Decimocuarto largo de Verhoeven, rodado tras 6 años de pausa. Lo escriben Verhoeven y Gerard Soeteman, a partir de un argumento de Soeteman ("Delicias holandesas", "Delicias turcas", etc.). Se rueda en exteriores de Holanda (Haarlem, Oss, Utretch, etc.), Israel (Kfar Ruppin), Alemania y RU y en los estudios de Babelsberg (Alemania). Es nominado a un BAFTA (película lengua no inglesa) y al León de Oro. Gana 3 Golden Calf (actriz, director, película). Coproducción de Holanda y Alemania, se proyecta en público por primera vez el 1-IX-2006 (Festival Venecia).

La acción, narrada meidante un largo "flashback", tiene lugar en Israel (octubre 1956) y en Holanda (septiembre 1944-mayo 1945). La película es un drama bélico y de espionaje, que incorpora elementos de aventuras, acción, romance, humor, suspense y thriller. Muestra sin contemplaciones la barbarie nazi y la no menos atroz violencia con la que, finalizada la guerra, son tratados los culpables e inocentes sospechosos de colaboracionismo. El realizador, nada amigo de componendas, envuelve la acción en una atmósfera opresiva y pesimista de desconfianza y falta de fe en el ser humano. En la guerra no hay buenos y malos, sólo muertos y supervivientes y los supervivientes siempre son culpables de algo. No hay espacio para el heroismo: en condiciones extremas, las personas se mueven atendiendo sólo las propias necesidades. Verhoeven deja constancia de sus obsesiones sobre el sexo, la religión, la violencia, la debilidad humana y sus manifestaciones (delación, traición, codicia, venganza). Condena el racismo y el belicismo. Exalta la figura de la mujer fuerte, decidida, autónoma y autosuficiente. El film se inspira en hechos reales: Rachel es el compedio de 3 mujeres de la Resistencia, el oficial de la Gestapo Müntze corresponde al oficial Münt, el notario Smaal es el abogado De Boer, el "Libro negro" es la agenda de De Boer, etc. Incorpora un realismo sucio y en ocasiones hieriente (vuelco del bidón de excrementos sobre una joven), al que se añaden referencias gruesas (escena del urinario). El relato se presenta bien estructurado y bien desarrollado en torno a un claro centro narrativo (Rachel/Ellis), con un potente motivo que dinamiza la acción (traidor oculto). No falta el humor y el humor negro subido de tono (personaje atrapado en un ataud).

La música, de Anne Dudley ("Tristán e Isolda", 2006), consta de 18 "tracks" más 4 canciones a cargo de Carice van Houten. Destacan los temas "Rachel", "Río sin fin" y "Libro negro". De composición orquestal, tono clasicista y mavimiento pausado, incorpora mezclas de jazz y pop. La fotografía, de Karl W. Lindenlaub ("Chacal", 1997), es colorista, de fuertes contrastes, composición brillante y buen dibujo. La interpretación de la protagonista es magnífica. La puesta en escena es elegante y acertada. El film, entretenido y de ritmo intenso, suma elementos del cine americano (eficacia narrativa) y europeo (preferencia por los personajes).

Miquel

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Sexto título de la serie J. Bond, realizado por Peter Hunt. Se basa en la novela "On Her Majesty's Secret Service" (1963), decimoprimera novela de Ian Fleming. Se rodó, en panavisión, en exteriores de Londres, Suiza y Portugal y en los Pinewood Studios (RU), con un presupuesto estimado de 7 M dólares. Producido por Saltzman y Broccoli, se estrenó el 18-XII-1969 (EEUU).

La acción tiene lugar en la Riviera francesa, Londres y Suiza, a lo largo de unos 12 días, en diciembre de 1968/69. Narra un episodio de la vida de James Bond (George Lazenby), agente secreto británico, que con la ayuda de Marc-Ange Draco (Gabirele Ferzetti) localiza al malvado Blofeld (Telly Savalas) en los Alpes suizos, donde prepara una pérfida operación de chantage contra la ONU. En la acción le apoya Tracy Di Vincenzo (Diana Rigg), hija de Draco.

El guión se ajusta más que en anteriores entregas a la novela de Fleming. Por ello el protagonista es más humano, no hace uso de "gadgets", se enamora por primera vez y demuestra sentimientos de tristeza y ternura. La acción combina elementos de acción, aventuras, drama, romance y thriller, en un conjunto rico en contenido, más complejo de lo habitual y orientado más a la emoción que al espectáculo. La narración, de tono más realista, evita secuencias de sueño y fantasía. Contiene escenas líricas como la del prólogo, la declaración de amor, el abrazo de despedida y las lágrimas de Moneypenny (Lois Maxwell). Telly Savalas encarna el papel del malvado Blofeld, desplegando acción y asumiendo riesgos inusuales en el personaje. Diana Rigg aporta una de las mejores interpretaciones de las chicas Bond de la serie, por su talento, la extensión del papel, el contenido del mismo y el encanto que despliega. El film incorpora imágenes espectaculares, como el paisaje suizo, el alud, la tempestad de nieve, etc. Incluye, además, escenas destacables de acción, como la persecución de coches que se cruzan con los de una carrera, la pelea de Bond y Blofeld en un tobogán de carreras, los fuegos artificiales de Nochebuena y otras.

La música, de John Barry, pausada, melódica y envolvente, incluye temas de tensión ("Sky Chase"), navideños, de lucha ("Battle At Piz Gloria") y una deliciosa canción romántica ("We Have All The Time In The World"), cantada por Louis Armstrong. La fotografía, magnífica, ofrece encuadres de abajo hacia arriba, que realzan la fuerza temible de algunos personajes, travellings espectaculares, planos cenitales inquietantes y unas espléndidas tomas aéreas. El guión elabora unos diálogos fluidos, salpicados de humor, en los que el machismo de Bond y Draco es contestado irónicamente por Tracy. Contiene algunas referencias cultas: la cita de la conversación de Paris y Elena al amanecer. La interpretación de Diana Rigg supera a la del protagonista, voluntarioso, pero falto de oficio. La dirección construye una obra emocionante y vibrante, más en la línea de los gustos de Saltzman que en los de Broccoli.

Miquel

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Mediometraje de Michelangelo Antonioni, filmado años atrás, complementado con dos piezas de encargo. El propósito es doble: publicar la última realización de Antonioni (93 años) y rendirle un homenaje de reconocimiento.

1. La pieza de Antonioni ("El filo misterioso de las cosas") se sitúa en la costa de la Toscana en la época actual. Se basa en un cuento del propio Antonioni de su libro "Quel bowling sul Tevere". Narra la relación de la pareja de Cloe (Regina Nenni) y Christopher (C. Buchholz), que en lugar de explicarse el malestar afectivo que sienten mediante el silencio, lo hacen con palabras y gestos que no dicen nada. La discusión entre los protagonistas, la relación efímera de sexo de Christopher y Linda (Luisa Ranieri), el baile de Cloe y Linda y la luz crepuscular, definen un relato de amor y sexo que busca la inmediatez y la intrascendencia. Imágenes de gran belleza y música sugestiva.

2. El episodio de Steven Soderbergh ("Equilibrium") se sitúa en NYC en 1955, cuando el psicoanálisis estaba de moda en EEUU como panacea de muchos males. El motivo que mueve la acción es un sueño reiterado de un ejecutivo estresado, Nick Penrose (Robert Downy), por un trabajo sin alicientes, de jornada continuada, sin ejercicio físico y sin sexo. Le atiende con manifiesto desinterés un psicoanalista, el Dr. Pearl (Alan Atkin), que mira con anteojos una figura posiblemente femenina, situada en una vivienda del otro lado de una calle anchísima. Los temores que suscita un sueño erótico, más vacío que minimalista, y el voyerismo de una imagen difuminada e inalcanzable son los motivos de distracción, preocupación y obsesión de dos personajes de un universo sin afecto y sin comunicación emocional. Comedia esperpéntica, con toques de humor, glosa la desolación de una sociead sin amor, porque para ella sólo vale el dinero y lo que se adquiere con él. No habla de erotismo, sensualidad y amor, sino de su muerte.

3. La pieza de Kar-Wai ("La mano"), se sitúa en 1963. Narra la historia del amor imposible de un joven sastre por una prostituta de lujo, que vistió siempre con extraordinaria elegancia. Ella despierta en Zhang (Chang Chen) el deseo sexual, el sentido de las caricias y las emociones afectivas. Pero Hua (Gong Li) está enferma, pierde su belleza, los clientes no la visitan y ella sale a la calle como buscona. Las historias de los grandes amores y de las pasiones desbordadas son del pasado, hoy impera la inmediatez. Kar-Wai aporta el contrapunto de la historia de Antonioni, el contraste que la explica. Justo y acertado homenaje al viejo maestro de un cineasta que reconoce su deuda impagable con él. Imágenes bellísimas y grata música de Peter Raben.

Encadenan las historias unos dibujos magníficos de Lorenzo Mattoti y la canción "Michelangelo Antonioni" de Caetano Veloso. Soderbergh y Kar-Wai explican, a su manera, cómo y en qué medida el legado del maetro persiste en su trabajo. El film se estrenó en el Festival de Venecia.

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La juxtaposición de épocas diferentes, estilos diversos y contenidos contrapuestos, agudiza el sentido crítico y estimula el análisis.

Miquel

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Dirigido por Gianni Amelio ("Lamerica", 1994), el film se inspira en la novela "Nati due volte" (2000), de Giuseppe Pontiggia, basada en la historia de su hijo. Se rodó en Berlín (Alemania) y Noruega, entre mayo y julio de 2003. Fue nominada al Oscar a mejor película extranjera. Se estrenó el 10-IX-2004.

La acción tiene lugar en Berlín y Noruega, en 2003, a lo largo de una semana. Narra la historia de Gianni (Kim Rossi Stuart), de unos 35 años, casado y padre de un bebé de pocos meses, técnico de una fábrica de electrodomésticos de línea blanca. A los 19 años dejó embarazada a su novia, que murió en el parto, tras dar a luz un niño, Paolo, con parálisis cerebral, del que se desentendió sin conocerle. A petición médica, cuando Paolo (Andrea Rossi) tiene ya 15 años, Gianni accede a acompañarlo a Berlín para una revisión médica.

La película explica las muchas capacidades de las personas con discapacidad como Paolo, paralítico cerebral, con discapacidad cerebral y motriz. Anda con autonomía, pero con gran dificultad, y no acierta a distinguir entre la seguridad y el peligro, lo bueno y lo malo. Es un chico dicharachero, inocente, cariñoso y simpático. En el Hospital berlinés, Gianni conoce a Nicole (Charlotte Rampling), madre de una niña discapacitada física y mental profunda, de 20 años, a la que dedica desde que nació toda su vida. Las confidencias entre ambos demuestran a Gianni que ser padre de un hijo con discapacidad puede ser fuente de felicidad. La interacción entre padre e hijo da paso a la constatación de que Paolo es una persona encantadora. Los sentimientos de culpa, ahogados en un olvido forzado, emergen en Gianni de un modo incontrolable. La tensión dramática se apoya en los temores iniciales de Gianni ante el encuentro con el hijo, la vivencia de las pruebas médicas, alguna de las cuales le resulta insoportable de ver, el extravío del chico, el relato de Nicole, el conocimiento de Nadia (Alla Faerovich) y de otros chicos y chicas con discapacidad y la explosión de los sentimientos de culpa. Durante una semana padre e hijo aprenden no sólo a convivir, sino también a conocerse mutuamente y a descubrir su afecto.

La música hace uso de emocionantes solos de piano, violín, flauta, saxo, guitarra y de marimba y vibráfono. Hacia el final añade dos canciones conmovedoras: "Deus do fogo e di justiça" (Virginia Rodrigues) y "Quanti anni hai" (Vasco Rossi). La fotografía hace uso de primeros planos psicológicos, planos largos, luces dispersas, colores tenues y encuadres marcados por una ligera inestabilidad de la cámara. El guión centra el realto en los personajes y su mundo interior, sin sentimentalismos innecesarios. La interpretación del niño es extraordinariamente natural y fluida. Sobria y soberbia Charlotte Rampling. La dirección impone un ritmo pausado, acorde con el sentido intimista y reflexivo del relato.

La película apuesta por la normalización de las relaciones entre las personas sin discapacidad y con discapacidad.

Miquel

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Primera película de la trilogía sobre la venganza del surcoreano Park Chan-Wook. Consiguió gran éxito de público y crítica, que le movió a realizar una segunda obra ("Oldboy") y, finalmente, una tercera ("Simpathy for Lady Vengeance").

La acción tiene lugar en Seúl (Corea del Sur), en términos de presente (2000/01). Narra la historia de un joven obrero industrial, sencillo y sordomudo, Ryu (Shin Ha-Kyun), que vive con su hermana, que necesita un traspante urgente de riñón. Ryu no puede ser el donante porque su sangre no es compatible. Adquirir un riñón en el mercado negro cuesta 10 millones de wons (unos 8.000 euros). Ante esos hechos, él y su novia, Cha Young-Mi (Bae Du-Na), proyectan el secuestro de la hija de 4 años de un acaudalado industrial, Park (Song Kang-Ho). La película muestra la complejidad de la vida humana en sociedad, sometida a imprevistos, reacciones inesperadas y muchas veces violentas. La violencia engrendra violencia. Más ciertamente, la percepción de violencia tiende a generar en las personas reacciones violentas tan grandes como cree necesario para su defensa. La medida de las reacciones de autodefensa viene determinada por la subjetividad, que tiende a propiciar la exageración para no errar por defecto. De ahí que la violencia se manifieste en espirales crecientes, cuyo remedio se halla en el recurso a la objetividad de la Justicia. En caso contrario, como ocurre en la película, la espiral de venganzas es imparable. Los personajes de la obra son personas normales, integradas socialmente, trabajadoras, equilibradas, mentalmente sanas, abiertas al amor y la compasión. Una cadena de casualidades, accidentes e incidencias desafortunadas, les lleva a situaciones límite, que provocan reacciones vengativas trágicas. En la obra no hay ni héroes ni inocentes: son personas atrapadas en una espiral de venganza.

La música, escasa y atenuada, acompaña los créditos de presentación con un grato solo de piano, seguido de uno de violín. La banda sonora aporta un sonido ambiental realista amplificado. Los créditos finales se acompañan de música ligeramente fúnebre. La fotografía se recrea en imágenes idílicas, como las del río. La narración visual, bien construída, usa colores atenuados y no evita imágenes gore, de menor dureza que las de Oldboy, pero de mayor impacto. En ocasiones hace uso del fuera de campo. El guión, sencillo, contiene una narración austera y sucinta, basada en una admirable economía de la palabra. No contiene desgarros sobrenaturales. La interpretación es correcta y convincente. La dirección mantiene, sin desfallecimientos, el ritmo templado de la narración y aporta un crescendo dramático bien estructurado.

Película de gran éxito y de notable interés. Aporta pinceladas documentales sobre el país: ciudades saturadas, fuertes contrastes entre riqueza y pobreza, occidentalización de la cultura, etc.

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En los créditos finales la música se superpone a una memorable reflexión interior de Park, doblada, que cierra la película.

Miquel

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