Tercera realización de Billy Wilder. Se basa en la comedia "Hotel Imperial", de Lajos Biró. Se rodó en el desierto de Arizona y en los Paramount Studios, con un presupuesto de 1 M dólares. Obtuvo 3 nominaciones a los Oscar (montaje, dirección artística b/n y fotografia b/n). Producida por Charles Brackett (coguionista), se estrenó el 4-V-1943 (EEUU).

La acción tiene lugar en el desierto de Libia, entre junio y octubre de 1942. Narra la historia del cabo John J. Brombel (Franchot Tone), superviviente de la caída de Tobruck en manos de las tropas nazis. Brombel, empleado de la sección de reclamaciones de una campoñía de seguros de Londres, es una víctima de la guerra, trata de sobrevivir sin heroismo y suplanta la personalidad de un camarero, Paul Davos. Siente aversión por la figura del mariscal, por lo que emprende una arriesgada aventura de espionaje. Erwin Rommel (Erich von Stroheim) es un personaje aterrador y abominable, diabolicamente inteligente. La camarera Mouche (Anne Baxter, 19 años), francesa, frágil y cautelosa, suplica compasión a Rommel sin resultado y se mueve entre dos amores. El encargado del hotel es el egipcio Farid, voluble, servil y acomodaticio.

La película construye un absorbente relato de intriga, espionaje y acciones bélicas (sin combates). Sitúa la acción en un hotel del desierto, aislado y claustrofóbico. En su interior se desarrolla la vida de un conjunto de personas amorales, cínicas, crueles y enigmáticas, que satura el ambiente de cobardía, traiciones, engaños y perversidad. La intriga va en aumento con el doble robo de una pistola, la pulsación de un secreto militar nazi, el odio que suscita la personalidad de Rommel, la suplantación de identidades y los sentimientos crecientres de venganza. El espionaje alemán y el británico añaden elementos de tensión, duda e incertidumbre. El relato está salpicado de mordacidad y sarcasmo, que se ceba en la descripción de la personalidad de Rommel, en contraste con la de Mouche. La ironía suma elementos absurdos y de humor negro. El general italiano Sebastiano (Fortunio Bonanova) es objeto de ridiculización por parte del mariscal y de los guionistas. Son memorables la secuencia inicial, la escena fuera de campo (un foco de luz deslumbra al espectador para que no vea lo que ocurre en el escenario), la ronda de 20 preguntas a Rommel y otras.

La música, de M. Rozsa, ofrece composiciones de aire marcial, solemne, épico y romántico, integradas en la acción. La fotografía, de John F. Seitz ("Perdición"), crea ambientes sórdidos y siniestros, de luces tenues contrastadas con negros intensos. Hace uso de una acertada iluminación y de inquisitivos movimientos de cámara. El guión construye un ambiente perturbador, mortífero y rechazable, que anima la moral cívica y militar aliada. La interpretación de Stroheim es antológica. La dirección apunta la fuerza que desarrolla unos meses después en "Perdición" (1944).

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La película propone la teoría fantasiosa según la cual la victoria británica de El-Alamein sobre las tropas nazis fue posible gracias al robo de un mapa de campo de Rommel por parte de un oscuro empleado administativo inglés, de inteligencia media, agudizada por las ansias de supervivencia.

Miquel

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Realizada por Dino Risi ("La escapada", 1962), se basa en un relato del libro "Il buio e il miele" (1969), de Giovanni Arpino. Se rodó en exteriores de Turín, Génova, Roma y Nápoles y en plató. Ganó un premio de Cannes (actor). Obtuvo 2 nominaciones a los Oscar (film de habla no inglesa y guión adaptado).

La acción tiene lugar en un viaje de 7 días, que se inicia en Turín y concluye en Nápoles, en 1973/74. Narra la historia del capitán Fausto Consolo (Vittorio Gassman), mutilado a causa de un accidente en unas maniobras militares. Ha perdido la vista y parte del brazo derecho. Abatido y amargado, se comporta de un modo cruel y desconsiderado, pese a haber adquirido notable soltura de movimientos y una precisa noción de la ubicación de las cosas. Es mujeriego, bebedor, entrometido, maleducado, presumido y goza de un olfato muy agudo.

La película muestra los esfuerzos que una persona es capaz de poner en práctica, en determinadas ocasiones, para ocultar sus sentimientos y alimentar una falsa apariencia de fortaleza y seguridad. El film centra la atención en una persona con discapacidad sobrevenida, pero hace extensiva la reflexión a todas las personas que ocultan sus sentimientos por cualquier motivo. La tensión interior que sufren éstas, se traslada a su conducta y a sus relaciones con las personas que les rodean. No aceptar la compasión de los demás es una cosa diferente de no aceptar afecto, cariño, ternura y amor. El viaje de Fausto simboliza en cierto modo el trayecto personal que media entre la propia aceptación y la aceptación del afecto de los demás. La obra muestra en paralelo la capacidad de Fausto para enseñar a su joven acompañante, Giovanni "Ciccio" Bertazzi (Alessandro Momo), muchas cosas. En especial le enseña a distinguir entre apariencia y engaño, amor y fraude, halagos y egoismo, palabras y hechos. Le enseña, además, a pensar: observar, relacionar, deducir, razonar y entender. La sabiduría humana no consiste tanto en saber muchas cosas como en ser capaz de captar el sentido de las cosas.

La música, de Armando Tovajoli ("Dos mujeres", 1961), se apoya en una partitura original con un tema central romántico ("In The Dark") y variaciones con emocionantes solos de piano, guitarra y órgano. Añade canciones de otros autores, como "Champagne" (Peppino di Capri). La fotografía construye un relato sazonado de humor, en el que destaca la gesticulación de Gassman, el comedimiento de Momo y la sensualidad de Sara. El guión define bien a los personajes, los interrelaciona con acierto y elabora unos diálogos brillantes. La interpretación de Gassman es excelente, incluidas las sobreactuaciones previstas en el guión. La dirección crea una obra irónica, rica en matices, intrigante y muy humana, que trata un tema universal e intemporal.

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El objetivo oculto del viaje termina en un afortunado fracaso, que da sentido y confiere fuerza al relato.

Miquel

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Producida y dirigida por Tony Richardson, es su tercer largo. Implicó la eclosión del "FreeCinema" en el RU, movimiento próximo a la "Nouvelle vague" francesa, pero de menor duración. Obtuvo el BAFTA al mejor actor principal debutante y el premio al mejor actor del Festival del Mar del Plata.

La acción tiene lugar en Nottingham y alrededores en 1961/62. Narra la historia de Colin Smith (Tom Courtenay), hijo de una familia obrera, el mayor de 4 hermanos, de 15/16 años, que ha vivido la experiencia traumática de la muerte dolorosa del padre y ha sufrido las penurias de la pobreza familiar, gestionada por una madre poco equilibrada y nada cariñosa. La obsesión de la madre por el dinero le lleva al robo y al Ruxton Towers Reformatory, que imparte una educación represiva y punitiva.

La película muestra la realidad de los menores infractores de los años 60; la inadecuación de los métodos de educación y socialización de los reformatorios; y los sentimientos de inconformismo y rebeldía que anida en los muchachos internos. Pese a la ubicación temporal de los hechos en los primeros 60, la película conserva su interés y su frescura en relación al momento actual, en el que muchos menores viven en situaciones de riesgo social. La narración de la historia es sólida, está bien construída y su realización es magnífica. El mundo interior de Colin se ve afectado por la pulsación de experiencias que han dejado en él huellas de dolor y desarrraigo, a causa de la pobreza y la desestructuración familiar, el desafecto de la madre, el egoismo del padastro, el maltrato psicológico y emocional del reformatorio, la arbitrariedad del director. La transgresión es para el chico una vía de obtención de lo que la sociedad le ha quitado, de compensación de la falta de comprensión y afecto que padece y de manifestación de su rebeldía contra la injusticia. No quiere privilegios: quiere lo que merece.

La música, de instrumentos de viento, sobre todo el clarinete, subraya la estridencia de los hechos que se exponen. La fotografía presenta en paralelo, mediante un brillante juego de flashbacks, el presente y los recuerdos del muchacho. Explora con lucidez el interior del reformatorio, el alma de los educadores, el conservadurismo del director, el liberalismo del nuevo educador, la utilización de Colin en provecho de la vanidad personal del director, etc. El guión construye una narración tensa, dramática y conmovedora de la historia de un muchacho que se rebela a la luz de una inteligencia superior a la media de su edad y de unas aptitudes físicas superiores. La interpretación de Tom Courtenay es magnífica y convincente. La dirección impone a la obra un fuerte ritmo, una gran coherencia narrativa y una profundidad psicológica inusual.

Película que mira hacia los problemas reales que afectan a los menores, sus causas y sus secuelas. En los 60 y ahora, la educación de los menores es obligación de todos.

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La rebeldía del muchacho alcanza el punto culminante cuando advierte que los halagos de que es beneficiario no se los dan por afecto, voluntad de apoyo, generosidad o justa correspondencia por lo que hace, sino por egoismo y vanidad.

Miquel

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Basada en el relato autobiográfico del pintor y escritor irlandés Cristy Brown. Realizada con un presupuesto muy bajo, fue producida por Noel Pearson, que en su debut obtuvo el David de Donatello. La película ganó 2 Oscar (actor principal y actriz secundaria), 16 premios más y 12 nominaciones.

La acción tiene lugar en Dublín entre 1932 y 1972. Narra la historia de un paralítico cerebral, décimo hijo de una familia de 22 hermanos. Con tenacidad y el apoyo de la madre (Brenda Fricker), consigue afrontar su discapacidad: escribe y pinta con el pie izquierdo y consigue hablar no sin con dificultad. Se muestra la lucha del muchacho contra sus limitaciones gracias a una inteligencia poco común en los afectados de PC y a sus enormes deseos de comunicarse. La suya es una lucha de superación y rebeldía (se enfada con frecuencia) contra la indiferencia, la lástima y la compasión. Cuenta para ello con su fuerza moral y la ayuda de la madre, dotada de una fina lucidez natural, que mantiene al niño inmerso en el grupo de vecinos de edad similar, con los que comparte juegos, fiestas, travesuras, riñas y algarabías. El muchacho es fuerte y tenaz, pero no está libre de debilidades: cuando se enamora de Eileen Cole (Fiona Shaw), la médico que le atiende, y ésta no le corresponde, él se siente muy deprimido e intenta el suicido, pero pronto se repone y busca otro amor. La película muestra la pobreza de las famílias irlandesas obreras, la miseria de sus hogares poblados de hijos, el azote del paro y la ausencia de ayudas institucionales. Hay que fomentar la cultura de la integración: "todas las personas tienen derecho a participar en la vida social (ocio, diversión, educación, cultura y trabajo) en la medida de sus posibilidades". La no discriminación es un deber cívico y ético que incumbe a todos. Las palabras tullido, anormal, deficiente, inválido, impedido, imposibilitado, minusválido y similares deben ser abolidas por incorrectas, manifiestamente injustas y anacrónicas.

La música se basa en un cuarteto de cuerdas, flautas, piano y harpa. Con melodías cálidas, trata de expresar los sentimientos del muchacho. La fotografía desarrolla una narración visual que subraya las incidencias de la acción con detalles emocionantes. El guión, realizado por el director y un ayudante, traza una descripción convincente del protagonista y de sus allegados. Los diálogos están construídos con sentido de la brevedad y la precisión. Las interpretaciones del protagonista y de la madre son extraordinarias. La dirección construye un relato absorbente, equilibrado y contundente, que invita a la reflexión.

Película multipremiada, bien interpretada, narrada con brillantez, constituye un potente alegato a favor de la dignidad e integración social de las personas con discapacidad.

Miquel

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Fassbinder, director y guinista de la obra, nos ofrece un drama de amor, pasión y abandono, de gran calado y de corte clasicista, que recuerda los temas de Douglas Sirk. La acción transcurre íntegramente en una habitación múltiple de la vivienda-taller de la protagonista, que a lo largo de las cinco partes que componen la obra se va adaptando, sin grandes variaciones, a las necesidades de cada fragmento del relato. Intervienen seis personajes femeninos: Petra, su sirvienta Marlene, su amiga Sidonie, la joven Karin, su hija y su madre. La interpretación de Margit Cartensen (Petra) y, también, la de Hanna Shygulla (Karin) rozan la perfección. Destaca el buen trabajo de la cámara, a cargo de Michael Ballhaus, que combina sabiamente encuadres fijos, encuadres de abajo arriba, encuadres horizontales y movimientos de cámara pausados y precisos. Las conversaciones entre Petra y Karin permiten al director situarlas de modo diferente, en un alarde de versatilidad e imaginación, en el marco de un clima de intimidad, sensualidad y confidencia. La acción se desarrolla sin el acompañamiento de la habitual banda de música de fondo. La música (The Platters, The Walker Brothers y fragmentos de Verdi) aparece en momentos aislados, para dar continuidad más que para acompañar la acción. El vestuario, de exótica elegancia, contribuye a crear un ambiente extraño y a la vez suntuoso que refuerza las sensaciones de sensualidad, lujuria, pasión y deseos de posesión íntima. Los diálogos entre Petra y Karin son cadenciosos, pausados, relajados. Cuando se produce la ruptura entre ellas, pese a que los contenidos se hacen injuriantes, el diálogo no pierde su ritmo. Cuando Petra es abandonada, su ánimo se sume en una profunda depresión. Cuando se recupera, ofrece a Marlene, su sirvienta, convertir su relación sadomasoquista en un nuevo tipo de relación, pero ésta rechaza la propuesta y se va. El amor no consiste en la dominación y la posesión. De ahí la soledad a la que se ve finalmente e irremediablemente abocada la protagonista.

Miquel

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