de verdad cree en él. No son pocas las cintas tan vacías en ese sentido, que únicamente pueden hacer gala de un envoltorio desmedidamente cuidado pero exento totalmente de sentimiento alguno condenándose por si solas a los oscuros rincones de la mediocridad cinematográfica.
Sería una falacia decir que eso vaya a ocurrir con "Cartas desde Iwo Jima" ya que el sentimiento, la preocupación y el horror del señor Eastwood están depositadas ahí, en cada fotograma, en cada nota musical, y en cada personaje. Posiblemente ya sabía de antemano que para poder hacer algo realmente rico y emocionante antes debía ser complaciente para con el público americano, y así lo hizo otorgándole las "Banderas de sus Padres".
Otorgando una visión bien dirigida y certera de los supuestos "héroes" de guerra, visión que a pesar de todas sus virtudes tampoco podía desprenderse de cierto aire patriótico que acaba empañando inevitablemente la supuesta visión crítica de Clint hacía su país.
Tras haber cumplido, se hace notar que las mayores virtudes y esperanzas fuero depositadas en la mirada japonesa.
En la batalla, no solo física, sino interior, que cada uno libraba por dentro.

El Fauno

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Una estrella caída del cielo que resulta ser una hermosa joven, un chico tímido que parte en su busca cruzando el muro que separa la realidad de la fantasía, una antaño estilizada bruja con ansias de rejuvenecimiento, los hijos de un monarca que se disputan el trono hasta acabar matándose unos a otros, unicornios, brujas, estrellas humanas, magia, realidad y leyenda. Magníficos ingredientes para dar a luz un cuento de hadas diferente basado en el libro de Neil Gaiman, ahora traspasado al celuloide. La película dirigida por Matthew Vaughn consigue hacer lo que pocas obras, a priori de entretenimiento, consiguen, y es la evasión pura y dura de la sala de cine, al mundo de Stormhold. En unos días en los que aparecieron algunos estrenos, a priori de mayor enjundia, como podían ser la correcta aunque decepcionante última cinta de Woody Allen y el fallido e innecesario remake de "La Invasión" protagonizada por la siempre efectiva Kidman, "Stardust" se revela como una de las mejores películas que ahora mismo se encuentran en cartelera. El filme resulta ser además de efectivo y entretenido, divertido, emocionante, e incluso poético en ciertos momentos. La idea de un amor entre una estrella encarnada en resplandeciente joven, y un chico tímido convertido inesperadamente en héroe resulta cuanto menos interesante. El concepto de Gaiman, de haber convertido al elemento de la estrella, eterno punto luminoso sobre nuestras cabezas, en un ser con entidad propia capaz de amar y otorgar la inmortalidad se convierte en una de las ideas más originales y bellas que un servidor a escuchado surgir del genero fantástico, literario o visual. En un género siempre repleto de niños héroes, aguerridos guerreros, batallas interminables y amores que representan una mera línea secundaria para el sustento moral del protagonista, el mundo de "Stardust" es cuanto menos, agradecido. La cinta evita caer en infantilismos, de la misma manera que no puede evitar otorgar alguna concesión al mercado de Hollywood, territorio donde, dicho sea de paso, ha sido recibida de manera fría e injusta. A pesar de todo es algo que no impresiona, y es que la película tiene un espíritu mucho más europeo que americano, resaltando un humor especialmente ingles, en el que Vaughn muchas veces se refugia para no cruzar la línea del humor cínico que bien podría haber redondeado el resultado final de la historia. El mayor fallo de la película, razón por la que tal vez no consiga la perfección que pide a gritos, sea precisamente el, en ocasiones, irregular humor de la cinta, un humor que se regodea en determinados momentos, en secuencias que no otorgan demasiado al conjunto global de la historia y acaban perdiéndose en la memoria. Momentos como el baile de un DeNiro a ritmo de can-can o la típica consecución de escenas en las que vemos los juegos de niños del protagonista a bordo del barco volador, son los que empañan en pequeña medida el resultado. Son una mancha de tópicos...

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...en una cinta repleta de originalidad, aunque sea en base a una fuente literaria.
Detalles que se pueden perdonar gracias a la elevada calidad conseguida por el director, que, en contra de lo que dicho, otorga un sello propio a una película que cualquier otro cineasta habría convertido en una especie de spin-off de cualquiera de las sagas mundialmente conocidas a día de hoy.
A nivel técnico la cinta respira naturalidad y realismo y, aunque siempre es inevitable hacer uso de la herramienta digital, en al menos una o dos secuencias, el resultado final, repito, destaca sobretodo por una producción que apuesta siempre que le es posible por la verosimilitud tangible, concentrando la acción en paisajes reales y no en mundos pertenecientes a un ordenador. Tal vez el punto menos llamativo en este aspecto haya sido su banda sonora, principalmente por recurrir siempre en este tipo de historias a la grandilocuencia de las partituras al más puro estilo Potter, Narnia o Anillos. Aún así es un elemento más que perdonable por resultar efectiva y en algunos momentos incluso sorprendentemente notable y adecuada para con la acción. A todas estas, sin duda el aspecto más destacable de la cinta es su fotografía, colorida sin resultar cursi, natural sin renunciar a la espectacularidad. En definitiva muy conseguida y remarcable.
En el otro lado encontramos unas actuaciones correctísimas, muy notables, y ajustadas a cada personaje. A destacar una Michelle Pfeiffer en estado de gracia componiendo una malvada enormemente carismática y con clase. Increíble la juventud que respira esta mujer a su edad. Frente a ella una Claire Danes efectivamente resplandeciente en todos los aspectos, desde el físico al interpretativo, dibujando una estrella que no podría ser otra más que ella misma, brillante en medio de la vorágine. A su lado el tímido héroe Charlie Cox, un protagonista que por una vez en este tipo de cine, no produce antipatía ni aburrimiento. Resulta más que correcto en su papel aunque tampoco tenga muchos momentos para lucirse a nivel emocional con su personaje, limitandose a cumplir su rol, y saliendo más que airoso en su objetivo. Como secundarios, un Robert DeNiro (sorprendente reclamo de cartel junto a la Pfeiffer a pesar de su limitado papel) casi autopariodandose a si mismo, y otorgando a su personaje una sobreactuación que el mismo rol pide desde el primer momento. En última instancia un Peter O,Toole muy breve pero como siempre llenando la pantalla con su presencia por mucho que esta no sobrepase los 5 minutos. Sin duda un elenco de actores acertadísimo y talentoso que ayudan a elevar aún más si cabe la ya de por si elevada calidad de la película. Una película de fantasías y realidades, de amores eternos y estrellas humanas que sin duda viene a encumbrarse, a pesar de sus varios aunque perdonables defectos, en una de las cintas fantásticas más honestas, efectivas y poéticas de cuanto llevamos de año.
Un cuento repleto de polvo de estrellas...

El Fauno

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