Críticas de: jastarloaoroz

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Pues qué queréis que os diga, es salir Alec Guinness con esa chepa, esos dientes salidos, esos ojos de besugo remachados por ojeras pronunciadas, esa bufanda larguísima que arrastra por los suelos y se enreda en cualquier resquicio, esos aires ridículos de superioridad intelectual, y yo es que me parto. Fue un actor que se ganó a pulso su fama de camaleónico, y los estudios Ealing con sus comedias de posguerra contribuyeron especialmente. Ésta es la última comedia producida por ellos antes de ser adquiridos por la BBC ese mismo año (1955) y entrar en una decadencia que no han sabido remontar hasta el día de hoy. Pero no tengo ganas de lamentaciones tras haber visto la película, sólo me vienen pensamientos alegres a la mente. Me vienen la adorable Señora Wilberforce y su ingenuidad, Peter Sellers y su excitación nerviosa —memorable su primera entrada en la casa lanzando miradas paranoicas a cada esquina con la inquietud y desconfianza propias de una de esas aves silvestres tan huidizas; ¿y sabían ustedes que les puso voz a los papagayos?—, el gramófono que sigue reproduciendo cuando ya no queda nadie en la habitación, la casa de arquitectura surrealista, la inoportuna reunión de viejecitas, las desastrosas confabulaciones para acabar con la vida de la anciana, la visita nocturna del policía... Y tras estos recuerdos trato de comprender a esas personas que comentan que es aburrida y que no les hace ninguna gracia, pero es misión imposible.

Tiene todos los ingredientes para no gustarme, pero están cocinados con tanta delicadeza que me resulta imposible no sucumbir a las miradas que entrecruzan Camille, impulsiva pero frágil, y Stephane, un hombre incompresiblemente –o quizás no tanto si nos montamos nuestras suposiciones– empeñado en negarse a sí mismo sus propios sentimientos.

Absolutamente preciosa es la escena en que Camille se equivoca continuamente durante el ensayo.

Se echan de menos esas cámaras lentas, esas imágenes congeladas que todavía no se había animado a usar pero que más adelante se convertirían en la firma de Peckinpah.
No importa, la historia y los personajes están pensados a su medida (de hecho, él mismo metió mano en el guión). También se nota su peculiar estilo en algunas de las escenas: el cuerpo inerte del indio muerto cayendo por una pendiente, la espectacular batalla final en el río...

La película es conocida por su fracaso en taquilla y por los problemas durante la producción (se dice que durante el rodaje Heston amenazó con un sable a Peckinpah, aunque también se dice que se jugó el cuello apoyando a Sam ante los productores, llegando a decir que si le despedían, él también se iría) y, sobre todo, durante la posproducción (los productores no contaron con Peckinpah para el montaje, y eso, para un director-montador como él, fue un insulto).
Todas esas diferencias hicieron que Peckinpah no dirigiera finalmente "El rey del juego".

Imprescindible para todo amante del western; muy recomendable para el resto.

"La vieja historia de siempre: un país, por intereses económicos, hace de un don nadie un jefe revolucionario; cuando ya no le es útil, lo deja a un lado; y cuando se revela nuevamente en nombre de una idea análoga a la que se le enseñó, se le elimina."

Esta frase, con un par de modificaciones de mi cosecha que para nada alteran su significado, es la funesta conclusión que se saca de la película.
Conviene aclarar que los hechos en los que se basa la historia fueron reales. En 1520, en el Caribe, los españoles incendiaron una isla entera para acabar con una revuelta indígena. La isla pasó a conocerse como Quemada y se repobló con esclavos negros procedentes de África para dedicarla al cultivo de la caña de azúcar.
Más que por intereses de distribución y público, los productores decidieron cambiar el argumento –nombre de la isla incluido– y "convertir" lo español en portugués por las amenazas del régimen franquista de boicotear el rodaje en las zonas donde tuviera influencias.

Fieles a sus ideales políticos y sociales, el director y el mismo Brando, que se profesaban admiración mutua, decidieron colaborar en este agresivo proyecto en contra del colonialismo, el capitalismo y la esclavitud. Al final, debido a sus diferencias creativas en la construcción del personaje de Walker y a una testarudez compartida, salieron tarifando y, según cuenta la leyenda, Brando amenazó a Pontecorvo con matarle si volvía a encontrárselo alguna vez. Mientras Pontecorvo quería un malo, Brando prefería un hombre con un trabajo execrable, es decir, algo más humano y creíble. En este caso, Brando era el que tenía razón, y lo demostró con una interpretación que, le pese a quien le pese, es de lo poco que sostiene con fuerza una película que sería demasiado larga y monótona si sólo contara con actores no profesionales (Evaristo Márquez y prácticamente todos los demás extras y secundarios colombianos) e irregulares escenas de masacres y revueltas, muchas de ellas rodadas desde la "fría lejanía" al estilo Eisenstein (sí, ya sé que en "La batalla de Argel" también las había, pero aquellas contaban con la fuerza del realismo cuasidocumental aquí ausente por completo).

Otras virtudes: buena fotografía y puesta en escena; la banda sonora cuando emplea la percusión; diálogos mordaces, aunque, desgraciadamente, escasos.

Otros defectos: era inevitable que esos recursos de montaje a lo spaghetti-western, en un drama como éste, envejecieran mal; la banda sonora cuando no emplea la percusión; el narrador en off que aparece de la nada en mitad de la película (aunque puede tener explicación si tenemos en cuenta que el montaje original de Pontecorvo fue muy recortado).

Lo mejor, la escena final. Contundente. Incontestable. Abrasadora.

Lo que se queda grabado en la memoria es la partida del final, que ocupa casi la mitad de la película y que es donde despliegan todo su talento Robinson, Malden y, en menor medida, McQueen. El principio no es demasiado brillante, aunque la presentación de los personajes contiene elementos suficientemente interesantes como para que su balance sea positivo. Se habla mucho de Joan Blondell, que está realmente entrañable como Lady Manitas, la ametralladora de puyas indirectas contra Lancey Howard, pero creo que algunos la están confundiendo con Tuesday Weld, que es quien interpreta a la cándida novia de Kid. También se merece elogios la mujer fatal irresistible de Ann-Margret.
Me hubiera gustado ver el resultado si la hubiera dirigido finalmente Peckimpah. A buen seguro habría sabido exprimir un poquito más los rasgos oscuros de Kid y de las mujeres, pero me permito a mí mismo dudar sobre los resultados de la partida, pues es difícilmente superable tal y como está.

Lo mejor: el tenso final, aunque nunca lo es tanto como las partidas al mus en el hogar del jubilado, donde te juegas la vida a manos de tu compañero como metas la pata, o como él piense que la has metido, cosa que ocurre casi siempre cuando pierdes.