Film independiente, coescrito y dirigido por Krzysztof Kieslowski. Es la versión extendida, con modificaciones, de "Decálogo 6", de la serie de 10 capítulos de 60 minutos realizados por el autor para la TV polaca. Se rodó en exteriores de Varsovia (Polonia). Obtuvo 4 premios del Festival Polaco de Cine (actriz, fotografía, actriz secundaria y película) y el FIPRESCI de S. Sebastián. El productor fue Ryszard Chutkowski.

La acción tiene lugar en Varsovia en 1997/98, a lo largo de varios meses. Narra la historia de Tomek (Olaf Lubaszenko), joven solitario, de 19 años, criado en un orfanato, inexperto en el amor, acogido en la casa de la abuela de Martin, su único amigo, ausente por cumplir una misión militar de la ONU en Siria. Trabaja en Correos y como repartidor de leche. Con la ayuda de un teleobjetivo que le dejó Martin mira obsesivamente los movimientos de Magda (Grazyna Szaplowska), vecina, de más de 30 años, liberal, sin prejuicios y promiscua. Tomek trata de entrar en contacto con ella para declararle su amor.

La película construye una atmósfera intimista, gratificante y absorbente, no exenta de lirismo. La imagen predomina claramente sobre la palabra, concisa y breve, demostrando que en cine casi todo puede decirse a través de la vista. El relato explica una historia sencilla, pulcra y equilibrada, que evita estridencias (colas del racionamiento, pulso entre Solidaridad y el Gobierno, manifestaciones callejeras, represión oficial). La tensión dramática se eleva gradualmente desde la desoladora soledad de Tomek y su pasión por observar a Magda, sus torpes intentos de verla de cerca para hablar con ella, entablar amistad y declararle su amor, hasta su huida desesperada. Tomek y Magda pertenencen a dos mundos opuestos: él no ha conocido a ninguna chica y ella ha tratado a muchos hombres, él busca el amor y ella sólo puede ofrecer sexo, él es ingenuo e inexperto y ella tiene muchos amigos. Ambos comparten dos cosas: la afición al voyeurismo y los escrúpulos religiosos. Los protagonistas son personas comunes, extraídas de la vida diaria, ajenas a la grandilocuencia de los héroes y privilegiados. Sus problemas se perciben como próximos, casi propios. La obra, rica en sutilezas y sugerencias, deja el ánimo del espectador profundamente conmovido.

La música ofrece solos de cello, violín, piano y guitarra, junto a fragmentos orquestales clasicistas, que giran en torno a un tema central. La fotografía usa una paleta suave de tonos crema y pastel, con ayuda de los que construye composiciones de gran belleza. En ocasiones la imagen, en claroscuro, adquiere fugaces formas minimalistas. El guión aporta diálogos breves y hace posible que la obra tenga un ritmo regular. La interpretación de los tres protagonistas es adecuada y convincente. La dirección aporta emoción estética.

La película constituye una sugerente reflexión sobre el deseo, el sexo, la intimidad, los excrúpulos, la libertad sexual y el amor.

Miquel

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Quinta película de David Lean. Adapta al cine la pieza de teatro en un acto "Still Life" (1936), de Noel Coward. Se rodó en Carnforth (Lancashire) y en estudio, con un presupuesto ajustado, propio de tiempos de guerra. Ganó la Palma de oro de Cannes y obtuvo 3 nominaciones a los Oscar (director, actriz y guión adaptado). Se estrenó el 26-XI-1945.

La acción principal tiene lugar en el bar de la estación ficticia de Milford Junction en 1944/45, a lo largo de unos 8 meses. Narrada en flashback por la protagonista, rememora una historia de amor entre una mujer y un hombre casados. Ella es Laura (Celia Johnson), de unos 35 años, casada con un maestro rural, Fred Jesson (Cyril Raymond), madre de una hija encantadora, que tiene por costumbre visitar la ciudad todos los jueves para realizar compras e ir al cine. Él es Alec Harvey (Trevor Howard), de unos 40 años, médico internista, que los jueves acude a un Hospital próximo. Se conocen accidentalmente, comparten en varias ocasiones una taza de té en el bar de la estación y, sin darse cuenta, se enamoran. A partir de entonces, furtivamente, pasan más tiempo juntos, mientras emergen los problemas y la relación se ve perturbada.

La película explora las dificultades de una relación amorosa extramatrimonial en el RU en los años 40. La fuerza del amor que se profesan entra en conflicto con sentimientos de culpa y la toma de conciencia de los problemas sociales que deberían afrontar en el marco de una sociedad puritana que condena el divorcio. La tensión que se produce en el ánimo de Laura convierte en turbadora y dolorosa una experiencia llamada a generar felicidad. Los encuentros fortuitos con amigas, en la ciudad y en la estación, crean en ella un estado de inquietud insoportable. La película se sitúa en un momento en el que la mujer británica había alcanzado niveles insospechados de independencia a raíz de su participación activa en el esfuerzo de guerra, de ahí la oportunidad del tema. Son escenas destacadas la de Laura deambulando sin rumbo por la ciudad, la interrupción de la despedida final y la salida de Laura al andén con propósitos suicidas.

La música está tomada del Concierto nº 2 de Rachmaninoff, de ricos matices románticos. Billy Wilder hace uso de un fragmento del mismo en "La tentación vive arriba" (1955). La fotografía, de Robert Krasker ("El tercer hombre", 1949), crea composiciones de extraordinaria belleza plástica, que incluyen ambientes desolados, fríos e inquietantes. El guión construye una trama sencilla, llena de matices, sugerencias y sutilezas. La interpretación de Johnson y Howard es de gran nivel. La dirección crea una obra que hace de la sencillez fuente de belleza narrativa. Confiere fuerza simbólica a los trenes a gran velocidad, relojes, reclamación de las llaves, contacto de la mano de Alec con el hombro de Laura.

La película es una de las más eminentes aportaciones del cine británico. Imprescindible.

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En "Casablanca" (1942), Ilsa decide seguir al marido y dejar de lado la apasionada aventura que le ofrece Rick. En "Breve encuentro" (1945), y por motivos similares, Laura decide romper el romance con Alec y seguir con el marido. Son las decisiones humanamente asumibles en el seno de una sociedad antidivorcista, represora y duramente punitiva, que había comenzado a cambiar.

Miquel

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Basada en el relato "The Buenos Aires Affair", de Manuel Puig, fue escrita, dirigida y coproducida por Wong Kar-Wai. Se rodó, con un presupuesto modesto y sin permisos oficiales, en el barrio La Boca, de Buenos Aires, y en Taiwan, entre setiembre y diciembre de 1996. Obtuvo el premio al mejor director en Cannes.

La acción tiene lugar en Hong-Kong, Buenos Aires, Iguazú y Taiwan, entre el 12-V-1995 y el 20-II-1997. Narra la historia de amor, desencuentros, infidelidades, celos, rupturas y reencuentros de dos jóvenes hongkoneses, Ho Po-wing (Leslie Cheung) y Lai Yu-fai (Tony Leung), que abandonan Hong-Kong en busca de mejores oportunidades.

La historia se presenta como referencia del amor de pareja en general. Las diferencias, discusiones, arrebatos y desamores, que inundan la vida de convivencia, pretenden mostrar una experiencia amorosa amarga, de sentimientos intensos y grandes fustraciones, de valor universal. Es, también, una historia de soledades y desarraigo y, a la vez, una historia de amor gay, que se muestra con naturalidad. El amor humano puede ser fuente de felicidad por un espacio de tiempo limitado y reducido o prolongado. El amor no garantiza la felicidad para siempre. No hay felicidad sin amor, comprensión, tolerancia y habilidades de convivencia. La estética del filme, de aire expresionista, ofrece imágenes distorsionadas, espacios irreales, escenarios opresivos y rincones malolientes, en los que se mueven dos personajes infelices.

La música combina percusiones graves con melodías malancólicas. La añadida incluye la festiva "Happy Together", "Cucurrucucú paloma", "Tango apasionado" (Piazzola), "Milonga for Three" y otras. Se oyen guitarras, saxo alto, órgano, contrabajo, piano, clarinete, bandoneón, violín y otros. La fotografía hace uso de sobreexposiciones, contraluces deslumbrantes, planos picados, travellings espectaculares, cambios de velocidad de reproducción y otros artificios, que confieren a la narración una gran belleza visual. Destacan las escenas de las cataratas de Iguazú, símbolo de la vida y del ideal de serenidad que buscan los protagonistas. La imagen resalta la decoración kitsch y el ambiente deprimente de la obra. El guión constuye unos diálogos fluídos y rápidos, que dan vida a una narración de miseria y desesperanza. Describe con precisión los perfiles diferenciados de los dos protagonistas: Lai You-fai es el amante que espera, soporta desaires, sufre y busca el amor duradero, mientras Ho Po-wing es agresivo, discutidor, infiel y busca refugio en amores ocasionales y en la prostitución. La interpretación de los dos protagonistas es excelente y rica en matices. La dirección con una magnífica puesta en escena realiza una obra no convencional y valiente.

Es la primera gran historia de amor del autor. Equilibrada, de música sugestiva y de fotografía expresionista de gran belleza, cuenta un relato dramático y desagarrador, profundamente humano y, por ello, sobrecogedor y de gran interés.

Miquel

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Film realizado por Jack Arnold, especialista de la Universal en obras de terror y sci-fi. Se basa en la novela "The Shrinking Man", de Richard Matheson, autor del guión. Se rodó en la costa de California y en Universal Studios, con un presupuesto de serie B. Producido por Albert Zugsmith, se estrenó en abril de 1957.

La acción principal tiene lugar en LA, en 1956/57. Narra la historia de Robert Scott Cary (Grant Williams), empleado de una empresa de publicidad, de 1,85 m de altura y de 87 Kg de peso, felizmente casado desde hace 6 años con Luisa (Randy Stuart). Charlie Cary (Paul Langton), su hermano, próspero ejecutivo de ventas de publicidad, les deja su lancha motora para pasar una semana de vacaciones en la costa. Una extraña nube envuelve a Scott, mientras Luisa ha ido en busca de una lata de cerveza. Medio año más tarde, Scott advierte que pierde peso, altura y corpulencia, en un proceso que los médicos no aciertan a detener y que atribuyen a la suma de una exposición a un pesticida y a una nube radioactiva.

La película explora la psicología del protagonista enfrentado a situaciones diversas a lo largo del relato. Las incertidumbres iniciales, la falta de remedios y la pérdida del empleo, le llevan a un estado emocional de exasperación, frustración y agresividad, que descarga sobre Luisa. Mientras avanza el proceso, le invaden sentimientos de impotencia y fragilidad, que dan paso a actitudes tiránicas, despósticas y de sometimiento, que Luisa sobrelleva con estoicismo. Cuando mide 1,24 m y pesa 26 kg. conoce a una enana de nacimiento, Clarice Brown (April Kent), con la que entabla un romance, que le permite compartir afecto y sexo, lo que le devuelve parte del equilibrio perdido. Más adelante, constata con indignación y desolación que se ha convertido en víctima de discriminación y marginación social. La pérdida adicional de altura, le convierte en juguete y presa de Butch y, posteriormente, de una araña, hechos que despiertan en él los instintos primarios de lucha por la supervivencia. Dado por muerto, se enfrenta a la sed, el hambre, los depredadores, las trampas y la desproporción del entorno formado por elementos caseros, convertidos en fuentes de peligros insospechados. La obra denuncia los males de la contaminación radioactiva y química. Se refiere a las relaciones entre vida sexual activa, rica afectivamente, y el equilibrio psicológico personal. Muestra la pequeñez de la Humanidad, aferrada a prejuicios sobre la capacidad ilimitada de manipular la naturaleza.

La música, interpretada por el trompetista Ray Anthony, acompaña la acción con bonitas melodías jazzísticas, que animan y explican los sentimientos encontrados de Scott. La fotografía, en b/n, hace uso de efectos especiales ingeniosos y consistentes, que convierten el cómodo mundo cotidiano en una selva de objetos claustrofóbicos. El guión luce originalidad, imaginación y fantasía. La dirección crea una obra de culto inolvidable e imprescindible.

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El discurso final, más panteista que teológico, desborda los límites de la seriedad narrativa de la obra.

Miquel

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Dirigida, escrita y producida por Louis Malle, fue la primera de las cuatro películas que realizó tras su regreso de los EEUU. Nominada a dos Oscar (película extranjera y guión), ganó el León de Oro de Venecia, siete Cesar y otros premios.

La acción tiene lugar en el internado del colegio de los Padres Carmelitas en Fontainebleau, entre octubre de 1943 y enero de 1944, durante la ocupación alemana. Narra la historia, autobiográfica, de amistad y lealtad entre Julien Quentin (Gerard Manesse), un muchacho católico, de 13 años, hijo de padres parisinos acomodados, y Jean Bonnet/Jean Kippeinstein (Raphael Fejtö), hijo de padres judíos, separado de la familia y oculto en el internado. La obra, sutil y compleja, propone diversas líneas de reflexión. Explica el desarrollo de una relación de amistad entre dos adolescentes que encuentran motivos de encuentro en la lectura en común, la música al piano que interpreta Jean, los juegos y en el descubrimeinto por parte de Julien del secreto de Jean, que guarda celosamente en silencio. Revela el trauma de unos chicos judíos, sin familia, ocultos bajo una falsa identidad, inmersos en la práctica de unos ritos religiosos que no son los suyos y en la enseñanza de unas creencias que no comparten. La narración no contiene juicios de valor explícitos e intencionados: no contiene ni elogios ni condenas. Los hechos hablan por si mismos. No se pueden evitar, sin embargo, ni el contraste entre los uniformes, visualmente perturbadores, de los soldados alemanes y los hábitos sobrios y austeros de los carmelitas, ni las diferencias entre las amabilidad verbal de éstos y los gritos áperos del jefe de la Gesapo. No se oculta el colaboracionismo de compatriotas, con sus secuelas de delaciones, traiciones y venganzas interesadas. Son escenas destacadas del film la despedida de la madre en la estación de París, la lectura nocturna que los dos chicos hacen de una escena de amor, los juegos de guerra en el patio, la furtiva y rápida mirada pedófila en la sala de duchas y las magníficas escenas finales.

La música recoge solos de piano tomados del "Movimiento musical nº 2" de Schubert y del "Rondó caprichoso" de Saint-Saëns. La fotografía, con predominio de colores neutros, resalta el dibujo mediante contrastes de tonos y un excelente movimiento de cámara. El guión, del propio director, muy trabajado y bien construído, pone el acento en la descripción de la inocencia, ternura y sinceridad de la infancia. La interpretación de los dos protagonistas brilla por la naturalidad y espontaneidad. Debuta en cine Irene Jacob con un breve papel de maestra de piano. La dirección imprime a la acción un ritmo atenuado y equilibrado, que subraya la emotividad del relato en una progresión magistral.

La película marcó el inicio de la consagración internacional del autor. Constituye una invitación a favor de la inocencia, tolerancia y amistad y una denuncia contra de la barbarie del racismo.

Miquel

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