Extraña y un tanto incomprensible obra construida como “cine dentro del cine”. Su planteamiento es obsesivo, en el que la cámara asume un papel de vampiro que fagocita a aquellas criaturas que se colocan ante su objetivo. Dentro de un tono bastante grave e incluso filosófico, sorprende la imbricación de personajes casi surrealistas, como el de Marta Fernández Muro o su tía, con sus absurdos comentarios sobre el cine. Parece que también ella tiene la percepción alterada. Algunos se han referido a esta obra de Zulueta como nihilista, porque rechaza los valores tradicionales de un modo radical. Otros hablan de película deconstructivista por su ataque descarado a los mecanismos de la razón y a la lógica cinematográfica. Si asumimos que la esencia del deconstructivismo es la demostración de que un texto puede tener múltiples significados, tal apreciación parece pertinente. En sentido estricto, hay tantas interpretaciones como espectadores. Los más críticos con “Arrebato” alegan que se trata de un ejercicio vacío con ínfulas de intelectualismo, que maneja de manera más o menos hábil el lenguaje audiovisual. Lo cierto es que, en la obra de Zulueta, como en la sociedad moderna, el mundo de las imágenes compite con la realidad, a veces sobreponiéndose a ella. Lo audiovisual nos acompaña desde la cuna y modela nuestra percepción. Por eso somos hoy más fácilmente manipulables que en épocas anteriores, y de ahí la fascinación que ejerció el cine en su momento, proceso encarnado por los personajes de More y Poncela hasta las últimas consecuencias. En verdad, la película supone un momentáneo arrebato para la razón en el cual la esencia es la apariencia, y los límites entre la realidad y la ficción acaban, literalmente, entremezclándose. Aquí podríamos volver a enlazar con el nihilismo, uno de cuyos principios es la imposibilidad de conocer la realidad, así como de distinguir entre el bien y el mal. De ahí la exaltación que se hace en el filme del hedonismo. La consecuencia de esta postura es la desvalorización de todo, la búsqueda de las experiencias límite: erotismo, drogas, suicidio. Sólo así se entiende que la vida se equipare a un simple fotograma. Sin embargo, la película no aparece como completamente amoral, porque en realidad la práctica del vicio es lo que esclaviza, como se sugiere en varias ocasiones. Por este motivo, tampoco faltan los que ven en esta obra una parábola de la adicción. Como dice el personaje de Will More, “…con cualquier cosa me agarraba un éxtasis (…) a lo tonto, a lo tonto, me vi absorbido por mil chorradas".

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Creo que ni siquiera a los que desconocían la original de Carpenter les habrá gustado esta operación de marketing. No basta con hacer algunos cambios (casi siempre para mal) a la obra primigenia para imprimir un marchamo de originalidad a una versión. No es suficiente con sustituir los suburbios de Los Ángeles por los de Detroit (¿o es el parque de Yellowstone?), el caluroso verano angelino por el nivoso fin de año de Michigan, los años setenta por los dos mil, los pandilleros en busca de “cholo” por polis corruptos, o intercambiar la raza y los nombres de los antiguos protagonistas. Ni a una humilde telefonista por una maciza psicóloga cuyo único objeto es lucir palmito y otorgar mayor profundidad psicológica (¿?) al héroe del asunto. Ah, y lo más importante, no basta con reemplazar el oficio y la eficacia por el dinero y la tecnología.
Resultado: un block buster para espectadores poco exigentes. El SWAT, corrupciones al margen, está tan en horas bajas como la inspiración del departamento de dirección y guión de este luctuoso remake. El reparto tampoco ha debido de echar una ojeada al original: Ethan Hawke luce el mismo gesto toda la película; Laurence Fishburne parece no tener muy claro si sigue en un mundo virtual y Gabriel Byrne no levanta cabeza desde “Muerte entre las flores”, que ya ha llovido. Dennehey no está para muchos trotes y las chicas no pasarán a la historia del cine por su recreación de mujer-florero de buen ver.
En fin, una sucesión de tópicos de lo más previsible, rap final incluido. Comprendería perfectamente que Carpenter usara rollos de papel higiénico con la efigie del tal Richet. Aunque tal vez debería estar besándole el culo, porque su película, que no pasa de ser una obra interesante, parece una obra maestra absoluta al lado de esta penosa puesta al día. Au Renoir, Jean François.

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La primera época de Carpenter es la única interesante (“Halloween”, “La cosa”; incluso la macarra “1997, rescate en Nueva York” tiene un pase). Este western policial con trasfondo de tribus urbanas es una de las mejores creaciones de este director venido a menos, qué digo, a nada. Estética setentera, peinados afro, bandas angelinas, polis con sentido del deber y delincuentes con principios. Música cargante pero efectiva, pocos medios pero bastante bien exprimidos, alguna secuencia llamativa por su violencia para la época en la que fue realizada, y ciertas situaciones resueltas de un modo no demasiado afortunado. Pero en su conjunto, un film bastante apreciable. Imagino que uno de los favoritos de la infancia de Tarantino, y que no ha conseguido superar (ni la infancia ni esta película). No es la obra perfecta, pero teniendo en cuenta sus evidentes limitaciones creo que se merece como mínimo el calificativo de interesante. Tal vez lo mejor de un director en su día de culto pero hoy creativamente muerto.

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Película larga, difícil, farragosa. No en vano su engranaje es tan complicado como introducir un barco de vela por el cuello de una botella. Su densidad y duración hace que muchos se alejen de ella, pero creo que el tiempo acabará haciéndole justicia. Ahora mismo no se me ocurre ninguna película mejor sobre los entresijos de las cloacas de la Inteligencia de culalquier país. La película es tan compleja como la propia vida, como el funcionamiento de la mente de unos tipos que creen poseer un país y la verdad, de unos tarados masones y machistas cuyo pasatiempo favorito es disfrazarse de mujer, de unos individuos cuya ambición y patético sentido del deber antepone la razón de Estado a la propia familia, al propio individuo. Matt Damon, tan inexpresivo como siempre, pero más creíble que nunca. Hasta Angelina Jolie está convincente. La ambientación es excelente, como el montaje y, sobre todo, el guión.

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La metáfora final, de la carta suicida del padre del protagonista, que se consume en segundos ante la mirada del espía, me parece acertadísima síntesis del crítico espíritu de la película.

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Película ágil, entretenida, con muy buena música y personajes de lo más variopinto que se ganan la simpatía (incluso los más antipáticos) del espectador. Además, carece de la notable carga ideológica que suele caracterizar los filmes de Parker. Realmente, es una película coral, con un final poco convencional pero que difícilmente decepcionará a alguien. Operación Triunfo barriobajera de contexto, pero de alto standing en cuanto a los resultados. Divertida hasta para los que odian el soul.

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