Críticas de: Pedro - FilmAffinity

Si quieres ayudarnos visita a nuestros anunciantes (sí, estos de aquí arriba :-) Gracias a ellos podemos existir

Sin palabras del protagonista masculino, con dos escuetas frases de la actriz principal, y con diálogos mínimos por parte de otros personajes, Ki-Duk Kim desarrolla un espléndido guión que se sustenta en las imágenes aprovechando así al máximo el recurso que diferencia principalmente el lenguaje cinematográfico del literario. A partir de un argumento sencillo, con la belleza visual, un impecable trabajo corporal y expresivo de Seoung-yeon Lee y Hee Jae, y el hermoso acompañamiento musical, logra llenar la pantalla de química para el espectador.

La historia se ve enriquecida con elementos tanto simbólicos como mágicos, que en cierto modo evocan al surrealismo... Desde detalles como la fotografía rota en pedazos y recompuestos de modo desordenado, o el lavar la ropa a mano a pesar de tener lavadora, hasta la casi invisibilidad del protagonista capaz de en una escena antológica besar a su amada mientras ella abraza a su esposo.

¿Qué podrá darnos el director surcoreano con más tiempo, si escribió este guión en un mes, rodó la película en dieciséis días y la montó en diez? Después de las internacionalmente reconocidas y premiadas "La isla" y "Primavera, verano, otoño, invierno... y primavera", con este sutil y hermoso poema de amor que declama los más intensos sentimientos sólo con gestos y miradas, Ki-Duk Kim se afianza como uno de los grandes realizadores contemporáneos del cine asiático, y por ende, del cine mundial.

Entre notas de la música del bar Tarambee se nos presentan un grupo de amigos con poca fortuna, que sobreviven en un ambiente del más puro cine negro con la delincuencia como telón de fondo. Así entre copas nocturnas, humo de cigarrillos y un revoltijo de pasiones, vamos conociendo poco a poco a quienes nos acaban pareciendo entrañables por desgraciados. "Tuya siempre" es una película de personajes que viven desgarrados entre lo que quieren y lo que en realidad tienen..., y se consuelan juntos cada noche al son del jazz.

El buen guión firmado por el propio director, se ve favorecido por una eficaz ambientación cuyos ejes centrales parten de la tosca fotografía granulada acorde al mundo de los protagonistas, y de una música que como hilo conductor es la que insufla vida, melancolía, esperanzas e incluso amor. Porque es ésta fundamentalmente una historia de amor y desamor, de engaño y desengaño, que con el epicentro en el personaje de Lola en medio de los tres hombres que representan respectivamente su pasado, su presente y su futuro, deja el poso de tristeza de los perdedores.

Abundan primeros planos que captan perfectamente los sentimientos elaborados por un plantel de actores entre los que destaca, junto a la delicia de Flora Martínez, la construcción del pianista borrachín, maldito y decadente encarnado por Nancho Novo.

"Todos amamos a Gloria Cole" fue el título pensado originalmente para este trabajo. Un título que giraba en torno al papel interpretado por Caroline Henderson, que con su voz ameniza las veladas en el local nocturno de una Barcelona que suena a jazz y blues, a canciones tristes en ambientes portuarios, y que sin duda hubiese sido más apropiado para esta película, la cual se queda precisamente algo corta en desarrollo de unos personajes de gran potencial -como por ejemplo el de Gloria- que podrían haber aportado lo justo para un resultado mucho más redondo.

Más allá de los méritos cinematográficos de una película recreada con una solvente técnica semidocumental, en la que se reproducen desde escenas nocturnas y bombardeos hasta masacres, interrogatorios o torturas con un realismo crudo, es éste un trabajo que nos deja ejemplo de cómo el cine sobrepasa el arte para ser en ocasiones un potente vehículo de denuncia.

Lo más importante de "Camino a Guantánamo" no es su forma estética ni su narrativa, que igualmente sabe conducir los hechos y atraparnos en ellos, sino lo que nos cuenta. Y con lo que nos cuenta no podemos sino terminar de ver la proyección pensando que algo funciona francamente mal en este mundo. Sabemos que los terroristas y quienes los dirigen merecen ser detenidos y juzgados, pero también nos preguntamos cómo va existir justicia si no somos capaces de llevar ante ella a quienes han hecho un mal chiste con la mujer de la balanza, sustituyendo ésta por perros rabiosos, capuchas, palizas, tortura psicológica, deshumanización y tantas violaciones de los derechos humanos que no hacen sino colocar a los "justicieros" a la misma altura que los terroristas que pretenden juzgar.

No se trata ya que la película nos describa el error sobre los protagonistas inocentes, sino que nos abre los ojos al horror -ya sea sobre inocentes o culpables- que se ejerce desde una poltrona política que se cree democrática y no dista mucho de la peor de las dictaduras. Los mandatarios de Europa han tardado años en exigir el fin de esa vergüenza a EEUU, cuando era evidente desde hace precisamente años que ese campo de concentración y esas técnicas no son precisamente los valores que queremos defender como propios. Me pregunto cuántos años más pasarán para que podamos ver sentados en el banquillo de acusados a todos -y digo todos- los responsables de que Guantánamo haya existido, para ser juzgados con todos sus derechos, y no como ratas, que es como ellos han juzgado. O simplemente me pregunto si los que nos llamamos demócratas podremos dormir con la conciencia tranquila mientras esto no suceda.

Es Fernando Fernán Gómez el artista español más completo del siglo XX; y no por más completo menos genial. Novelista, dramaturgo, actor y director de cine, ha cosechado en sus diversas facetas importantes premios como el Lope de Vega, el Goya o el Príncipe de Asturias.

En “El viaje a ninguna parte” realiza una perfecta misión de cine de autor. Así recoge la novela que él mismo escribió y la plasma en un guión que convierte en los cimientos de la que es una de las más grandes películas del cine español, reservándose para su interpretación el papel de Don Arturo, alma de la compañía ambulante, y dejando no obstante para lucimiento de un brillante José Sacristán el protagonista Carlos Galván... Historia de una vida que recuerda un hombre lleno de ilusiones y que nos lleva a un final desolador en la que es una obra tan hermosa como triste. Cómicos que recorren los caminos en el crepúsculo de una profesión y a los que dan perfecta vida las buenas interpretaciones entre las que merece también destacarse la de Juan Diego.

La nostalgia es el poso que nos deja esta película. Nostalgia de tiempos pasados, de lugares y pueblos, de funciones ambulantes, del ocaso de lo que pudo ser y nunca fue... “¡Ay, Galván, hijo y nieto de Galvanes!”, recuerda Maldonado constantemente a su amigo como buscando perpetuar su linaje que viene de las plazas, de las tascas y los cafés, de la carretera que juntos recorren con lo puesto y alguna maleta.

Un joven Orson Welles fue autor de la antológica emisión radiofónica de "La guerra de los mundos" basada en la novela de H.G. Wells, que hizo que medio EEUU creyera que les estaban invadiendo los marcianos, muchos huyeran con ataques de pánico, otros se armaran preparados para defenderse, un caos... Como el mismo Welles declarara irónicamente en su excelente película documental "Fraude": "Un tipo hizo algo semejante en un país latinoamericano y terminó en la cárcel. Después de todo yo tuve suerte, no fui a la cárcel sino a Hollywood".

Así llegó este genial prestidigitador a estrenar su primer largo. ¡Y qué largo, señoras y caballeros! "Ciudadano Kane" rompe los esquemas de rodaje del momento, tanto en el estilo narrativo -mezcla de crónica, documental y novela- como en el técnico -arriesgados planos secuencia, picados, contrapicados, gran angular combinado con profundidad de campo, claroscuros...-. El mago de la radio llegó al cine y siguió haciendo magia. Una que en su momento no fue muy bien entendida ni por el público, que hizo de la película un fracaso de taquilla, ni por algunos críticos, que asustados por tanta innovación le tacharon de pretencioso y efectista.

Pero "Ciudadano Kane" superó todos los inconvenientes habidos y por haber, incluida la oposición del magnate de la prensa Randolph Hearst en el que se inspiraba el personaje de Kane, y terminó por ganar el Premio de la Crítica de Nueva York llegando a los Oscars con nueve nominaciones, entre ellas las principales categorías, y mereciendo especial recompensa el magnífico guión firmado también por el propio director.

Como en "El Quijote" cervantino, comparable con esta película a la hora de marcar nuevos horizontes, en el trabajo de Welles destaca el perspectivismo. Charles Foster Kane no es uno, sino muchos, cada uno dependiendo de quién sea el que le juzgue: comunista o fascista, terrible o adorable, generoso o tacaño, adorado u odiado... Y de toda esa vida turbulenta, desde su soledad a la hora final, la película arrastrará el suspense de las que fueron sus últimas palabras: "Rosebud".

¿Quién es Rosebud? Debiera ser alguien muy importante para una persona tan notoria e influyente como fuera Charles... A partir de esta premisa y de la investigación para resolverlo, se nos cuenta la vida del protagonista desde su infancia hasta el momento de su muerte. Y sólo al final, en una secuencia memorable en la que la cámara sobrevuela los cientos de cajas y cajas de las posesiones del fallecido, encontraremos la respuesta -nosotros los espectadores, porque nadie en el mundo de Kane lo sabrá jamás-. Respuesta que colma de sentido la película como rayo de luz que irrumpe en las cavernas, al mismo tiempo que humaniza a Kane y que engrandece, más si cabe, esta obra maestra del jovencito que un día llenara las ondas con sus geniales representaciones del Mercury Theatre para dar el salto a la RKO.