Tocando el viento es una pequeña gran película dirigida por Mark Herman es un drama, mezcla de realismo social, costumbrismo rural, denuncia social...
La acción transcurre en un pueblecito del norte de Inglaterra, Grimley. La incertidumbre sobre el futuro laboral del pueblo se cierne sobre los habitantes. Una ola de cierres de pozos mineros recorre el medio rural inglés, y Grimley no escapa al drama. Los habitantes están desesperados: no pueden pagar sus deudas, no llegan a fin de mes, la convivencia familiar se resquebraja por momentos… Pero hay algo más por lo que vivir: la banda de música, pilar de identidad local. Para Danny (enorme Pete Posthlewaite), el director, la música representa el espíritu de la comunidad.
Sin embargo, a medida que el clima de desempleo aumenta, la moral de los músicos baja, y a Danny le cuesta mantener la ilusión entre sus músicos. Varios de ellos están dispuestos a anunciar que dejan la banda por no poder contribuir económicamente. Pero todo cambia cuando Gloria, antigua habitante del pueblo, se une a la banda. Entonces el entusiasmo vuelve a brotar… Y a pesar de las dificultades, de los malos tiempos, la música siempre permanece.
Deliciosa, tierna, sencilla, tragicómica, sensacional… Pequeña película de grandes virtudes y defectos (el riesgo que tiene emocionar a base de golpes bajos, recurso que no me suele gustar nada), con momentos realmente emocionantes: Los instantes cómicos del principio, los episodios musicales (como la interpretación del concierto de “El Gran Juez”, de Rodrigo), los discursos que salen del corazón… Estupendas interpretaciones, coronadas con el discurso final de Pete Postlethwaite, una hermosa lección, que remueve conciencias y lagrimales, más unos Ewan McGregor, Tara Fitzgerald y el resto de secundarios más que correctos. Qué le voy a hacer. Me encanta este tipo de películas. Un pedacito de vida.
Esta muestra de realismo social inglés, en pleno auge del género (1996), a mitad de camino entre Ken Loach, Stephen Frears, Mike Leigh o Peter Cattaneo, tiene aquí su variante “banda de música” como expresión artística en contraste con lo duro que resulta sobrevivir en ciertos tiempos.

helen

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Tras el suicidio de su madre, una joven americana se marcha de veraneo a la casa de unos amigos en la Toscana italiana. Aquí despertará al amor, y descubrirá nuevos sentimientos al convivir junto a la peculiar familia que la hospeda.
Tras su aventura parisina y su búsqueda espiritual por el Tíbet, Bernardo Bertolucci retorna a sus raíces itálicas de su Toscana natal en esta bella y sencilla historia de iniciación. Más allá de lo puramente comercial (y eso que pasó desapercibida en España), la historia de la protagonista se funde con la vida italiana, sus costumbres y dialectos, y esos paisajes veraniegos plenos de color, las esculturas y el ambiente barroco, las pinceladas de poesía...
Realmente no se trata de un vehículo de lucimiento de la actriz principal, pero la historia, a veces demasiado forzada, se ilumina cuando Liv Tyler aparece. Tanto su personaje (deslumbrante) como el de Jeremy Irons, un enfermo caballero melancólico (papel que tan bien hace, dejando por completo excesos anteriores) están perfectos, y ambos comparten los mejores momentos de la película y los más emotivos. Sólo por esos 15 escasos minutos de metraje merece la pena ver dos horas largas de cinta. El resto de actores, por lo general correctos, se limitan a acompañarlos sin molestar.
La película desprende la apacibilidad y belleza (eso que los críticos llaman "poema visual") que el cine más intimista de Bertolucci conserva -me remito a las bellísimas Asediada y Soñadores-. La música ambiental se entremezcla con una colección de canciones que a veces resultan el complemento perfecto (el Rhymes of an hour de Mazzy Star como dice un compi) y otras desafinan con el tono general de la película.

-Por qué lloras?
-Porque quiero besarte.

Una película apasionada, perturbadora y bastante erótica. Los temas son ciertamente los mismos de siempre -el deseo de amar, las pasiones, la madurez, la pérdida de la inocencia-, pero tratados de tal forma que, en el fondo, no nos importa ver una y otra vez. Dedicada a todos aquellos que todavía creen que el amor siempre es bello.

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Esa es la frase que mejor resume el argumento de May ¿quieres ser mi amigo?. Curiosísima película premiada en Sitges y dirigida por un tal Lucky McKee, un extraño híbrido entre terror estilo Carrie, thriller psicológico, sangriento gore y drama, salpicada por muchas gotas de un humor negro muy negro. Una especie de Amelié versión gore (como dice Iván Sainz) y algo de Frankenstein…
Estrenada en España en 2002 sin apenas publicidad, pasó sin pena ni gloria por las carteleras. Me llamó la atención pero la dejé pasar, hasta que la vi hace unos días. La película trata sobre una niña infeliz llamada May, que debido a su ojo vago tenía que llevar un parche de pirata (eso marca, eh), y los niños se reían de ella. May no tenía amigos, así que la pirada de su madre le regaló una horrorosa muñeca con la que jugar, a la que contarle sus cosas, una muñeca que nunca podría sacar de su urna de cristal porque era muy delicada. Así creció May, con la única compañía de su intocable muñeca, su única amiga.
Tras la breve introducción vemos a May, que vive sola, tiene un trabajo como ayudante de un veterinario, se hace su ropa y vive atada a su muñeca, a la única amiga que había tenido y se sentía muy sola, necesitaba que alguien la quisiera, no importaba si era hombre o mujer porque ella sólo quería sentirse querida. Así fue como se enamoró perdidamente de Adam, un estudiante de cinematografía que trabajaba de mecánico, pero no cuaja, “porque tía, eres demasiado rara”. Así que prueba suerte con Polly, su ninfómana lesbiana compañera de trabajo, pero tampoco parece que pueda ser la pareja perfecta.

Cansada de no sentirse correspondida un día tuvo una idea ...

-¿vamos a ser buenos amigos ahora que has visto mi congelador?
-Joder tía, ¡estás como una cabra! No pienso ser tu amigo.

Angela Bettis (hizo de Carrie en una serie televisiva, y participó en Inocencia interrumpida, La bendición y La masacre de Toolbox) está absolutamente impresionante. Es capaz de mostrar toda una serie de cambios de ánimo, personalidades y terrores.
En resumen, esta película tan rarita como su protagonista es un soplo nuevo para el panorama del cine del terror. No cuenta nada nuevo. Pero pica la curiosidad, es imaginativa y sorprendente. Si no tienes amigos, constrúyelos. Así de simple. Dedicada a todos aquellos que alguna vez se han sentido raros o sin amigos. Vean May y se sentirán aliviados.

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May, a pesar de ser una psicópata, en ningún momento pierde la dulzura, el candor, y siempre resulta deliciosa, no es más que la víctima. No importa que mate, es tan dulce que no pasa nada, además el asesinado no merecía la pena.

Tiene momentos verdaderamente inquietantes (como la escena de los niños ciegos y la urna rota de la muñeca), otros divertidísimos (los intentos de seducción de Polly, que parecen sacados de una línea caliente: “Hola muñeca. Estoy sola en casa con mi bata…”) y otros francamente desagradables (como la orgía de sangre final).

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Tres años después de la finalización de la guerra de Secesión, Ethan Edwards vuelve a su querido hogar formado por su hermano Aaron, su cuñada Martha, sus dos sobrinas Lucy y Debbie y un muchacho medio mestizo llamado Martin. Lucy está prometida a un joven muchacho llamado Brad, cuya familia vive cerca, mientras que Laurie, la hermana de Brad, está enamorada de Martin.
John Ford ya había filmado numerosísimas obras maestras cuando decidió rodar un western, que lejos de convertirse en uno más en su colección, supondría su película más ambiciosa. La sencillez de los recursos cinematográficos empleados para narrar historias sobre los personajes mientras transcurre la acción principal hace que la película transmita un estilo que nadie consiguió imitar con tanta maestría. Sin una sola palabra, sabremos que Ethan fue un combatiente confederado, que tuvo una relación con Martha, la mujer de su hermano, que Martha lo sigue amando...
John Wayne busca a los comanches que secuestraron a su sobrina Natalie Wood, pero no sabe si prefiere encontrarla viva o muerta. Así de sencillo. El personaje de John Wayne, el inmortal Ethan Edwards, es uno de los más ricos y complejos que ha dado el cine. Alguien que prefiere las balas antes que las palabras, pero que esconde una humanidad inmensa. Sutilmente misteriosa, ahí estan los hilos entre John Wayne y su cuñada, que sugieren que la razón profunda de la búsqueda reside en que “tío” Ethan podría ser en realidad el padre de la chica, por lo que su obsesión por matarle tendría origen en la culpa. John Ford no es indulgente con sus personajes, escépticos fantasmas que deambulan por el tiempo y el espacio.
La expresividad que transmiten los actores y cada escena es impresionante, cada matiz, cada lectura... Destacan especialmente los agresivos colores de la fotografía y el guión de Frank Nugent, basado en la novela de Alan LeMay. Violenta y hermosa a la vez, Centauros del desierto (por una vez el título en español mejoró al original, The Searchers), es una película maravillosa, desde cada aspecto técnico hasta la última línea del guión.
Obra maestra, película trágica y rotunda. Trasciende su condición de western para volverse un drama épico a toda regla. Cierto, habrá quien la sitúe directamente en el terreno del racismo, pero es pura poesía.

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La familia Curley es una familia formada por ocho miembros que vive en una pequeña casa de un barrio obrero de Irlanda. Se trata de un grupo peculiar, encabezado por un padre que se gana la vida como yesero y al que le gusta ir al pub por las noches a tomarse unas cervezas con sus amigos; la madre es Kay que se encarga de poner algo de orden en una vivienda caótica. Los seis hermanos, cada cual más especial: Craig, un soldado con aires de grandeza en la guerra, Sharon una dependienta que se emborracha con sus amigas mientras se ríen de cualquier situación, Lisa y Sonny, que se pelean a todas horas, Kimberley, y Darren, un chaval que sueña con ser el sucesor de su compatriota ciclista Stephen Roche. Su vida transcurre de modo tranquilo hasta que un día Sharon anuncia que está embarazada y, para colmo de males, se niega a decir quién es el padre. A partir de entonces, nada volverá a ser igual.
Café irlandés es otra de esas pequeñas películas rurales y encantadoras, llenas de modestia y buenas intenciones, que antes se dedicaba a dirigir Stephen Frears y que me suelen gustar muchísimo. Se detiene, en clave de comedia costumbrista, en cómo cada uno de sus miembros reaccionan ante la noticia del embarazo de Sharon. Evidentemente la hija no está casada, ni tiene novio formal, ni sabemos siquiera si de verdad está precupada por su nuevo estado o simplemente todo es tan agobiante que ha decidido no pensar. Claro, los padres están intrigadísimos por saber quién es el padre de la criatura ("¿un marinero español?, ¿cómo que de un marinero español?"). Además, los continuos rumores del vecindario generan tensiones en el clan Curley.
La película, que adapta una novela de Roddy Doyle, está llena de grandes aciertos que vienen dados sobre todo por un guión con mucha ironía, situaciones llenas de patetismo, mucho ambiente tabernario y unos personajes verosímiles, además de la interpretación de Colm Meaney (y su chaqueta anticonceptiva) en el papel del tosco, resignado y bebedor padre. Atención a la genial música, con la adaptación irlandesa de "I can't help falling in love with you".
Cálida, llena de suaves retazos de amargura, humor sutil y diálogos nada pausados, entrañable, divertida, familiar... Ese género tan anglosajón que es el cine social, con un Ken Loach como representante más famoso y catastrofista, también puede contarse con ironía, con humor socarrón, sin caer de lleno en el drama de la situación, tomándose la vida acompañada de una pinta de cerveza.
Una pequeña visión de un pequeño pueblo irlandés, repleto de litros de cerveza negra y de café con whisky irlandés. De una familia que, a pesar de tener miles de problemas (y no precisamente tonterías), lucha por adaptarse a la pequeña extraña Georgina y que, además, se quiere. Y ese amor, a pesar de la brusquedad en la que aparece envuelto, es el que les hace triunfar cada día.

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