Desde que Blake Edwards rodara en 1962 “Días de vino y rosas”, las películas sobre el alcoholismo están miradas desde otro prisma. Desde que Lemmon y Remick se transformaron en alcohólicos, actores anteriores y posteriores que intentan recrearnos ese espeluznante mundo quedan en mediocres intentos. Puede que Ray Milland hace un gran papel, pero lo cierto es que no le llega a la altura del zapato a la gran actuación de Lemmon en “Días de…”.

“Días sin huella” mediocre traducción de “The lost weekend” no deja de ser, a pesar de las comparaciones con la de Edwards, una buena película. Posee la suficiente fuerza y calidad para que los años no la hayan machacado y siga siendo eficaz. Milland ejerce de amo de la pantalla durante todo el metraje, y lo cierto es que se sale.

No es ni mucho menos, de lo mejor de su director, pero con un buen guión y oficio, consigue buen resultado.

Chago77

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Esto es lo grande del cine. Diez días antes mandaba a la mierda a Bergman, y hoy, hoy sólo me queda agradecer a este voyeur de secretos y mentiras que fuera capaz de captar con la cámara este pedacito de realidad llamado “Secretos de un matrimonio”.

Cuan difícil es no sentirse identificado mientras contemplas esta exposición de torturas y amores a los que sus dos excelsos protagonistas nos someten. Cuan difícil es no verte involucrado entre tanta maraña de sentimientos. Cuan difícil me resulto el no perderme entre ese azul encapotado o gris lluviosos de los ojos inquisitivos e inquisidores de Liv Ullman.

Bergman conduce esta magistral historia de forma que nunca llegamos a creernos que el caos consigue expandirse, sino que mantiene un extraño equilibrio donde la anarquía inherente al caos jamás se subleva.

Chago77

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Kurosawa filmó quizás, una de las mejores tramas en la historia del cine. No es habitual, en el cine oriental de entonces, el ritmo que Kurosawa imprime a la primera parte de la historia. Esto, junto que un nudo argumentativo que exprime al máximo las emociones del espectador, hace de la primera hora y pico, uno de los mayores espectáculos audiovisuales de la historia. Toshiro Mifune interpreta aquí su mejor papel. Y es algo muy complicado de decir de un hombre que ha interpretado con maestría al mejor mercenario de la historia en “Yojimbo” (1961) o en “Sanjuro” (1962), ambas de Akira Kurosawa. Pero el chofer no llega a ser convincente y sus lamentos llegarán a producir antipatía.
Gran fotografía de uno de los directores que mejor supo trabajar el blanco y negro, y que en esta cinta, penúltima en blanco y negro de Kurosawa, coquetea con un humo rosa preludio del color que llegaba.
Es una pena que Kurosawa no pudiera mantener el ritmo en toda la cinta. La búsqueda criminal no llega a la altura emocional del principio y la tensión baja. De todas formas, incluso en esta parte, Kurosawa sabe sacarse de la manga, alguna escena que te clavan en pantalla (como en la que el chofer acompaña a su hijo en el coche mientras intenta recordar) ayudado por unos efectos sonoros que Hitchcock patento para la historia del celuloide.
Akira Kurosawa no sólo filmó la historia de un secuestro. Filmó un cambio histórico que Japón estaba experimentando cuando fueron recuperándose de la guerra. Kurosawa observó como iban acercándose los males de una sociedad de consumo y supo plasmarlos en esta cinta de una forma magistral. “Esa casa nos mira” y su poder, crea un infierno de odio y envidia que nos envuelve hasta inundarnos en la desesperación.

Chago77

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Si hay algo que siempre caracteriza a una película de Lubitsh son unos diálogos ágiles y ácidos donde la ironía es tan sutil que encumbró sus películas como las más elegantes y sofisticadas. “Cluny Brown” no es una excepción:

- Pareces una frívola que sólo piensa en su cutis.
- Te gustaba hasta que llego Hitler.
- Me sigue gustando, pero estamos al borde de una guerra.
- Pues deja de hablar y haz algo.
- He escrito una carta al “Times”.
- Entonces todo está solucionado.

Directo, sin alardes, sin buscar complejidad. Así es, no sólo Cluny Brown, sino toda su filmografía. Lubitsh es de los pocos directores que ha sabido medir el tiempo. Sus comedias no buscan sorprender con un argumento rebuscado. No sorprende en este sentido. No cambia de registro en Cluny Brown donde de nuevo las mujeres olvidan su rol de sexo débil para recitarnos con igualadas luchas de poder (siempre sexual).

- ¿Qué le parece el Sr. Wilson? ¿Cree que ha llegado mi barco?
- Mira Cluny. Ahí fuera hay un océano, y en el océano hay una barca que desafía las olas y las tormentas. Y no es el Sr. Wilson. Pero en una ensenada hay un carguero. Tiene el motor apagado, no sale humo de la chimenea. Nada sería capaz de moverlo, ni el viento ni las olas. Ese es el Sr. Wilson.

Esta película, la tenía grabada en VOSE en una cinta VHS de un programa de la televisión pública llamado “Cine Club”. Sí, los más jóvenes se sorprenderán. Os aseguro que no miento. Antes, aunque parezca mentira, ponían películas de enorme calidad en versión original. Sí, eso era antes de que la televisión se convirtiera en lo que tenemos. Cada país, tiene la televisión que se merece. La que piden.

Chago77

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Nadie duda de la gran capacidad de Ferzan Ozpetek para narrar esa cosa tan volátil como son los sentimientos. Pero a la hora de crear un guión “Saturno contro” (Saturno en contra), Ozpetek y su fiel compañero Gianni Romoli se han ido hacia la fábula.

Es cierto que son algunos las escenas que están narradas con gran sensibilidad, donde Ozpetek demuestra que sabe de qué habla, pero al mismo tiempo, encontramos ciertas escenas de verosimilitud cero que dan al traste con la idea original de director de acercar la historia a la gente. Stefano Accorsi consigue, como prácticamente todo el elenco, una buena actuación, pero los actos e ideas que expresa el personaje rayan lo abstracto.

Ozpetek, de nuevo, mezcla una excelente banda sonora con la historia. Una delicia llenas de melodías tangueras.

Chago77

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