Alguien dijo hace poco que quizás los años 70 no serían lo que fueron sin Robert Towne, y a lo mejor tenía razón. Él es autor, según muchos críticos, de uno de los mejores guiones jamás escritos: Chinatown; y ha realizado numerosas colaboraciones de vital importancia. Pero aquí la ha liado, ha metido la pata de lleno. ¿Qué ha fallado? Todo prometía bastante: a Colin Farrell le iba el papel de Arturo Bandini, y a Salma Hayek el de Camila López; Robert Towne parecía indicado para adaptar la novela y pasarla a la gran pantalla. ¿Entonces? Pues nada, que la película es un auténtico bodrio. La relación amorosa que Fante convierte en una genial obra maestra, aquí Towne la echa por tierra y destruye todo atisbo de originalidad, degradando la historia a un vulgar y esperpéntico melodrama de domingo tarde.
Tenía la pasta, tenía dos buenos actores que encajaban en sus personajes, tenía toda la producción necesaria para poder retratar el Los Ángeles de los años 30, tenía la suficiente habilidad como para poder llevar a buen puerto esta cinta, esta idea de reproducir visualmente el inmenso libro de John Fante. Pero no, ha preferido hacer algo cercano al delito, sino al aborto repulsivo que es esta película. Además, no respeta, como suele ocurrir, nada, y cambia todos los acontecimientos originales (como lo de darle tanta importancia a que Camila fume marihuana, que es una estupidez).
Una gran decepción. No hay nada que merezca la pena. Es una gran perdida de tiempo y un gran puñal en la espalda para todos los admiradores del escritor del libro.
Por cierto, ¿no es para meter en la cárcel al traductor del título de la película? Por una vez que tienen un título fácil para traducir, como es "Ask The Dust", prefieren cometer la traición de cambiarlo al tópico y más que mil veces visto "Pregúntale Al Viento".

Alexei

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Ratanaruang Pen-Ek es otro de esos grandes artistas que están surgiendo del Sureste Asiático, sobre cuya cinematografía tuve de hecho que realizar un trabajo de investigación hará algún tiempo.
Es la primera película que veo de él, y según he escuchado es la más sólida y la que tiene un estilo más definido y maduro; aún así, espero algo más de sus anteriores films.
Ciertamente estamos ante una obra singular, de una belleza extraña e hipnótica. Pero es el ritmo aquí el verdadero protagonista, sutil y sosegado; subrayado y atenuado por una música impecable. La cámara navega de un lado a otro por un mundo bizarro, iluminado por Doyle, hiper conocido por sus trabajos con wKw.
La atmósfera tiene más de Tsai Ming Liang que de Lynch, y es ahí donde tiene una de sus mayores bazas: en la conjunción entre el exótico minimalismo de uno y la oscuridad del otro.
Luego está la historia, o cómo fabricar una interesante trama teniendo a un japonés (Tadanobu Asano, Ichi the Killer) y a una surcoreana (Kang Hye-Jeong, OldBoy) en Hong Kong, donde las tres razas orientales más representativas a nivel internacional (perdón por la estupidez) se juntan para narrar un original viaje (tanto exterior como interior, o al menos eso parece) alejado de los tópicos y de los convencionalismos actuales, incluso desprendido de cualquier pretensión que pudiera achacársele en un principio.
Dicho aquí todo lo bueno, he de ser preciso en cuanto a su "irregularidad", o al menos en cuanto a la que yo he percibido: el principio, la parte del barco y del hotel en Tailandia forman un todo fascinante del que uno espera un remate rotundo o que por lo menos sepa estar a la altura, pero decepcionantemente no es así. Es aquí cuando el guión flaquea y los personajes empiezan a perder carisma (o mejor dicho, el personaje interpretado por Tadanobu Asano, que se hace levemente irritante). Los motivos por los que actúan no se entienden, están forzados o son ridículos. Así, la fuerte personalidad de la película se ve puesta en entredicho por un tramo final postizo y absurdo, alejado del tono y de la naturaleza de la propuesta inicial.
Se me hace muy difícil, por alguna razón que hasta ahora desconozco, hablar de esta película. Estoy deseando videar "6ixtynin9" y "Vidas Truncadas", y la que es su última hazaña: "Ploy", que si no recuerdo mal participó de algún modo en el último Festival de Cannes.
Pese a todo, os incito a que la veáis; el cine oriental nos tiene acostumbrados a deslumbrantes facturas y renovadoras formas de entender el cine; a una ruptura de moldes y corsés que refrescan el panorama del cine actual; e Invisible Waves, a su manera, forma parte de todo ello.

Alexei

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NOTA: Crítica realizada la noche del 2 al 3 de noviembre de 2007, retocada mínimamente.

Primera película del Sevilla Festival de Cine 100% Europeo. Primer puñetazo.
Vengo de ver esta película. Sesión de 21:00 a 23:15, aunque en realidad empezara como media hora tarde. Y estoy mentalmente exhausto.
Para ser francos, es la segunda película que veo en este día 2 de noviembre (ya es día 3… pasadas las doce, ya se sabe…) en el que arranca el festival. La primera, la alemana Hotel Very Welcome, una de tantas muestras de cine vertical (me senté en las primeras filas de la sala), trataba de las crónicas de unos viajes hacia el Sureste Asiático e India por parte de unos turistas europeos. De estética no fascinante, como podría haber sido, contiene únicamente varias imágenes poderosas. Por fortuna se trata de una narración distante y fría, una mera exposición de hechos y experiencias (rompe con el tópico de viajes interiores y cuestiones zen).
Y luego vino esta.
Tenía por seguro que me quedaría dormido en una u otra película, habiendo dormido la noche pasada tan sólo tres horas… y aún me tengo en pie…
Nos encontramos ante una película difícil de ver. Es muy dura, brutal, contundente. El film expone de forma acertada tres manifestaciones de violencia doméstica. Se trata de un drama, a decir verdad, con vagos toques de thriller, donde tres historias se suceden en alguna ciudad de Suecia (presumo que Estocolmo).
Puede tratarse, a la larga, de una mera señalización, tratando vanamente de bucear en las raíces de la violencia. Las raíces de la violencia son complejas, todos los estudios que se quieran hacer sobre ellas tienden a ser confusos, esquemáticos o deslavazados. Es complicado mostrar todas las partes implicadas con objetividad, y este film juzga, por supuesto; nos pone de parte de la víctima, y uno padece su sufrimiento de una forma bastante hosca e inmediata.
La factura es bastante buena; buena iluminación; muy notable trabajo de dirección… pero todo puesto al servicio de la historia y de lo que se quiere demandar con ella.
No se nos muestran respuestas, soluciones, no las hay, quizás; se nos muestran las causas (celos, honor, odio), muchas de ellas incomprensibles para nosotros, y sobre todo se nos muestran las consecuencias, el horror más puro, el más cotidiano, el que puede sufrir tu vecina, tu madre o tu hermana. Y es que la locura, el infierno y la infelicidad están a la orden del día, uno tiene que aprender a convivir con todo eso (pero ¿¿cómo??), uno tiene que ser fuerte (pero ¿¿cómo??). ¿Es el ser humano una criatura maligna? Nadie se dice de sí ser una persona mala, dentro de la piel de cada uno todo es correcto, todos tenemos nuestras razones (ya lo decía Renoir), y es muy difícil separarnos de ellas, por demenciales, absurdas o justas que uno las crea.
(Sigue en spoiler por falta de espacio).

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

La película se apoya, eso sí, en un reparto francamente brillante, con mención especial hacia el actor español César Sarachu. Sí sí, el de esa serie de éxito, Camera Café; aquel histriónico y sobreactuado personaje. Al parecer, el actor César Sarachu ha trabajado bastante tiempo en una compañía de teatro sueca y aquí logra (algo muy difícil) que nos deshagamos de toda imagen pasada y de todo prejuicio generado por ese personaje cómico, y lleva a cabo una actuación formidable en un registro radicalmente opuesto al anterior.

En fin, la película es irrespirable, con una atmósfera de tensión muy conseguida (seca, a lo Haneke), terrorífica, espeluznante. Uno permanece al borde de la butaca, retorciéndose incómodo en ella, porque desde el principio hasta el final hay algo que te estruja, algo que te hace querer marcharte de la sala (yo estuve a punto de irme); pero en el otro extremo de la balanza está el sentimiento de querer ver cómo acaba todo… y créanme, el viaje hasta el final merece la pena.
Es más potente, como suele ocurrir, la violencia psíquica que la física (que la hay, y mucha). Pero es que la tensión del film es ya violenta… la oscuridad, el pensamiento de qué ocurrirá ahora.

Trato de juzgar la cinta ahora, más o menos en frío, e intento discernir si no pasa de ser efectiva, si lo único que quiere lograr es impresionar y dejar un poso de esperanza relativamente ficticio, o si también es una suerte de estudio… porque realmente, se nos muestra lo más convencional de esas relaciones; no hay, como decía, una reflexión indispensable sobre todo lo que la película expone, sobre el por qué, o al menos sobre ¿qué hay de la psicología humana?; ¿de qué me sorprendo yo?; aunque esto siempre haya ocurrido, ¿servirá de algo que me quede con los brazos cruzados?, ¿servirá de algo que los descruce?, ¿qué hacer? Por el contrario se nos regala un final condescendiente, después de todo (de lo contrario más de uno habría querido suicidarse). Pero ese final positivo, de lucha y esperanza, no hizo sino preocuparme más, dándome cuenta de lo pesimista de la situación; dándome cuenta de que se trata sólo de tres valientes, y de que pocos actúan como ellos.
La cinta no para de darte puñetazos, pero hay unos cuantos especialmente impactantes y desconcertantes (como lo de la familia de cristianos, donde deja tus prejuicios a la altura del betún).

Como conclusión, ese desenlace más o menos convencional (pero no por ello decepcionante) no me tranquilizó ni me dio esperanzas a nivel global; y a pesar de lo dura que es, la recomiendo porque como experiencia agotadora es impecable y te deja, como me dejó a mí, el cuerpo y la mente destrozados… pero no en vano: acabas aborreciendo por enésima vez lo inútil, doloroso y absurdo de la violencia, pero por otro lado lo más humano-animal que tenemos.
No sé… quizás tenía un día especialmente histérico…

Palabras de un desesperado…

Alexei

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No se le ha parado de comparar con Taxi Driver, incluso en la carátula del DVD lo pone como campaña de marketing: "el relevo de Taxi Driver". Cosa que me fastidia sobremanera dado que no tienen nada que ver ambas películas. De hecho, en la crítica de la película del Cinemanía recuerdo una frase del redactor que decía algo así como: "si el director ha visto Taxi Driver tiene mucha cara". Ahora, después de ver la película, aclaro: en lo único que Días de Santiago tiene relación con Taxi Driver es en que ambos protagonistas eran ex combatientes. Ya está, en lo único.
Pero bueno, Santiago de Chile es una ciudad que siempre he querido conocer (y mira que he estado cerca), y la idea de un frenético Taxi Driver en dicha capital me pareció bastante atractiva. Me compré el DVD y luego comprobé que Santiago era el personaje principal, y la ciudad en que se desarrollaba la historia, Lima.
Aún así me acerqué a la cinta con entusiasmo.
Como drama social (género muy manido en las cinematografías sudamericanas, por algo será) aporta bien poco, pero como ejercicio de estilo es sugerente y destila "originalidad", aunándose a la estética post moderna muy en boga hoy en día; esto es: con cambios constantes y anárquicos del color al blanco y negro, uso de una imagen granulada o quemada (a lo wKw), montaje desestructurado, etc...
Aunque lo interesante en este film es el personaje de Santiago. Santiago está confuso, como todos. Es un joven chapado a la antigua, que no acepta los valores y la moral que reinan en la ciudad contemporánea. Todo para él es decadente, grotesco, difícil. No quiere que las personas que le rodean le defrauden y destrocen sus ideas preconcebidas sobre cómo debe ser cada cosa, y para ello usa la violencia. Es un intolerante al fin y al cabo.
Es un personaje de lo más interesante, hecho de pocas luces y muchas sombras.
No sabe lo que quiere, anda de un lado para otro de la vida, siempre con furia, no dejando hacer pie al espectador en cuanto a lo que siente.
Los monólogos "runruneantes" (en voz en off) son bastante buenos e imprimen toda la tensión dramática que la cinta necesita.
"Uno tiene que ayudar, siempre tiene que ayudar", dice Santiago, pero sin embargo le pega a la mujer. Es extraño.
A la vez todo esto no es más que la crónica de la guerra o del ejército, describiéndonos a un personaje que ha sido moldeado así por ambos ministerios del horror.
En fin, se hubiera apreciado un poco de más concisión a la hora de narrar sus desventuras amorosas (a tres bandas) que acaban quedando un poco en el aire.
Pero por lo demás, una buena película con un final bastante intenso y, sobretodo, unos seis euros bien invertidos y un muy buen debut que deja patente que Josué Méndez es un director al que aún le quedan cosas por decir.

Alexei

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No sabía muy bien qué quería decir la gente cuando decía "es muy kafkiano", por ejemplo; bien, ahora lo sé. Digamos que por extensión significa "algo muy raro", que es lo que entiende todo el mundo. Pero no es solamente rareza, es algo más, es paranoia, es locura, es absurdez.
Puede que en 1.962 "ésta película fuese la cumbre del arte cinematográfico", como dijo nada menos que Charles Chaplin. Lo que es seguro es que se trata de puro cine moderno; Orson Welles triunfa en ésta titánica y avasalladora empresa, arriesgada a más no poder, y adapta una obra cumbre de la literatura mundial como nadie más podría hacerlo. La inteligencia, el talento y el sentido del arte brillan aquí como el sol sobre el cromo (con permiso de Roger Ebert).
Un dato importante es decir que no me he leído el libro, de Kafka sólo La Metamorfosis, pero aún así creo que no pudo quedar mejor esta película.
Visualmente impactante, ésta obra maestra mete el dedo en la llaga y hurga en los subsuelos podridos de la justicia creando una atmósfera de hermosa perturbación y angustiosa impotencia.
Enigmática, subyugante, incómoda, se trata de un viaje a los confines de un infierno laberíntico, plagado de contrapicados asombrosos, de grandes angulares perfectos, deformando la realidad como en una pesadilla. De hecho, es lo más parecido a una pesadilla.
Pocas son las escenas que no pasaron a la historia, con un desenlace brutal, balbuceando entre la demencia un alegato destructor contra la burocracia, contra los engranajes del poder, contra la imposibilidad del individuo ante un sistema injusto. Aquí no importa nada de qué se le acusa a K, aquí lo que importa es la impresionante actuación de Anthony Perkins (Psicosis) y cómo se va derrumbando, doblegando poco a poco cada vez más y más...
Es el Réquiem por un Sueño de los 60', es al cine lo que El Almuerzo Desnudo es a la literatura, un ejercicio desquiciado, frenético, desesperado y atroz de brillante locura.

P.D.: No entiendo lo de Ángel Fernández Santos, ¿picazón entre las piernas?

Alexei

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