La película es el fruto de un trabajo esforzado de Tassos Boulmetis, director y guionista, que explica una historia básicamente autobiográfica. Narra la peripecia vital del protagonista, Fanis, profesor universitario de astrofísica, de unos 40 años, que tras 33 años de ausencia regresa a Estambul para visitar a su abuelo enfermo, evocar su amistad de infancia con una chica turca de su edad y revivir el placer de estar en la ciudad más bella del mundo. En ella el protagonista rememora, en forma de flash back, las enseñanzas que recibió de su abuelo sobre geografía, astronomía y cocina y sobre la importancia de los aromas y los sabores ("los que se ven y los que no se ven"). Entre sus recuerdos afloran referencias dramáticas, que son tratadas sin rencor y sin pasión, como la deportación de griegos de Turquía en 1955, la consiguiente experiencia de exilio de su familia ("tratada como griega en Turquía y como turca en Grecia"), el golpe militar de 1967 en Grecia, la invasión turca de Chipre en 1975 y el reiterado odio entre griegos y turcos, que él no siente y no comprende. De ahí que su mayor aspiración sea dar clases en la Universidad del Bósforo, de Estambul. La fotografía se esfuerza por ofrecer imágenes de notable belleza visual, como evidencia el largo travelling inicial sobre los tejados de Estambul. La música aúna melodías griegas y turcas que embellecen la obra y le confieren una vibración especial. El guión, muy elaborado y trabajado, incorpora toques acertados de fina ironía, que trasmiten intimismo, ternura, cariño y afecto. Las albóndigas se han de cocinar con un toque oculto de canela, si se quiere animar la conversación de los comensales. De igual modo, la vida con sus avatares, dramas y fustraciones, se puede vivir con buen ánimo si se le echa un toque de canela, en este caso de amor y de rechazo de todo tipo de violencia.

Miquel

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Ganadora de 11 Oscar (película, director, fotografía, música, actor principal, etc.), fue dirigida por William Wyler. Se basa en la novela "Ben-Hur" (1880), de Lew Wallace, adaptada al cine mudo en 1925 por Fred Niblo. Se rodó en Italia (Anzio, Nettuno y Cinecittà) y en los MGM Studios (CA), con un presupuesto de 15 M dólares. Producida por Sam Zimbalist, se estrenó el 18-XI-1959.

La acción principal tiene lugar en Jerusalén y Roma, entre los años 1 y 33. Narra la historia de Judah Ben-Hur (Charlton Heston), noble judío, amigo de infancia del tribuno Messala (Stephen Boyd). Injustamente acusado por éste de atentar contra el gobernador romano de Palestina, es enviado a galeras, mientras su madre Miriam (Martha Scott) y su hermana Tirzah (Cathy O'Donnell) son recluidas en prisión.

La película explica la historia de un personaje poseído por la sed de venganza, que lucha por su redención y ascenso social, sin renunciar a sus orígenes. No se toma la justicia por la mano, sino que espera la ocasión para vencer noblemente a su enemigo. Su fortaleza física y su habilidad como conductor de cuádrigas, le permiten afrontar su propósito sin prisas. Le interesan, además, otros objetivos, como la recuperación de la familia y la liberación de su pueblo de la tiranía romana. La obra enlaza la historia de Judah con la de Jesús de Nazaret, de quien recibe ayuda en un momento de extrema necesidad y con quien comparte edad. El narrador inicial del film, Baltasar de Alejandría (Finlay Currie), uno de los tres magos, recuerda la situación del pueblo judío en torno al año 1, el edicto de empadronamiento de Augusto y el nacimiento en Belén. Esther, hija del hombre de confianza de los Ben-Hur, enamorada de Judah, asiste al sermón de la Montaña y Judah, con la madre y la hermana, al via crucis y a la crucifixión. La película exalta las propuestas de amor universal y de perdón de los enemigos, que contrapone a los afanes de venganza que han inspirado la vida de Ben-Hur. Son escenas destacadas la batalla naval, la recepción multitudinaria de Quinto Arrio en Roma y la carrera de cuádrigas, la más emblemática.

La música, de Miklos Rozsa, magnífica y vibrante, contiene temas tan sugestivos como "Judah y Esther" (romántico), "El valle de los leprosos" (sombrío), "La carrera de cuádrigas" (tensión), el de "Judah y Miriam" (ternura) y otros. La fotografía hace uso de planos breves y muy breves, picados y contrapicados y de perspectivas amplias, en las que reúne hasta 50.000 extras. La obertura se superpone a la imagen de la creación del hombre, de Miguel Ángel (Capilla Sixtina). El guión centra la atención en los aspectos humanos del relato. La interpretación de Heston es brillante y la de Boyd, meritoria. Destacan las de Hugh Griffith y Finlay Currie. La dirección aporta a la obra fuerza y fluidez narrativa.

Película mítica y espectacular, que salvó a la MGM de la ruina e hizo de Heston el ídolo popular del cine épico.

Miquel

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Dirigida por Charles Vidor, se rodó en los estudios Columbia de Hollywood.

La acción principal tiene lugar en Buenos Aires en 1945/46. Narra la tomentosa relación de amor entre Johnny Farrell (Glenn Ford) y Gilda (Rita Hayworth). Después de haber sido amantes, Johnny abandona a Gilda para seguir su vida de jugador tramposo en el submundo de Buenos Aires. Un extraño, turbio, acaudalado y ambiguo personaje, Ballin Mundson (George Macready), le salva la vida y le convierte en su brazo derecho. La relación entre los dos se ve alterada cuando Ballin, después de un breve viaje, regresa casado. La película narra las relaciones tempestuosas que se establecen entre Gilda y Johnny, a raiz de su imprevisto reencuentro. Éstas se enmarcan en un Casino ilegal de juegos, la llegada a Buenos Aires de criminales de guerra nazis, la participación de Ballin en negocios tenebrosos, la sucesión de asesinatos, suicidios, muertes y desapariciones. Sobresale la belleza de Rita Hayworth, que asocia hermosura y perfidia, elegancia y maldad, en un duelo de poder a poder con su antiguo amante. Gilda encarna la figura de la mujer que no se resigna: lucha con furor, rabia y fuerza, hasta la provocación y el escándalo, contra el hombre que la ha herido y quiere someterla. La batalla de géneros se erige en clave del relato y en la base de su interés y grandeza. El striptease que inicia quitándose sensualmente los guantes y arrancándose después el collar, no es un acto de sometimiento, sino un soberbio grito de guerra.

La música aporta dos versiones de una canción original "Put Blame On Mame" y una canción de la época ("Amado mío"). Inserta fragmentos orquestales de factura vanguardista. La fotografía, de Rudolph Maté, exalta la belleza de la protagonista con primerísimos planos e iluminación que recuerdan los que William H. Daniels dedicó a G. Garbo. Es magnífico el movimiento de la cámara, que hace uso de recursos novedosos y efectistas (encuadre desde el suelo en la escena inicial) y de una sobresaliente iluminación. El guión incluye diálogos breves y rápidos, llenos de ambigüedades, sugerencias y matices. Pese a que la filmación incluyó improvisaciones y algunos añadidos finales (la canción "Amado mío"), la hilación argumental es excelente. Cuando Gilda dice que si ella fuera un rancho, lo llamarían "Tierra de Nadie", el espectador se siente estremecido; cuando entiende que la afirmación no es una definición, sino una provocación, se le hiela el alma. La relación homosexual entre Ballin y Johnny se sugiere con extrema sutileza. La interpretación de los protagonistas y de los secundarios George Macready ("Senderos de gloria") y Steven Garay billan a gran altura. El vestuario de RH es excelente: el vestido de noche con guantes está inspirado en el retrato "Madame X", de John Singer Sargent. La dirección hace alarde de virtuosismo, habilidad y versatilidad.

Una de las obras míticas del cine más renombradas. Contiene imágenes arquetípicas. Imprescindible.

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Pese a la destacada capacidad de entender las personas y las situaciones colectivas (como glosa el film), Johnny no alcanza a entender a Gilda. Ante su incomprensión manifiesta, el comisario Maurice Obregon (Joseph Calleia), se ve obligado a llamarle la atención.

Miquel

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Película escrita y dirigida por Bob Clark. Cuenta la historia de seis jóvenes compañeros de colegio en la edad en que descubren el sexo. Deciden visitar al bar Porky's en el que trabajan muchachas que hacen striptease y bailan ligeras de ropa. El dueño del bar les echa y se burla de ellos, por lo que deciden vengarse. Los lances en el colegio y los deseos de venganza les llevan a realizar toda suerte de travesuras, gamberradas y bromas pesadas en el contexto de una comedia disparatada, hilarante y al mismo tiempo defensora de los jóvenes, a los que trata con amabilidad, ternura y determinación. No faltan las peleas a puñetazos, el rechazo de los prejuicios raciales, la ridiculización de la violencia, la crítica a las formas autoritarias de algunos padres y profesores y la defensa de la manera jovial, despreocupada y libre de antiguos prejuicios de los jóvenes de los años 50, que rompieron con muchos estereotipos del período anterior a la II Guerra Mundial. La película de Bob Clark dio lugar a dos secuelas y creó una nueva forma de hacer comedia que tuvo y continúa teniendo sus adeptos. Por ello ésta es una película que merece ser vista por todo cinéfilo amante de la historia del cine.

Miquel

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Superproducción bélica de Steven Spielberg (Cincinatti, Ohio, 1947), considerada por algunos como la tercera entrega de su trilogía sobre el horror, iniciada con “La lista de Schindler” (1993), dedicada al Holocausto, y continuada con “Amistad” (1998), dedicada a la esclavitud. El guión, de Robert Rodat (“Volando libre”, Ballard, 1996), se inspira libremente por lo que al punto de partida argumental se refiere en un hecho real ocurrido durante la Guerra Civil Americana (1861-65) a los 4 hijos de Agnes Allison Nilan, de Port Carbon (Pensilvania). El film se rueda en escenarios naturales de Inglaterra (Oxfordshire, Londres, Hertfordshire...), Francia (Calvados) e Irlanda (Wexford) y en el plató al aire libre montado en la antigua factoría aerospacial británica (Hartfield), con un presupuesto de 90 M USD. Nominado a 11 Oscar, gana 5 (director, fotografía, efectos sonoros , montaje y sonido). Producido por S. Spielberg y Ian Bryce para Amblin, Dreamworks, Mutual Films y Paramount, se estrena el 24-VII-1998 (EEUU y Canadá).

La acción dramática tiene lugar en una playa de Normandía (Francia), con nombre clave de Omaha, y alrededores, camino de Neuville y luego de Vierville, en la población imaginaria de Ramelle, bañada por el río Merderet, y en el cementerio americano de Colleville-sur-mer (Normandía). Cronológicamente se extiende entre el 6 y el 13 de junio de 1944, ambos inclusive. La división Charlie, del segundo batallón ranger, de la 29 división de infantería de EEUU, desembarca en Omaha el 6-VI-44, comandada por el capitán John H. Mills (Hanks). Tras una encarnizada lucha toman un nido de ametralladoras alemán y se disponen a adentrarse en Francia. Mills recibe del alto mando la orden de reunir entre los supervivientes una patrulla para localizar a James Francis Ryan (Damon), soldado de la compañía Baker, del 56 regimiento de infantería paracaidista, lanzado en un lugar indeterminado de Normandía.

Forman la patrulla el sargento Mike Horvath (Sizemore), el médico Irwin Wade (Ribisi) y los soldados Richard Reiben (Burns), Adrian Caparzo (Diesel), Daniel Jackson (Pepper) y Stanley Mellisch (Goldberg), más el cabo Timothy Upham (Davies). El capitán es reservado y razonable, Reiben es abiertamente crítico, Horwath es leal y a veces poco razonable, Upham, que domina el francés y el alemán, no se integra en el grupo, Jackson es devoto y buen tirador, Mellish es ingenuo, Caparzo es fuerte y testarudo.

El film suma drama, acción y guerra (IIGM). Se trata de un film de potente y portentoso realismo, que traslada el espectador al escenario de la guerra y lo somete a una experiencia inédita en su momento y espeluznante. Le hace participar del ruido ensordecedor de la batalla, suma del tableteo de las armas automáticas, los disparos de la artillería, el estrépito de los carros blindados, explosiones y gritos.

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Muestra un paisaje dantesco de amputaciones, heridas sangrantes, agonías, muerte y desolación. Explica la angustia de los soldados, el miedo que los atenaza y el horror que sienten. La guerra deja de ser una tragedia para devenir una vivencia infernal profundamente dolorosa. La brutalidad, el absurdo y la ignominia de la guerra se ven de manera diferente, después de haber vivido la escena inicial del relato, de 22 o 27 minutos demoledores. En ella se inspira Eastwood ("Banderas de nuestros padres").

El realismo visual, el estrépito de la guerra, el ritmo de la acción y el montaje, crean una impresión estremecedora. La batalla se presenta despersonalizada, anónima y ciega. Los soldados de ambos bandos no ven el rostro del oponente ni sus reacciones. Luchan contra seres innominados, desconocidos, monstruosos y feroces. El soldado se enfrenta a la muerte en la soledad de sí mismo, desasistido y desprovisto de facultades, habilidades y conocimientos. La suerte del soldado no depende de él, sino del azar, caprichoso e implacable.

La película no se refiere a una guerra concreta, sino a todas las guerras. A este monstruo hobbesiano que degrada, destruye y convierte a las personas en lobos que se matan entre sí. El film condena la guerra. Elogia los valores militares: valentía, arrojo, disciplina, entrega, heroísmo, ausencia de crítica, jerarquía de mando, etc. Habla de los valores cívicos tradicionales: respeto, espíritu de sacrificio y superación, obediencia, sometimiento, esfuerzo, lealtad, etc. Exalta los valores contemporáneos: libertad, democracia, solidaridad, sinceridad, pluralismo, tolerancia, etc.

No son lo mismo antibelicismo y pacifismo. Justifica la implicación de los aliados en la IIGM. Su intervención responde a la necesidad cierta de defender la libertad. Se equivoca cuando identifica la lucha por la libertad con un solo país. No es justo cuando convierte la IIGM en una gesta exclusivamente americana. Oculta la verdad cuando elimina del campo de batalla a las fuerzas aliadas: las tropas americanas fueron transportadas a la playa de Omaha el 6-VI-1944 por la marina británica. La victoria aliada en la IIGM fue fruto de un esfuerzo combinado y conjunto, al que los EEUU se unieron (7-XII-1941) dos años y tres meses después del comienzo (1-IX-1939). El mayor esfuerzo de la IIGM en vidas humanas no fue de EEUU. La participación de EEUU en la guerra fue decisiva para la victoria aliada.

La banda sonora, de John Williams (“Sleepers”, Levinson, 1996), ofrece una partitura épica con pasajes de gran dramatismo y secuencias de lucha y tensión. Añade dos canciones de Edith Piaff en la espera de Ramelle. La fotografía, de Janusz Kaminski (“Amistad”, 1997), en colores degradados (technicolor) y panavisión, está rodada y montada con brillantez. Domina el suspense, los sentimientos humanos, el ritmo (variable en la cinta) y la tensión dramática. Numerosas secuencias están filmadas en estilo documentalista (cámara en mano).

Miquel

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