El amanecer de los muertos podría definirse viendo sus dos créditos, los del comienzo y los del final. Al comienzo suena el gran Johnny Cash, un buen ritmo, buen desarrollo, y un guión más que decente, a pesar de algunos diálogos muy flojitos, y al final, suena el clásico grupo ultra malote de Nu Metal que pretende atronar los oídos a base de elementos facilones como grititos de tipo malo y instrumentos pesados.

La primera hora de la película entretiene bastante, porque el director ha sabido darle ese toque Romero a la cinta que tan buena hacía las añejas películas de zombis. Presenta a los personajes, las situaciones de cada uno, y cómo los personajes se ayudan en momentos de necesidad, aunque siempre está el típico egocéntrico. Pero si algo destaca esta película es por el retrato de los instintos más básicos de los seres humanos. Aunque nos ayudemos unos a otros, siempre vamos a querer ser nosotros los primeros. Ese toque de mala leche es una de sus mejores virtudes, ya que algunos de los personajes se comportan como lo haríamos. Otro de sus puntos a favor es el humor que desarrolla la cinta. Hay varios golpes de humor negro y macabro que le arrancan al espectador alguna risa, sobre todo con Andy, el dueño de la armería.

Hay que valorar notablemente la dirección. Se nota que Romero está en el meollo, pero ciertamente Snyder le dota a la cinta de vida propia durante la parte en que el guión le ayuda. Una vez que la película sobrepasa la hora y pico de metraje, se convierte en una película algo inverosímil ( suena extaño siendo una película de zombies ), con mucha acción y sangre, y que deja de lado a los personajes. Aunque una cosa que me decepciona es que, al tener dinero, pierde ese encanto que tenían películas como La noche.. y El día de los muertos, que tenían esa aureola de película hecha con cuatro duros, y que daba mucha más sensación de apocalipsis y fin del mundo. Aquí todo parece tan aséptico, que por mucha sangre y vísceras que haya, no consiguen que me crea que es el fin del mundo. Los primeros minutos, con las imágenes de televisión si consiguen darme esa sensación, pero conforme pasa la película, la asocio más a Náufrago con zombies que a una película de zombies propiamente dicha. Pero no hay que olvidar que consigue lo que se propone, entretenimiento de primera a raudales, y además con una buena dosis de calidad.

Tony Montana

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Esta película tiene todos los topicos del cine de terror yanki: una protagonista con pasado trágico, un lugar sombrio y deprimente en el que pasan cosas extrañas pero nadie se da cuenta, y un fantasma cuya explicación posterior suele ser lo más surrealista posible. A todo esto, se le añade una protagonista tan sosa como Ally Mcbeal, unos secundarios muy buenos pero desaprovechados, como Elena Anaya y Richard Roxburgh, y tenemos una película de terror americana, rodada con muchos medios, pero con director español.

Posiblemente, lo que más destaca de esta película es la dirección de Jaume Balagueró, quién sabe llevar muy bien la trama, y crear situaciones, no angustiosas, pero si bien hechas, y mantener el ritmo con decencia con la escasez de historia que tiene. Pero el problema radica en un guión muy flojo lleno de tópicos, y en el que los personajes secundarios no están presentados como debería. Del personaje de Elena Anaya, sabemos que es español, y del de Richard Roxburgh, que es médico, pero no nos da nada más. Las interpretaciones son flojitas por parte de la protagonista, que no logra transmitir sentimiento, e insufucientes en el caso de los secundarios, no por culpa suya, si no por que tanto los personajes de Anaya como Roxburgh tienen menos profundidad dramática que cualquiera de la serie American Pie, pero a pesar de ello, demuestran que son dos actores de nivel. Porbablemente, con la popia Elena Anaya o con cualquier otra actriz de protagonista, la película hubira ganado en profundidad. Las situaciones creadas para provocar miedo son las clasicas de cualquier película de terror, y en cuanto un personaje se queda solo, dices: no seas tonto, que si vas te dan por todos lados. Es previsible hasta el hartazgo.

La ambientación esta muy bien conseguida. Pero es la típica: todo es oscuro, siempre llueve, y está el hospital casi en ruinas. ¿ No hay nadie aparte de Polanski, Tourneur y Kubrick que sean capaces de hacer terror sin necesidad de efectismos ?. ¿ No hay situaciones de terror más allá de un sotano oscuro, un ascensor estropeado o un sitio donde todo tiemble y las luces se fundan ? Al menos cabe decir que Balagueró, como un director con talento para este género, no abusa de las escenas sangrientas en ningún momento y no recurre al clásico elemento del romance facilón y lacrimogeno entre los protagonistas de este tipo de películas. Otro aspecto a resaltar sin duda alguna es una banda sonora de Roque Baños, que vuelve a demostrar que es el gran compositor español junto con Alberto Iglesias, y que su talento no se atrofia cuando le mandan partituras para películas comerciales. Hay que achacarle quizás que en algunos momentos quiere ser muy bartokiana, parecida a El resplandor, con esos chirridos en las escenas finales, pero aún así, la banda sonora está a un altísimo nivel.

Si el género del terror no se renueva, el efecto fotocopia va a seguir haciendo estragos en el cine moderno.

Tony Montana

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Al inicio de la saga, Columbus lograba moverse con comodidad y con aparente interés en este género tan complicado, en el que constantemente se trata al público al que va dirigido como pequeños becerros a los que hay que indicarle cada pequeño paso para que sus tranquilas cabecitas no se pierdan. Era entretenida, aunque poco más se le podía pedir, más allá de unos sentimientos de diseño, buenas intenciones y moralina, personajes acartonados y puesta en escena algo almidonada y una estructura supeditada a algo que Hitchcock odiaba: la sorpresa final injustificada. Es uno de los grandes lastres, el punto final sobre el que se asienta el guión, siempre el mismo, jugando a indicar al espectador quién es el malo para, ¡sorpresa!, al final ser otro y dejar a más de uno con un pasmo de narices. El funcional trabajo se repitió en la segunda entrega, para mi subvalorada no sé por qué, pero la que, para mi gusto, tiene más interés en su tratamiento y un final más interesante y menos previsible que el de la primera entrega, y un ennegrecimiento de la trama que le venía bastante bien al alelado y repelente Harry, además de la divertida aparición del siempre bien recibido Kenneth Brannagh. La tercera parte viene a confirmar que las debilidades de la saga potteriana vienen por los libretos más que por el trabajo de los directores y los actores, puesto que se repiten los mismos tics de todas las entregas anteriores, desde un comienzo calcado con su familia adoptiva, que de tan pretendidamente malvados que son tan kitsch que hasta se agradece su presencia, personajes importantísimos de los que realmente no sabemos nada, y un giro final de guión precedido por un epílogo explicativo que echa por lastre todo lo montado anteriormente.

Pero para compensar ese miedo spielbergiano a que el espectador se vaya insatisfecho a casa por no haber entendido la trama y tener que explicárselo todo, se pone la historia en manos de alguien con el suficiente conocimiento de la técnica y de los sentimientos como Cuarón, y aquí es donde El prisionero de Azkaban barre a sus precedesoras: La dirección. El poderío visual que el mexicano es capaz de alcanzar eleva el apartado de realización de la saga a cotas no vistas hasta ahora, y la cámara se mueve con una soltura y un barroquismo impropios de una cinta comercial y pretendidamente infantil como ésta. El director de Y tu mamá también hace creíble y tangible ese mundo inalcanzable en las dos primeras entregas, y por primera vez consigue que sus personajes respiren de verdad y actúen según sus consecuencias, y aleje un poquito más del tono detectivesco-sabelotodo que tenían, derivando hacia caminos más sutiles y evocadores como el thriller psicológico. Llena los paisajes de un ambiente malsano, propio del cine de terror de la Universal, con niebla por doquier y espacios claustrofóbicos, aunque estos sean abiertos como un bosque o el patio del instituto. A modo de versión teen y edulcorada de Seven, casi siempre llueve o está nublado.

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Mientras se agradece este oscurecimiento estético y moral, queda la sensación de haber nadado con todas las fuerzas para morir en la orilla. Es cierto que el giro final no incluya a Voldemort, pero sí recae sobre el personaje con el mismo cargo que anteriormente vimos, lo que hace pensar que ese rol, de aquí a que acabe la saga, o va a ser el malo o va a tener un papel muy importante en la trama y todos los personajes van a señalarle para que el espectador no se pierda. Personajes como el de Emma Thompson parece que pasaban por allí y, cuando el guión necesita una salida, se echa mano de ella y poco más, lo mismo que el siempre socorrido Severus Snape. Pero aquí lo interesante es la exploración del salto a la adolescencia que afrontan los protagonistas, y el hundimiento existencial del joven Harry al descubrir que su vida es más miserable de lo que pensaba. Alguien famoso, cuya leyenda se acrecenta cada día, pero que es incapaz de tener un recuerdo bueno para ser capaz de luchar y vencer sus miedos. Kloves no aprovecha todo lo que debería este interesantísimo punto, ignorando el monólogo interior que debería tener el personaje al reconocerse a si mismo como un inadaptado y alguien solitario, sentimiento por otra parte propio de la edad. Se comienza a intuir el abismo frente al que está Potter al comprobar que su destino se va haciendo cada vez más presente y del que es imposible escapar. Sirius Black pretende ser una especie de Walter Kurtz mágico, pero si en el clásico de Coppola sabíamos todo del personaje de Brando, del prisionero no conocemos absolutamente nada, por lo que cuando se nos presenta no entendemos muy bien por qué ese misticismo en torno a él. Pero el gran fallo de la película se centra en los últimos 20 minutos. Por una vez que el giro final le había quedado muy bien a Kloves y no se le notaban las costuras a la aparición estelar y la sorpresa estaba realmente bien planteada, tiene que ceñirse al fragmento clarificador final y volver a narrar lo mismo cuando realmente no hacía falta (simplemente, podrían haber ido a rescatar al personaje de Oldman sin tener que contarnos todo eso), buscando ser una especie de tour de force narrativo pero que lo que consigue es provocar desidia por su redundancia estructural, cuando, quizás, la mejor opción habría sido jugar la baza del misterio y dejar la brillante escena del lago con los dementores, a modo de exorcismo de los temores del joven mago, en manos del espectador. Particularmente me joden mucho las tonterías de Rowling, sacarse de la manga un as para resolver la situación. Vale que estemos ante una historia mágica, pero no todo vale, porque entonces convertiríamos cualquier historia en un despropósito estilo Perdidos.

Tony Montana

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Cuando me pongo ante una película de Judd Appatow soy bastante exigente, me ha demostrado saber qué quiere contar siempre, y hacerlo de una manera sencillamente inmejorable. Para los puristas quizás sea tosco, grosero, políticamente incorrecto, y hasta caiga en el abuso de chistes fáciles, pero no menos cierto es que sabe coger todo ello y aún así crear películas donde nos logremos identificar con aquello que se nos propone. Y es que en su factoría, los personajes tienen una razón de ser, y todo ello para desmontar los clichés del género abusando de ellos. Pero no es una parodia, no consiste en homenajear al género que se toque, todo lo contrario, a partir de tópicos deconstruye dicha historia y la vuelve a armar de un modo completamente diferente. Es, en cierto modo, una negación de lo visto anteriormente en ese género. Paso de ti va en la misma línea que Lío embarazoso, y francamente logra golpear de lleno con su planteamiento casi existencial del desamor de la manera más gamberra que uno pueda esperarse, con un tratamiento de temas adultos con un fondo comprensible para todos los públicos, lo que siempre quiso conseguir y jamás logró Kevin Smith. Personajes reales con situaciones absolutamente reales que todos nos hemos planteado más de una vez o que a todos, sin excepción, nos han sucedido. Appatow hace un cine extraído directamente de la vida, lo que lo convierte en una especie de versión vitriólica del neorrealismo.

El buen trabajo de Stoller tras las cámaras es un complemento más al pulido guión escrito por el propio Jason Segel, protagonista de la cinta. Desde el primer momento se nos presenta al antihéroe appatoniano con una gran economía de lenguaje, conciso y directo, y tenemos claro que nos encontramos ante el personaje prototípico de esta saga: un inmaduro. Así es. Un personaje que se ha pasado tanto tiempo sosteniéndole el bolso a su novia que se ha olvidado de vivir. Clásico perdedor peterpanesco con miedo a salir al mundo exterior y asumir el dolor, incapaz de hacer algo sin su novia e incapaz de olvidarla una vez que se entera que esta le pone los cuernos. Incluso cuando tiene miedo de tener una enfermedad de carácter sexual acude al pediatra, quizás consciente de su infantilismo y su apego a la niñez. Como el Carrel de Virgen a los 40, el personaje de Segel es un romántico incurable, es un personaje atormentado que busca encontrar una pareja, ni más ni menos. Como muestra de ello, los antológicos momentos en los que mantiene relaciones con varias mujeres y son presentadas como verdaderos esperpentos con desviaciones sexuales algo estúpidas. Aquí, a diferencia de las comedias románticas tradicionales con Julia Roberts o la también insoportable Reese Witherspoon, es el hombre quien llora y las mujeres quienes le buscan las cosquillas.

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Como dijo John Ford, nunca ruedes una escena triste hasta convertirla en sensiblera, dale el punto exacto de ternura con un punto cómico. Appatow y sus chicos lo pillan a la perfección, y por ello nos presenta una desmadrada galería de personajes secundarios a cada cual más reconocible y bufonesco. Desde la estrella de rock con conciencia social y y dudas existencialistas hasta la pareja de religiosos que le tienen miedo al sexo pero que terminan pasándolo en grande, pasando por el gurú fumeta que realmente no sabe ni de lo que habla o la chica sensible que quiere liberar de su opresión al protagonista. A través de esa creación de clichés, el objetivo está claro, y Segel y Stoller parecen querer despertar a los americanos de su maravilloso mundo previsible, ese donde todo está tan fotocopiado que la gente termina asumiéndolo como lo normal. Mención especial merece Russel Brand, quien se ríe de si mismo interpretando aquí al altivo y espiritualista rockero Aldous Snow, que ve el sexo como el centro de una relación para darse cuenta de que, al final, es lo único que termina teniendo con las mujeres, polvo tras polvo sin importar los sentimientos. Sin embargo, el gran trabajo del cómico inglés acaba haciendo que nos encariñeños de una forma asombrosa con este repulsivo personaje. Como siempre digo, es como Burton, pues trata a personajes tan absurdos y ridículos de una manera tan cariñosa que tienes que quererlos.

La búsqueda de la madurez y ese proceso de aprendizaje colectivo es aquello que marca la diferencia con todas las películas de este corte. Adulta y tan profunda como su absurdo y su incorrección política le permiten ser, Paso de ti es una de las películas que mejor maneja los sentimientos y que pocas veces cae en lo vulgar, retratando de una manera absolutamente certera lo absurdo que es el amor. Quien ha estado enamorado sabrá reconocerse perfectamente en algunas situaciones. Las miradas entre Segel y Mila Kunis, los gestos... todo ello que solemos hacer cuando estamos con la persona que queremos. Stoller logra filmar lo intangible, el amor, absolutamente cursi, pero no un cursi pasteloso como George Lucas suele hacer, si no un cursi profundamente emotivo porque es tan real como la vida misma. Cierto que hay mensajes y metáforas un tanto obvias, alguna escena que no aporta nada y el final sea excesivamente tontito y pegue poco con lo anterior de la cinta (me refiero a cómo se produce, no a qué se produce), pero nada de ello importa cuando te acaban de hablar de amor de una forma sincera y veraz y, honestamente después de verle el pajarito a Jason Segel o muchas escenas idílicas en Hawai, te lo crees a pies juntillas. Y, lo mejor de todo, no paras de reírte, pues resulta difícil ver hoy en día una comedia donde cada gag funcione como se suele decir como un mecanismo de relojería, y cada uno encaja con su respectiva escena como un guante, porque la vida, como Drácula, es una gran comedia, sólo necesitamos a alguien que nos lo haga ver.

Tony Montana

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Constantine es una de esas películas que, basada en un material aparentemente interesante, y con un gran fondo, tratando temas a veces demasiado grandilocuentes para su propia existencia, pero que no dejan de ser interesantes, para al final cargarse toda la historia con un desarrollo totalmente previsible y plano, con una nula capacidad de sorpresa y reconociendo al momento todos los cánceres del cine comercial americano, que termina tirando a la basura un planteamiento que podría dar muchísmo más juego.

Siendo un refrito estético y argumental de varias cintas de gran éxito de los últimos años, como Matrix, Hellboy o Blade, que casualmente comparten mismas virtudes y mismos defectos, el protagonista no deja de ser una especia de sosías macarra del padre Karras (alias Juande Ramos). Es tan tópico que uno casi puede tomarse la aureola de tipo duro y solitario a broma, sabiendo que es algo que ha visto en otras tantas películas que tratan temas similares. Fuma, bebe, vive sólo, suelta frases lapidarias, y tiene un trato tosco y agrio con los demás, y más de uno podría pensar: Harry el sucio se ha hecho cazafantasmas. Pero casualmente, siempre hay alguien que al fina aparece y le acaba importando, y es que en el cine americano, ese personaje cínico y solitario al final siempre encuentra una razón para vivir y que le saque de su soledad, aunque Rachel Weisz bien lo vale. Con algunos detalles interesantes, la película entretiene enormemente, con dosis de acción muy bien llevadas, no siendo nada abusivas, e intercalándolas bien con el desarrollo, previsible pero interesante por momentos, de la historia. Una dirección simplemente correcta, que, a veces, abusa de los planos depalmianos, muy pretendidamente barrocos, y recurre a toques efectistas. Lo que más me ha gustado es el trato que tiene la ambigüedad, como se puede estar en dos bandos sin que el otro se entere, y ese juego, nada sutil, por otra parte, de meter a dios y al demonio y su particular partidita de ajedrez en todo ello, dándole a la película un toque más serio, aunque al final se echa a perder, como ya he dicho. Y algo que se echa de menos es un humor menos obvio, pretendiendo ser humor negro y quedándose en comedia adolescente.

La película me ha decepcionado en el diseño de producción. Realmente vacío y tan calcado a otras películas que piensas si realmente se han molestado en crear personajes creíbles o directamente se han apropiado de los vocetos de otras producciones del mismo corte. Unos malos que ya hemos visto en 2000 películas distintas, con una ambientación calcada de esta clase de pelis, y algún plano que parece sacado de un Resident Evil o un Silent Hill. La dirección de actores me ha parecido bastante flojita sin más, con unas apariciones-pseudocameos sobreactuadísimos, o el caso de Keanu Reeves, que la cosa va de que no tiene talento, le dirija quien le dirija. Lo mejor: Rachel Weisz.

Tony Montana

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