Críticas de: pablo - FilmAffinity

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Me quedo con la sensación se haber visto una gran película (que no una obra maestra), de gran impacto visual (la secuencia de la playa es una de las más hermosas y al mismo tiempo duras que he visto en cine en años).

La primera parte (de las tres) me entusiasmó, por esa especie de maestría narrativa, de contar una historia mínima y de ver como se abren hacia el futuro unas consecuencias imprevisibles. Y es ahí donde creo que brilla con especial fuerza Keira Knightey, al convertirse en una especie de nueva Ava Gadner o incluso Katherine Hepburn en sus inicios. Bella y contundente. Su media hora interpretativa es digna de una nominación al Oscar. Mención aparte Saoirse Ronan, dueña y señora de una historia que consigue llevar a buen puerto. Su nominación al Oscar como secundaria me parece necesaria.

A partir de ahí, la historia pierde algo de fuelle ciertamente. Gana en belleza plástica y la banda sonora se convierte en pieza vital, hermosísima que acompaña los sentimientos. Además de la escena en la playa, hay que destacar el portentoso trabajo de Romola Garai y alguna que otra secuencia brillante (McAvoy -que ni fu ni fa- proyectado hacia una gran pantalla con peli clásica de fondo o la escena en el metro).

Finalmente, destacar el impacto de la interpretación de Vanessa Redgrave. Qué fuerza, qué carisma en pantalla, en un face to face con la cámara prodigioso (palabras por supuesto, pero también contención de gestos). Su nominación al Oscar -aparece en algunas quinielas- sería la nominación más corta de todos los tiempos.

Impresionante película de tensiones y gestos.
Desde el minuto uno, se palpa en el ambiente el temor y la desgracia que el maestro Chabrol sabe suministrar a cuentagotas hasta un final apoteósico. Una lucha constante de tensiones y envidias, de falsos profetas disfrazados de ordinarias dependientas de pueblo. Un manual de clases que brilla por su austeridad y concisión narrativa.
En fin, una obra de referencia que coloca a su director en la cumbre del (a veces) anodino cine francés.
Si la dirección es ejemplar y el guion perfecto, poco más se puede añadir de las dos protagonistas de la película: sublimes Sandrine Bonnaire e Isabelle Huppert, en, para mi, la mejor pareja femenina cinematográfica desde ¿Qué fue de Baby Jane?. Truculentas, maquiavélicas, impulsivas y espeluznantes, las actrices (y siento debilidad por la Huppert!) transmiten sensaciones con sólo plantarse ante la cámara.

En fin, una obra maestra sin igual a la altura de los mejores títulos franceses de siempre.

Es difícil ponerse delante del ordenador a escribir sobre una de las películas que más me ha marcado.
Es difícil porque no seré objetivo. ¿Acaso puede alguien serlo cuando ofrece al público su universo más íntimo? Graso error el del cinéfilo que pasa de puntillas por la subjetividad y nos encuadra, por la diagonal, una patada de exposición de hechos sin valoración terrenal de por medio.
Y es difícil porque jamás se me había pasado por la cabeza dedicarle unas frasecillas a uno de los puntales del cine moderno mainstreaming más reconocible de los últimos años.

Sí, creo que el Drácula de Coppola inaugura una década de cine visual, en donde la forma se confunde con el fondo sin que por ello la obra pierda enteros. Claro que su majestad el señor Ford (Francis Ford), siempre ha sido un adalid de las libertades formalistas, evidencia que no por obvia, aporta ciertas claves para el estudio de su obra. Así, su trilogía Padrinicia, La conversación y Apocalipsis son testamentos muy depurados y de grandísima intensidad narrativa, que si bien sucumben (en el mejor sentido de esta palabra) a la hecatombe de la forma, no es menos cierto que en ellas, la forma se confunde claramente con el fondo en un ejercicio estilístico a la altura de muy pocos autores.

Sin embargo, la forma como elemento sentimental, sensorial y sobre todo visceral, encuentra, creo yo muy subjetivamente, el punto álgido de la carrera del director en esta revisitación mitológica por excelencia.
Y ello, porque los fotogramas de Drácula son, por insólitos y en ocasiones espeluznantes, pequeños lienzos goyescos que transcurren frenéticamente bajo la batuta de unas vías locomotoras que van desgranando las hojas del clásico con abrumadora y tenebrosa exactitud. Son extractos literales que encuentran en la fotografía, el montaje, el vestuario y dirección artística, en el uso del sonido y en la grandiosa música de Wojiach Kylar la horma de sus zapatos.

El resto lo ponen unos personajes de perfecta psicología decimonónica que pocas veces han sido tan visuales en manos de un director. Y no me refiero sólo a un Conde Drácula fabuloso, decrépito, revolucionario, sino también a una Mina sensual y desgarrada, una Lucy follonera y dolorosa, un Ramsfield alucinógeno y nauseabundo y un Van Helsing endiabladamente salido. Una turba de "tipos" que deambulan por los castillos, prisiones, palacios y criptas de la película con perfecta naturalidad contemporánea.

Forma, y fondo, juntos en una muestra de poderío visual, sensorial y coherencia que redescubre al Coppola más moderno, más innovador, más talentoso, que demuestra que lo que iba para taquillazo comercial (que lo fue) sin mayores pretensiones, se convierte, por obra y gracia del talento de su padre, en una (ahora sí) obra maestra sin paliativos.

Desgarrador relato entorno a una chica que se ve inmersa en una espiral de desgracias que la irán hundiendo poco a poco. En ella, el director de Fucking Amal consigue transmitir al público el difícil sentimiento de la ternura en un ambiente gris, triste y desesperanzado. Lilya (excelente la actriz que le da vida) recorre su propio descenso a los infiernos dantianos con ingenuidad y complaciencia, sin intuir lo que el destino nos tiene reservado a cada uno. Un recorrido vital y angustioso que depara momentos de gran calado emocional, gracias a una dirección sobria y muy compacta.

No revelo nada del tema, pero, Lilya forever es, para mi, una de las películas que mejor ha sabido retratar a jóvenes en situaciones extremas, si necesidad de sensacionalismo o escándalos, simplemente con la pureza y verdad narrativa.

Es muy difícil elegir una película del gran maestro de Calanda. Y lo es porque, con muy pocas excepciones, la suya es una filmografía magistral, plagada de obras maestras a diestro y siniestro.

Los Olvidados, (¡qué hermosísimo título!) supuso una de las cumbres buñuelia-nas en su periplo mexicano. Y no es para menos, la película retrata con dureza y emoción a partes iguales el destino fatalista de unos adolescentes carcomidos por la pobreza y la desgracia. Una visión diferente de la marginalidad en las grandes urbes (no en vano, Buñuel nos advierte que lo que narra bien podría estar pasan-do en Londres, París o Nueva York) que se distancia de obras, en un principio, hermanas como Ladrón de bicicleta de De Sica o Roma, ciudad abierta de Rosse-llini. Estas últimas son las obras abanderadas del Neorrealismo italiano de los años cuarenta, sin embargo, Los Olvidados bebe de otras fuentes distintas, las fuentes del Surrealismo moderado reconvertido a Realismo poético de tintes bí-blicos.

De hecho, y pese a su poso globalizante, Los Olvidados navega en el folclore mexicano como pez en el agua, y desmenuza con precisión el desarraigo genera-cional de una sociedad decadente que excluye de su bonanza a malditos y des-amparados. Pedro, su protagonista, es un Oliver Twist de periferia más cercano a Donni Darko que a Artful Dodger. Un maldito cuyo sino destila fatalidad desde el primer plano y cuya odisea predestinada recuerda la pasión del mismísimo Jesucristo. Así, Buñuel convierte a Jaibo, su coprotagonista, es un Judas libidinoso con la estampa del mal fario pintada en la frente. La relación que se crea entre ambos es el leit motiv de un recorrido agridulce y pasmoso por un purgatorio de almas diseccionadas con sin inigual maestría por su autor: una madre irredenta y castradora, un ciego-trovador de bilis intacta y una lozana prehistórica preceden-te de una Belle de Jour bañada en leche.

Y es curioso como en el medio de todo este caos, Buñuel tiene tiempo para, al lado de lo absurdo e irracional de la existencia misma, rescatar sin mayores pro-blemas un sentimiento de gratitud y pasión que impregna no sólo a Pedro, sino también a sus compañeros de desgracias, dotados de una humanidad y viveza poco estudiadas hasta entonces. Por eso, en la conjugación sensacional de asco y belleza, Buñuel brinda con Los Olvidados una lección de humanismo que tras-ciende más allá del mero episodio de fatal cotidianeidad urbana.

En Cannes, que suelen ser muy listos, le dieron el premio al Mejor Director, y en mi ranking particular, Los Olvidados descansa al lado de El ángel exterminador –obra sin parangón en la historia del cine moderno y de una actualidad insultante - y Viridiana, que es, de lejos, la mejor película española de todos los tiempos.

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