Una de las indiscutibles obras maestras de Mankiewicz, fruto de la fusión de dos talentos plenamente emparejados. De una parte Tennessee Williams y su airado universo novelesco: las frustraciones, lo turbulento, lo reflexivo y lo amargo de las pasiones y/o sentimientos humanos. De otra parte el genial Mankiewicz y su puesta en escena de sesgo teatral, encauzada como un desembozado policiaco - la investigación de Clift es como si se tratara de una investigación policial - cuando estamos asistiendo a un brutal, denso y tenso melodrama. Por una vez, Mankiewicz no escribió el guión y lo dejó en manos del propio padre de la novela (coescrito con Gore Vidal) pero adaptó el material tan respetuosa como personalmente.
Se trata de la investigación que una madre (Hepburn) encarga a un médico (Clift), especialista en lobotomías - operación en el cerebro por la cual se elimina, en casos extremos, la sensación de angustia -, sobre la muerte de su hijo. Prodigiosamente, el personaje clave del film es ese hijo que nunca aparece fisícamente, solo en un flash-back final, pero que toda la película está construida en base a él pues tanto la paranoica madre como la angustiada prima (Taylor) están obsesionadas/enamoradas de él.
Dotada de un guión preciso y resaltando su estructura de policiaco "sui-géneris", estamos ante un melodrama recio y rotundo, un film absorbente y desasosegante, que analiza y trata temas como la Locura, la Angustia o el Canibalismo sin rozar la más leve escabrosidad y llegando al más absoluto esclarecimiento, en un "tour de force" interpretativo impresionante, con un idóneo y maravilloso Clift, una imponente Hepburn y una singularmente soberbia Liz Taylor. Los secundarios cierran el círculo en este aspecto.
Memorables secuencias, como la inicial en el jardín botánico, un ejemplo sublime de cine hablado, interpretado y realizado.

kafka

(ver vista para enlazar)

Un hombre subido a su land-rover recorre desesperado las calles de Teherán buscando a alguien que le ayude en su delicadísimo propósito: que alguien entierre su cuerpo bajo tierra una vez que se suicide. Primero lo intenta conun soldado kurdo, luego con un estudiante de teología islámica. Ambos le disuaden de su propósito. Finalmente encuentra en un hombre normal que ya quiso hacer lo mismo: intentó ahorcarse en un árbol, pero al agarrarse a una rama aplastó con su mano los frutos del árbol, unas sabrosas cerezas que tornaron sus deseos suicidas en necesidad de seguir viviendo.
Una obra maestra del ya mítico Kiarostami, que siguiendo con sus señas de identidad tan incorregibles como particularísimas, logra con "El sabor de las cerezas" un poema trágico de altura y anchuras sobresalientes, una metáfora lúcida y plena sobre la condición humana.
Tuvo que realizarla casi clandestinamente pues si ya para nosotros el suicidio resulta algo bastante espinoso, hay que imaginarse la aberración que eso significa en una sociedad tan fanaticamente religiosa y tan profundamente fundamentalista como la iraní, y por extensión, la comunidad árabe. Este hombre se quiere suicidar no sé sabe por qué ni falta que nos hace (ese es un gran acierto de la película), basta creer en una consideración global de que suicida porque no le gusta el mundo en el que vive, le desespera la deshumanización vigente, la falta de racionalidad de nuestros actos. Y Kiarostami propone una obra de soberbia envergadura moral, muy equilibrada e inteligente, que usa hasta lo indecible la racionalidad y el cerebralismo, el imperio de la lógica, el valor de lo humano y de lo natural, habiendo y haciendo un elogio maravilloso de las cosas naturales y del naturalismo mismo y configurando así un poema visual sencillo y maravilloso, pero casi también hasta abstracto y metafísico, arraigado hasta lo inimaginable en la austeridad y humildad de su apuesta.
Kiarostami vuelve a usar las secuencias que se repiten, las situaciones concéntricas, no usa la música compuesta, usa mucho los diálogos sencillos entre dos personajes que hablan quedándose fija la cámara en uno, no hay absolutamente nada que "vicie" la limpieza de la propuesta, hay ese tenaz y tozudo minimalismo y miniaturismo, aquí convertido en la más atípica y asombrosa road-movie que yo haya visto en mucho tiempo, una película prototípica, pedagógica, inmensa en su humildad, hermosa en su plasmación en cine cerrado en una última, tétrica pero luminosísima secuencia. No hay lecturas rotundas pues además la película, con toda la sencillez que lleva en sus alforjas, resulta profundamente compleja y resueltamente abierta a todo tipo de elucubraciones.
Sin duda alguna, la obra maestra de un cineasta que, en los tiempos que corren, resulta fundamental para reposar, pensar, anestesiar y oxigenar, durante una tranquila hora y media de cine, nuestras doloridas y maltrechas cabezas y miradas.

kafka

(ver vista para enlazar)

Una película absoluta y, más que probablemente, involuntariamente de culto, un caso paradigmático de cómo un film realizado en apenas 6 días, con escasísimos medios y con un reparto bien flojo y casi tan barato como el propio film, logra ser un thriller extrañísimo y casi fascinante, de rara y magnética atmósfera pesadillesca que remite, casi nada, al experimentalismo alemán.
La historia de un pianista (Neal) que decide atravesar el país para encontrarse con su novia y se mete en un embrollo de mil demonios al fallecer el hombre que lo ha recogido en coche y ser reconocido luego por la mujer (Savage) que éste recoge, a su vez, con el coche del finado, que culmina con una memorabe e ingeniosa segunda muerte, que cierra en kafkiano semejante thriller.
Ulmer, auténtico maestro de la serie B y director maldito dónde los haya, desarrolla la historia casi exclusivamente en planos fijos, a bordo del coche, apenas juega con tres o cuatro escenarios y utiliza la elipsis alguna vez de manera muy inteligente. Aún así, logra un thriller que reune las claves del cine negro: el destino, la mujer fatal, la fortuna, etc... y una atmósfera tan rara como simpática y atractiva. A destacar, efectivamente, y como aportación la tremenda pasividad del personaje principal, incapaz de adoptar iniciativa alguna, algo inusual el el thriller americano de su época.
Una película que está muy por encima de calificativos y modas, pues resulta particularmente única e involuntariamente (¿o no?) afortunada.

kafka

(ver vista para enlazar)

El inicio de la llamada trilogía de Apu (el protagonista de la tres, aquí un adolescente), realizada por Satyajit Ray en la década de los 50, y que hiciesen de él, con toda justicia, un cineasta mítico y memorable.
"Pather Panchali" es la historia de una familia de la baja burguesía india que malvive con los trabajos del padre, y que pese a su lucha diaria por salir adelante, parece marcada por el sino de la mala suerte. Con este argumento tan sencillo, Ray ahonda en mostrar la India cotidiana y en extraer de cada fotograma (especialmente en su tercio final, maravilloso) poesía y lirismo de la sencillez, sensibilidad de los silencios y las miradas.
Minimalista, realizada con escasos medios pero muchas intenciones, en ella Ray logra extraer cine límpido, abarrotado de sensibilidad, dejando un poso maravilloso en la mente y el alma del espectador.
Me parece que este cineasta ha sido clave en otros como Víctor Erice o Abbas Kiarostami.

kafka

(ver vista para enlazar)

Sin duda alguna, una de las películas - si cabe llamarla así, tal es su incatalogabilidad - más extrañas de la Historia del Cine, un proyecto inacabado de Welles, quien luchó a brochazos y durante 20 años por llevarlo a cabo, un proyecto tipícamente wellesiano, por envergadura, coraje, riesgo y propósitos, que finalizase un cineasta "oficialmente" chapucero como nuestro Jesús Franco. El resultado es tan desordenado e irregular, como de una insolitez enorme y llena de defectuoso encanto.

kafka

(ver vista para enlazar)