Después de "La inglesa y el duque", y "Triple Agente", Rohmer regresa con una propuesta aun más insólita, si cabe. La adaptación de la novela "L’Astrée" escrita por Honoré d’Urfé en el siglo XVII, aunque ambientada en el siglo V.

En palabras del veterano director francés, para alguien que no haya profundizado en la lectura de esta obra: “parece pesada, absurda, poco realista e ingenua”. Y cuando uno ve la película, no puede evitar tener esa sensación. Para un espectador del siglo XXI es complicado soportar el visionado de "El romance de Astrea y Celadón" sin llegar a caer en la desesperación, a causa de su extremo candor. Pero ahí radica, precisamente, el valor de este trabajo. Rohmer no introduce ni un solo elemento que actualice la historia, y que la haga más asequible al público contemporáneo. Se respeta de forma escrupulosa el espíritu de la novela y la película consigue que hagamos un mágico viaje en el tiempo. El director demuestra una asombrosa capacidad para hacer cine de una forma tan pura e inocente, que incluso es capaz de transportarnos a la época en la que se escribió el libro.

Pero Rohmer también defiende la rabiosa actualidad del texto. Si bien es cierto que la forma nos puede resultar chocante, el fondo no nos debe sonar tan extraño, aunque hayan pasado cuatro siglos. La fidelidad en el amor, un tema que ya consideramos universal, es el epicentro del relato, y parece ser que fue lo que más llamó la atención del director a la hora de embarcarse en este proyecto. No olvidemos que la fidelidad es un tema muy presente a lo largo de su filmografía, especialmente en sus “Cuentos morales”.

Sí, a veces resulta un tanto tedioso todo este mundo lleno de druidas, ninfas y pastorcillos. Y, sí, toda la trama está llena de equívocos infantiles y de una irritante ingenuidad que puede llegar a exasperar. Pero, en este caso, no importa tanto lo que se nos cuenta. Lo trascendente es el fabuloso ejercicio restrospectivo realizado por el realizador francés. Aunque dentro del desinterés general que provoca esta historieta de amor, no me gustaría olvidar un par de detalles: el personaje del pastor hedonista, una lección magistral e hilarante de sobreactuación; y el giro final, con esa deliciosa ambigüedad, y un toque de ligero erotismo, que nos remite inmediatamente a Rubens. Y es que la pintura posee también una importancia vital en esta película. No en vano, está rodada en un formato casi cuadrado, para conseguir esa dimensión pictórica.

Un preciso y precioso homenaje a la naturaleza, a una obra literaria casi desconocida, al barroco, a la sencillez a la hora de rodar (sonido directo, iluminación natural...), y a el amor en estado puro. Sólo nos queda pedir que ésta no sea la última muestra del descomunal talento de uno de los autores más importantes que ha visto el cine en su historia.

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Entrañables como ellos solos, Wallace y Gromit nos han deleitado con tres magníficos cortometrajes, desde que debutaron en 1989, por obra y gracia de Nick Park. Era cuestión de tiempo que dieran el salto al largometraje. Entre medias, Park probó con Chicken Run, una estimable película, pero que no llegaba ni de lejos a tener el encanto de sus dos más preciadas creaciones.

"La maldición de las verduras" no defraudará a los seguidores de esta singular pareja. Tiene todo lo que se podría esperar. Ese finísimo y sutil sentido del humor, ese humor tan británico. La complicidad y la comicidad entre los dos protagonistas sigue siendo uno de los puntos fuertes. Gromit y Wallace forman ya una pareja mítica dentro de la historia del cine. Resulta más que complicado no disfrutar con las aventuras del científico despistado y ese perro, con su apabullante sentido común.

Otra constante en la filmografía de Nick Park son los homenajes cinéfilos (en general, el cine de animación suele usar, y hasta abusar, de esta práctica con mucha frecuencia). Homenajear géneros (como en los cortos que preceden a este largometraje), o, directamente películas (como lo hacía "Evasión en la granja" con "La Gran Evasión"). En este último caso, el homenaje era demasiado evidente, lo que le restaba parte de la gracia. En "La maldición de las verduras" los homenajes son mucho más sutiles, y mucho más variados; lo que hace mejorar el resultado final. Aunque bien es cierto que los guionistas del cine de animación podrían exprimirse un poquito más, y no basar la mayoría de su texto en referencias cinéfilas. Aunque también es verdad que la película en cuestión lo hace de una forma muy inteligente.

A esto le sumamos unos secundarios de lujos, personajes que acompañan a la perfección a nuestros dos amigos, un guión notable, un ritmo trepidante...y una excelencia técnica insuperable. Tema aparte sería este. Una maravilla, no tiene otro nombre, es lo que hacen esta gente con la plastilina. Hasta el más mínimo detalle cuidado hasta el extremo. Personas, gestos, expresiones, decorados, vestuario...absolutamente todo en armoniosa conjunción para crear un conjunto perfecto, un mundo que nos atrapa desde el primer momento hasta el último.

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Debo decir, en principio, que a mí la Coixet que me emocionó y me conmocionó fue la de "Cosas que nunca te dije", su película más auténtica. La que más me llegó. No participo del éxtasis colectivo que provoca "Mi vida sin mí" (aunque me parece una buena película). "La vida secreta de las palabras" sigue la senda de esta última. Una historia demoledora, un drama tristísimo, pero que no renuncia al optimismo. Más bien, al contrario, es el gran eje sobre el que se sustenta el filme (como también pasaba en su anterior trabajo). Tampoco acaba de llegarme esta última, aunque no sé muy bien por qué. Quizá note una excesiva artificiosidad, quizá se note en demasía la preocupación de la directora por emocionar.

Dicho esto, es innegable la capacidad que tiene Isabel Coixet para contar historias en las que los sentimientos están a flor de piel, historias en las que los silencios tienen una importancia determinante, historias en la que se nos muestra toda la grandeza del ser humano (aunque siempre enmarcadas en situaciones dramáticas).

Es esta una película pausada, en la que la autora se toma su tiempo para ir mostrando los sentimientos de los dos protagonistas, como va creciendo la relación que hay entre ellos, como se van abriendo al mundo... especialmente, una Sarah Polley sobre la que recae el peso de la película. La actriz hace un trabajo descomunal, siendo capaz de captar todos los matices de su personaje, al que es capaz de llevar en volandas en este tremendo viaje interior que supone su estancia en la plataforma petrolífera. Bien secundada por un Tim Robbins bastante correcto, Polley impregna la película con su fuerza y su contención, con sus palabras y sus silencios. Aunque también es cierto que la película se centra tanto en los dos protagonistas, que los personajes secundarios quedan algo desdibujados, mal construidos, o sin ninguna relevancia.

Una película que emocionará a muchos, que habla sobre el eterno tema de la necesidad del amor y sentirse amado, de la muerte en vida, de la resurrección, y de algún que otro tema más, que no voy a desvelar aquí. Sí, se nota demasiado que Coixet quiere emocionar, pero es que Sarah Polley lo consigue con tanta facilidad...

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Estamos, quizás, ante la mejor propuesta que ha llegado a nuestras pantallas este año. Una película que rebosa honestidad y autenticidad por los cuatro costados. Un magnífico guión que parece sacado de las mismas entrañas del autor, al cual se le nota que pone toda la carne en el asador en este, su debut como director.

La película nos cuenta la crisis familiar que provoca la separación de los progenitores en una época (los 70) en la que aun no estaba tan normalizadas este tipo de situaciones. La mirada de Baumbach es muy irónica e implacable (especialmente con los personajes masculinos). Critica despiadadamente la insoportable pedantería de estos, utilizando un certero sarcasmo, a la vez que los personajes femeninos son retratados con algo más de sentido común, dentro del desastre general.

Porque la película nos habla de lo imperfecto del ser humano, de los errores que cometemos uno detrás de otro. Los personajes (magníficamente escritos y soberbiamente interpretados) podrían reflejar perfectamente a cualquiera de nosotros. Con todas las miserias que ello conlleva

A pesar de su mala uva general, el director también se permite momentos de innegable ternura, y en los que trata a sus personajes con algo más de benevolencia, consiguiendo un perfecto equilibrio en el retrato de esta familia.

Una pequeña película, en duración y presupuesto, pero grande en cuanto su calidad. La vida en estado puro. Y siempre con la comedia como referente. Y es que no hay nada más sano que reírse de los defectos de uno mismo.

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Manderlay es la continuación de la llamada “trilogía americana”, iniciada en el 2002 con esa obra mestra llamada Dogville. Una trilogía con la que Lars von Trier que se está dedicando a derribar los pilares de la sociedad occidental.

En esta ocasión, el director se atreve con temas como el racismo y la libertad, y aborda el tema desde una perspectiva incomoda. Nadie sale bien parado en esta brutal crítica. Blancos, negros, amos, esclavos...todos terminan mostrándose como seres miserables. El único contrapunto está en Grace, ese ángel idealista que pretende cambiar el mundo. Una Grace que ya no tiene más el rostro de Nicole Kidman. Bryce Dallas Howard se hace perfectamente con el personaje. Se da la curiosidad de que el personaje es más joven, aunque los acontecimientos ocurren más tarde en el tiempo que los de Dogville (también el actor que encarna a su padre cambia, James Caan sustituido por un sensiblemente más joven Dafoe).

Pero tampoco es la misma Grace que vimos anteriormente. Esta es una Grace mucho más decidida, y que toma las riendas desde el principio. A pesar del sufrimiento padecido, y de su decisión final en Dogville, aquí sigue con el empeño de hacer un mundo mejor, aunque volverá a verse superada por la mezquindad humana.

Manderlay tiene dos problemas con respecto a su predecesora. Lo primero, es el factor sorpresa que ya no existe. Esa rompedora puesta en escena que nos asombró, ya nos resulta conocida. Por otro lado, es menos contundente que “Dogville”. En esta ocasión hay una mayor dispersión, y uno no sabe muy bien hasta el final por donde nos quiere llevar el autor. Pero incluso cuando todos los cabos quedan atados, uno se queda un tanto confundido por las intenciones del director danés.

Lo que no cambia es la despiadada visión que de la humanidad tiene von Trier. La película está impregnada de un pesimismo sobre la condición humana que asusta. La ruindad de todos y cada uno de los habitantes de Manderlay muestra bien a las claras que el autor no tiene ningún tipo de esperanza depositada en el género humano. Enfatizando aun más, el director nos muestra como la poca inocencia que tenemos, queda fácilmente por corrompida por el peso de la sociedad.

Una película irregular, que no alcanza las cotas de su predecesora, pero que contiene reflexiones muy jugosas.

kikujiro

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