Extraña película sobre un policía que investiga unos crímenes sexuales. La cinta, más allá de ofrecernos un suspense convencional, muestra a un personaje torturado y desgastado por su matrimonio, los años en el cuerpo de policía y unos deslavazados pensamientos que irán tomando forma hasta plantear un final inesperado (pero no en cuanto a la trama, sino en cuanto a la propia psicología del personaje y su complejo de culpabilidad).

Parcialmente desaprovechada (da la sensación de que daba para algo francamente antológico), pero muy interesante en todo caso. Una de esas rarezas de los 70, una película que habla de un personaje inestable y reprimido con un caso policial que sirve como auténtico desencadenante de demonios interiores. El personaje tiene un gran sentido de la responsabilidad, es un hombre comprometido con su trabajo, con la defensa del indefenso... pero es humano, tiene fallos, debilidades. Algunas imperdonables que descubrirá gracias, paradójicamente, al malo de la película. No se trata de un caso policial ingenioso y entretenido con una construcción de personajes que le sirva de basamento. Aquí lo fundamental es la inestabilidad del protagonista, no pillar al asesino/violador de turno.

Lumet vuelve a demostrar su fantástico dominio técnico (un poco arrogante a veces, al estilo Orson Welles) con una realización enfática y crispada (muy de aquella época, todo hay que decirlo, e incluso algo Peckinpahniana) que encaja particularmente bien con la trama, con la agresiva y desquiciada interpretación de Connery, con la crispación contenida de la película...

Y un Trevor Howard magnífico por supuesto, aunque casi no haga falta decirlo.

Bloomsday

(ver vista para enlazar)

Nunca la ambientación del drama de unos personajes en un contexto histórico determinado debe parecer un relleno, un mero recurso para dotar de exotismo la historia que nos están contando. El lugar, el contexto social, político... debe encajar con la historia, debe dotarla de fuerza, sublimarla, empujarla... Eso en esta cinta no sucede. Los conatos de linchamiento, los insultos a los "cerdos imperialistas"... Un aditamento que incluso, en ocasiones, parece casi molestar al director por la desidia con que está rodado. Una adecuada descripción de esos elementos no es fin de la película, es cierto, pero sí es uno de los instrumentos para que el espectador se sienta realmente subyugado por la historia, por los personajes y por todo lo que les rodea.

Luego está la historia de amor en sí. Y aquí enlazamos con el trabajo de estructuración que, ya desde el guión y desconozco si provocado por la propia novela que no he leído, nos introducen en la introducción, valga la redundancia, de la película, presentación de los personajes e incidente desencadenante (matrimonio, traslado a Shanghai y posterior infidelidad). Es de agradecer, sin duda, el esfuerzo por presentar todas esas cuestiones desde la concisión y desde una estructura no estrictamente lineal con leves saltos, pero hay problemas:

En cuanto a la concisión, no todo el mundo es Raoul Walsh, y esa concisión se transforma en frialdad, sin más (la concisión nunca debe provocar la sensación de que se asiste a la presentación de episodios aislados). Y sobre la estructura empleada, con sucesivos y leves saltos temporales que nos presentan situaciones, digamos, a medias, provoca, más que fascinación por parte del espectador, la impresión de que la película se la están planteando "a modo resumen".

Luego se trasladan a Shanghai, aparece la cornamenta del amigo Norton, y la película ya sigue un hilo narrativo convencional. Pero ahí surge otro inconveniente: la falta de ritmo. Esa deficiencia en el ritmo se traduce en distanciamiento con los personajes, ralentización de situaciones que no consiguen implicar al espectador, inadecuada descripción de los diferentes estados de ánimo de los protagonistas y, en consecuencia, falta de emoción ligada al relato. La emoción surge sólo de momentos aislados, de la música y la fotografía... Pero eso no es del todo satisfactorio en un drama romántico de corte clásico como el que nos ocupa, en el que la narración debe ser fundamental. Es decir, para contar una historia desde la medida y la pausa, hay que dominar el ritmo interno del relato para que éste no se convierta en una sucesión de secuencias mal cohesionadas y desapasionadas. Para que la progresión de la historia no se convierta en algo rígido, mecánico, geométrico.

...

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

...

El tramo final es un ejemplo de lo que estoy diciendo. Fantástica idea la de no cargar las tintas lacrimógenas... Pero la frontera entre la sutileza para no caer en la sensiblería barata y la frialdad es muy fina. Por eso siempre digo que el estilo directo y sencillo del mejor cine clásico es simple en apariencia. Pero sólo en apariencia. Sobre todo porque tampoco hay un manual para lograr que ese academicismo trascienda, se convierta en emotividad y no en simplicidad y separación con el espectador.

Gran fotografía, gran banda sonora (acertadísima la elección de Erik Satie, al que descubrí gracias a Woody Allen), grandes interpretaciones y un par de detalles visuales casi colosales (el final es bellísimo)... Pero todo sin cohesionar. Todo muy currado, es cierto, pero sin el alma necesaria.

Interesante en todo caso.

He obviado comentarios sobre fotografía, interpretaciones... y asuntos varios como el colonialismo ya que las críticas que me preceden (HAPPY FAN BOY, Isa, Vargtimmen, La Maga, rizzo, Maldito Bastardo, Chago77...) , me permiten centrarme más en los errores que advierto en el desarrollo del relato y no tener que repetir lo mismo que ya se ha dicho pero con otras palabras.

Con tantas críticas que empieza a haber en filmaffinity creo que no es mala idea lo del trabajo en equipo.

Saludos y gracias al que haya llegado hasta aquí.

Bloomsday

(ver vista para enlazar)

Las partes supuestamente dirigidas por Welles (fácilmente reconocibles), otorgan a esta cinta algo de empaque y prestancia.

Esos planos cumplen con el cometido de generar opresión y claustrofobia, metiéndonos por el ojo la sensación kafkiana de sombras y pequeños espacios que la película requería en su totalidad.

Pero pare usted de contar, los méritos acaban en esos planos y, quizás, en un cierto sentido del humor que aparece a ratos. El resto de la película es un ejemplo de horrorosa gestión del McGuffin (que ya asoma por aquí), de carnicería de mesa de operaciones (que no de montaje), de narrativa irregular, sin un trayecto claro, y de absurdos tijeretazos disfrazados de elipsis. Por no hablar de ese Welles (actor) apareciendo inopinadamente por las cornisas al final del metraje (y lo jodío es que el plano no deja de tener fuerza).

Son los momentos, son los planos, los que le dan el aprobado. Es ese final bajo la lluvia que, como debe ser, te cala hasta los huesos.

Bloomsday

(ver vista para enlazar)

Con la pata metálica de un somier golpean el suelo hasta quebrarlo. Becker no nos escatima ni un golpe, ni uno solo de los sonidos descoordinados, ni uno solo de los escombros que brotan del pavimento queda sin salpicarnos el rostro. Vemos los dedos agarrotados, zarpas moldeadas según la empuñadura del martillo improvisado. Los turnos, el sudor, el polvo. Y después sigue por ahí, por esa senda abierta a golpe de perfecto montaje, plano detalle y narración plena, definitiva y pura.

Cuando el director nos entrega el espectáculo completo de ese primer agujero, cuando nos ofrece la tensión del silencio en forma de golpes y jadeos... Entonces tus ojos, como platos, tratan de aprehender algo de aquello que se proyecta, algo de la compleja y rígida simplicidad de los hechos, los actos y las palabras. De lo neutro. Una película minúscula, pero elevada hasta la cima del máximo aprovechamiento y ajustado control de los propios inconvenientes y limitaciones. También, huelga decirlo, de las propias e infinitas virtudes en forma de miradas, manos, rostros y trabajo.

Y te das cuenta de que nada significa el instante justo, el ademán preciso, el movimiento exacto, el giro breve y conciso. Que nada explican esas palabras aunque las unas, las yuxtapongas o las amases con cemento. Que no son más que preámbulos absurdos, danzas refinadas sin valor explicativo, desvíos que no esquivan lo inexorable.

Que no son sino formas inútiles de expresar aquello que se entiende con sólo pronunciar un nombre.

Bloomsday

(ver vista para enlazar)

Interesante musical, con multitud de números antológicos, que destaca curiosamente no tanto por las coreografías (que se presuponen) sino por, y creo que es lo que le da el marchamo de película notable, la preocupación por organizar una sutil puesta en escena que sea motor de la película sin reducir el espectáculo únicamente a diálogos cosidos con bailes.

Y en eso hace hincapié el director aunque la parte musical pueda parecer separada del desarrollo dramático. Separación aparente, ya digo, puesto que en el fondo la vinculación es más que obvia (con el MC alertándonos, como un oráculo, sobre las miserias e impulsos de la condición humana y las alarmas históricas que deben afrontar los personajes).

La escena de "Tomorrow belongs to me" es el ejemplo fundamental de narrativa a través de una puesta en escena, y es tan digna de estudio, revisión y admiración como la cerilla de Lawrence de Arabia, el espejo roto de El Apartamento o la introducción de Centauros del desierto. Pero la película no se queda en ese detalle, sino que toda ella está plagada de momentos de esas características (Por ej: definición de las intenciones y la relación del trío protagonista a través de la escena del baile; el final con la esvástica nazi perfectamente perfilada entre un amasijo de rostros deshumanizados, uniformes alienantes y piernas pateadoras de culos...).

La película no habla, no explica, por tanto, sino que se arranca a través de la puesta en escena. En ese sentido es interesante reivindicar a Bob Fosse no sólo como coreógrafo, sino también por su particular mezcolanza de narrativa visual de raíces, incluso, de cine clásico (abundancia de primeros planos realzando las interpretaciones, planificación a partir del espacio y de la ubicación de los personajes...), con una temática, audacia y recursos visuales (montaje histérico y cámara al hombro en breves pero determinantes ocasiones) que le dan una aureola de modernidad aún vigente y le acercan a un cierto cine independiente que entonces, y con Cassavetes a la cabeza, iba tomando cuerpo.

Cassavetes y Fosse. Ya saben; las SS.

Bloomsday

(ver vista para enlazar)