Críticas de: Bloomsday

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De nuevo Hulot enfrentándose a un ambiente que no le pertenece. El desgarbado personaje nos sirve de guía en una crítica ácida a la sociedad moderna, Tati la ridiculiza y la compara con la calidez y la existencia mucho más “auténtica” del humilde barrio de Hulot, con su casa, el mercado, los perros, los niños haciendo travesuras.... Una crítica obvia, descarnada, sin sutilezas.
El diálogo tiene aquí más peso que, por ejemplo, en las "vaciones de...", aunque la imagen, la mímica sigue siendo lo primordial (sobre todo al final cuando la vena slapstick sale ya sin contención alguna)
La película creo que ha envejecido peor que otras de sus cintas y a ratos se hace un poco pesada (su metraje aunque no llega a las dos horas es excesivo para una película de estas características). Pese a todo es un auténtico espectáculo que nadie debería perderse.

Ozu, con su imagen estática y plano genuflexo, consigue retratar la nostalgia. Se las arregla con ese estilo plácido y pequeñas anécdotas (nada de grandilocuentes dramas) para hablarnos con sinceridad del paso del tiempo, las diferencias generacionales, la posición de la mujer en la sociedad...

Apenas mueve la cámara (diferencia fundamental con Mizoguchi junto con el uso del primer plano, odiado por Mizoguchi y usado fenomenalmente por Ozu). Nada es gratuito en sus imágenes. Así, la primera vez que la cámara se traslada ligeramente (a los 15 mins.), vemos una lenta y corta panorámica con árboles en primer término y un templo al fondo, corta y lo siguiente son edificios modernos.

El “plano arrodillado” permitía a Ozu tener una perspectiva más amplia verticalmente. Y esto, que podría pasar por pura anécdota, lo usa el director magníficamente. Ese mayor espacio le sirve para componer el plano con infinidad de detalles. De esta forma el conflicto tradición-modernidad tan frecuente en él toma forma a partir de los objetos y de la distribución de los personajes. La puesta en escena le sirve para contar cosas y no emplear exclusivamente la palabra. Ozu compone el plano y lo estira; así las posturas, movimientos y posiciones de los personajes son información (el vestuario de las hermanas, el movimiento nervioso de una, la postura sumisa de la otra...). Mi desconocimiento de la cultura japonesa me impide disfrutar completamente de estos detalles, pero prefiero culparme a mí de ello y no a la película.

Con un montaje vertiginoso toda esa composición no tiene sentido. Ozu nos impone un “pause” y eso molestará a muchos. Además su ausencia de efectismos también es de alguna manera incompatible con el gusto actual por la velocidad y el exceso. Bien, son opciones en última instancia. Y no me atrevería a afirmar que todos a los que no les guste Ozu carecen de sensibilidad. En algunos casos sí, en otros no..., pero generalizar en cuestiones de este tipo exige un nivel de clarividencia del que carezco.

En todo caso no es de las películas de Ozu que más me ha gustado, echo en falta algo más de intensidad. Dentro, claro, del peculiar sentido que la palabra intensidad tiene en Ozu.

Tumbas y un tren al fondo. El tren pasa. Adiós.

Documental sobre la familia Panero rodado 12 años después de la muerte del “pater familias” Leopoldo.

La cinta se centra en testimonios sobre las relaciones de los miembros de la familia (antes y después de la muerte del padre) y gira fundamentalmente en torno a la figura de la madre y de los hijos más famosos (los también poetas Leopoldo María y Juan Luis). Siempre, claro está, con el recuerdo del patriarca fallecido bien presente.

Lo bueno es que nos olvidamos de la obra de los “paneros” poetas (más tradicional Leopoldo padre y más provocador el Leopoldo hijo), de la vinculación con Falange del padre e incluso del lío con Pablo Neruda (todo cuestiones simplemente apuntadas), y nos centramos en los trapos sucios, en las cobardías, miserias, excesos, extravagancias e incontinencias de los insoportables miembros de la familia. Se ponen a hablar y hacen sangre. Y yo se lo agradezco (que si borracheras, que si la cárcel, drogas, sanatorios, suicidios, una madre que vaya tela... Impagable verla aguantando impertérrita que su hijo diga que la muerte del padre fue “feliz””). Para que luego digan que el cotilleo no es interesante. Lo es, y el morbo mucho más. Siempre que los personajes sean interesantes o, al menos, tan desquiciados como éstos.

La pena es que las disensiones entre el director y Querejeta parece ser que acabaron condicionando el montaje final y me temo que reduciendo ostensiblemente la duración de lo que nos ha llegado (es una mera impresión, no puedo asegurarlo).

Y luego, además, las fugaces reflexiones de Leopoldo María nos brindan alguna perlita sobre su visión del mundo (no sólo sobre su familia):

“La sociedad, más que por intercambios mercantiles, se rige por intercambio de humillaciones”.

Amén.

Como casi todo el cine de Crowe, es más interesante por sus buenas intenciones y por lo que se espera a priori que por lo que finalmente proporciona. Utiliza un determinado contexto y con ello consigue engañarnos a ratos de la anemia que normalmente arrastra su cine, aquí la revolución grungera de principios de los 90 y en casi famosos el otro gran momento del rock (finales 60 y principios de los 70). Nadie le discute su buen gusto en lo que a lo musical se refiere; ni en lo cinematográfico, su veneración por B. Wilder le avala.

Pero a día de hoy no se me ocurre otra razón para volver a ver esta cinta que no sea Eddie Vedder, Chris Cornell y los garitos grungeros de Seattle. Esto, creo, no dice mucho de la película.

Leí el libro de Crowe y sus conversaciones con Wilder y me gustó bastante, fue entonces cuando comprendí algo que me había estado rondando: este Cameron es mucho más válido en lo teórico que a la hora de plasmar sus ideas en celuloide. Sus películas suelen tener buenos planteamientos y consistentes momentos aislados, incluso los guiones están bien construidos, con el armazón de alguien que conoce el proceso creativo y que sabe la forma de emocionar y dar golpes de efecto. Pero falla en lo más básico, el ritmo. Sus pelis carecen de ritmo y nervio. Son siempre melifluas, poco consistentes y, por ello, decepcionantes. Hablan del amor normalmente, de la superación personal, pero carecen de auténtico calado, cinismo e interés, manteniéndose siempre en una puerilidad que trata de equilibrar lo ingenioso con lo asequible comercialmente, y se queda normalmente a mitad de camino en los dos aspectos. Veremos lo que nos depara en el futuro. Yo le tengo simpatía pese a todo.

El 6 es por la banda sonora y las melenas de Matt Dillon.

Un equipo de rodaje espera una muerte para poder grabar así una ceremonia fúnebre tradicional. Macabro, dirán ustedes. Macabra la vida pues, que en el fondo viene a ser lo mismo.

Kiarostami recurre a planos generales de carreteras sinuosas, conversaciones en off, encuadres fijos y fueras de campo... Ese estilo conlleva el rechazo de una estructura visual típica, sin planos habituales de narrativa convencional. A mí me parece que la pretensión disociativa de esta construcción de imágenes, podríamos llamar opacas, responde a las necesidades de las historias que Kiarostami aborda: no vemos al equipo de rodaje; la anciana moribunda es un comentario, tampoco la vemos; la chica de la cueva oculta el rostro... Kiarostami niega a su vez, como parte de esa desconexión con el espectador, cualquier familiaridad con los personajes y fomenta cierta antipatía hacia el forastero protagonista. Igualmente, los imposibles diálogos también son así, imprimen una sensación elusiva, deslavazada y repetitiva.

El propio Kiarostami dice que su objetivo es mostrar sin mostrar, yendo más allá de lo que físicamente se representa. No pretende contar una historia ni involucrarnos emocionalmente con personajes. En ese sentido, toda la película es un descomunal tiempo muerto, que tiene en la abstracción su objeto fundamental. Ninguna situación aporta nada al desarrollo de la historia, el metraje es una constante dilación, una infructuosa demora que no lleva a ningún sitio. Alarga las tomas, se entrega a encuadres que no explican y nos escamotea planos que, desde un punto de vista académico, son estructuralmente necesarios para la construcción normal o natural de las escenas. Todo esto tiene una finalidad, claro, y yo diré, en defensa del iraní, que así es como me llega la vida de estas gentes. Un constante divagar entre carreteras de tierra y rutinas arcaicas de una aldea del Kurdistán. Creo que es una estupenda forma de trazar el abismo que suponen esos pequeños pueblos de polvo y olivos con respecto al director y, más aún, con respecto al espectador occidental. La mejor forma de representar la diferencia entre nuestro mundo y el de esos lugareños proyectados de forma fragmentaria.

La presencia de la muerte es constante, y esa latente amenaza del paso del tiempo conlleva, creo, una sutil evolución en el personaje principal. Es un hombre austero, casi soberbio, que irá asumiendo nuestro plazo caduco a medida que se ve inmerso en la paz de esas casonas donde las cosas suceden despacio, y donde se te ofrece la posibilidad de reflexionar sobre esa fugaz existencia que pasea entre las nubes o navega sobre un fémur arrastrado por la corriente. Olvidándose del móvil, los plazos y el equipo de rodaje, una nueva forma de mirar aparece. Una mirada que reconoce el valor del viento moldeando el trigo, o del silencio que llena un plano general.

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