Críticas de: La Maga - FilmAffinity

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Críticas de: La Maga

El director neoyorkino nos lanza una pregunta: ¿el cine es un arte o un entretenimiento?
Es de agradecer que Woody Allen siga trabajando sin descanso (un film por año) y con una asombrosa regularidad más propia de sus compañeros europeos y asiáticos, que se sienten siempre en la obligación de cumplir con un mínimo nivel de exigencia.
Recién recibido el Premio Príncipe de Asturias, llega a nuestro país Un final made in Hollywood, que como ya sugiere el título, supone una dura crítica contra el sistema de producción hollywoodiense y sus métodos industriales.
Referencias
La odisea de un gran director venido a menos (sólo se dedica a la publicidad y rueda en Alaska) le sirve a Woody Allen para volver a tratar los mismos temas de siempre: los judíos, la misoginia, el psicoanálisis, New York... Los guiños a su larga carrera son constantes: la sospecha de un tumor cerebral en Hannah y sus hermanas, la ceguera de Delitos y faltas, la fuente de Central Park en Desmontando a Harry, la as pirante a actriz en Poderosa Afrodita, las comparaciones entre Los Ángeles y New York en Annie Hall... Sus meritorios y punzantes diálogos siguen estando a la orden del día: “Echo de menos mi grupo de ayuda para ejecutivos de cine sin amor propio.”
Objeciones
A pesar de que el actual maestro de la comedia se ha desprendido definitivamente del humor de sus primeros monólogos en televisión, y que muestra una enorme ligereza a la hora de hacer reír, aquí parece haber perdido su acertada capacidad de observación, además de las ganas por profundizar en los temas habituales, la creación de unos nuevos, o simplemente, sus interesantes reflexiones. Hay momentos estelares (las discusiones con el operador chino, la reunión final con su productor, la caída en el plató...), mas a uno le queda la sensación de estar ante un Allen poco profundo, menor, el de Toma el dinero y corre o Bananas. Aun así, dentro de su pronunciada causticidad, el elegante vodevil, sarcástico, irónico y satírico que nos presenta, es más ácido de lo que parece a primera vista, y no te engaña, es limpio, agradable, sin ruido ni molestias.

Señas de identidad
Steven Spielberg es una de esas personalidades variopintas nacidas para el cine (no vamos a descubrir nada nuevo a estas alturas), pero sobre todo, es un amante de ese género que su difunto amigo Stanley Kubrick ya cultivara a la perfección (2001: Una odisea en el espacio). Ya desde sus comienzos mostraba un inusitado interés. Prueba de ello es que sus mejores obras pertenecen a este campo: E.T. El extraterrestre, Encuentros en la tercera fase, A.I. Inteligencia Artificial. Sin embargo, la magia de Steven Spielberg ha desaparecido en esta última dosis llamada Minority Report.
Premisa
John Anderson (Tom Cruise), al igual que el personaje de Roger Thorngil en Con la muerte en los talones (Hitchcock), debe luchar contra el destino para probar su inocencia. A pesar de ser el jefe de la unidad especial de Pre-Crimen, la violencia presente en Washington, año 2054, y las dotes adivinatorias de los pre-cogs le obligan a enfrentarse a esa huida existencial en la que estaba sumido debido a la muerte de su hijo.
Espíritus enfrentados
Es el comienzo de la película el resultado de un autor que sabe utilizar a la perfección los elementos narrativos, alguien que maneja como quiere a los personajes. Esa secuencia inicial nos atrapa de lleno y adentra en un mundo plausible, que el director va describiendo con pinceladas a medida que se desarrolla la trama. Son esos matices (la operación ocular, las mochilas voladoras, Tom Cruise en la bañera escondiéndose de sus perseguidores, Agatha despertando de sus sueños, esa publicidad invasora de la intimidad, esa nueva droga llamada claridad) a lo largo de las dos horas y media de metraje los que prometen una visión única, un nuevo paso adelante en el género, una aproximación al mundo que apuntaba Ridley Scott en Blade Runner. La pena es que se quedan en eso, detalles, pues Spielberg acaba traicionándose a sí mismo, cayendo en el error de suministrarle la mayor importancia, su esencia, su estilo personal al thriller. Producto de esta decisión, su film te desangela por completo en su última media hora, cayendo en la más absoluta previsibilidad y esquematización, y haciendo que la música de John Williams y la fotografía de Kaminski sean más superficiales que nunca.
Parece como si el maestro se hubiera olvidado de repente de que sus obras más geniales son aquéllas en las que no abandona su complejo de Peter Pan. En ésta, sus señas de identidad son más reconocibles que nunca al comienzo, pero se va desinflando, producto de ese enfrentamiento entre lo que quieres hacer lo que sabes hacer. Su ambición no debería tener nunca límites, pero su personalidad siempre debería estar presente.

Siempre he pensado que el cine, como la vida, una de dos, o te entretiene (“Jurassic Park”), o te enseña (“American History X”), y en ocasiones excepcionales, consigue ambas cosas al mismo tiempo. “Los lunes al sol” pertenece al segundo grupo, y lo hace de una manera arrolladora, sin parpadeos, directa.
Orígenes
Si primero fue “Familia”, y más tarde “Barrio”, ahora le toca el turno a “Los lunes al sol”, con la que Fernando León de Aranoa consigue confirmarse como uno de los valores más firmes y talentosos del panorama español.
Comparte el cine de Fernando muchas de las preocupaciones de Ken Loach (“La canción de Carla”, “Mi nombre es Joe”, “La cuadrilla”). Al igual que el director inglés, sus protagonistas son personajes enfrentados a situaciones sociales injustas; su forma de rodar conjuga un estilo documental con diálogos punzantes, procedentes de los estratos sociales más bajos; el objetivo es siempre el mismo: golpear la conciencia del espectador y situarlo en un contexto demasiado desgastado por los medios de comunicación.
Una ciudad al norte, costera, que hace ya tiempo dio la espalda al campo y se rodeó de industrias que la hicieron crecer desproporcionadamente, a empujones, que la alimentaron a base de inmigración y trabajadores, y dibujaron para ella un horizonte de chimeneas, de aristas y esperanzas, de futuros desarraigos, es el lugar donde un puñado de hombres, amigos gracias a la ética del trabajo bien hecho, admiran el paso del tiempo y recuerdan los días en que eran un grupo que luchaba por no abandonar su puesto en los astilleros. Unos siguen inmersos todavía en una batalla, otros sobreviven como pueden gracias a pequeños negocios, o al amor, los demás, como todos, siguen conociendo y visitando los miedos, los formularios, las listas de espera, las entrevistas, las colas del paro, los lunes al sol.
Hacía tiempo que no se veía un reparto coral tan acertado. Jose, Lino, Ana, Nata, Amador, Rico... todos se miran, unos con la cabeza más alta, otros casi derrotados, pero todos ellos giran alrededor de un eje, Santa (pletórico Javier Bardem), que tiene el enfado fácil, la indignación siempre a mano, pero también la palabra a tiempo y la mano tendida, compañera, atenta.
Resumiendo, ida verla.

Bryan Singer acaparaba todas las papeletas para dirigir también la tercera parte de la Patrulla X, pero, consciente del nivel alcanzado, exigió a cambio la posibilidad de adaptar a continuación las viñetas del Hombre de Acero. A la productora no le tembló el pulso (nadie es imprescindible a la hora de hacer caja), le sustituyó por Brett Ratner, y el director de Sospechosos habituales se marchó encantado en busca de una proposición indecente: el regreso de Superman, una oferta demasiado tentadora para rechazarla. ¿fue Bryan Singer el mejor director que pasó por la franquicia? La decisión final parece confirmar nuestras sospechas, pero no se apuren, dada la recaudación, habrá muchas más.
Brett Ratner va camino de convertirse en un cineasta especializado únicamente en sagas. Si Hora punta 1 y 2 eran sólo ejercicios para realzar las acrobacias de Jackie Chan, El dragón rojo cerraba muy dignamente las aventuras de Hannibal Lecter. En X-Men 3, incapaz de mantener la intensidad emocional de sus predecesoras, apuesta por el espectáculo. El resultado es más convencional, menos político y más cursi, pero también más entretenido, ágil y conciso. Hilvana con brío las dos líneas argumentales: el descubrimiento de una cura para eliminar el gen mutante, y el retorno de la Doctora Jean Grey como Fénix Oscura. Por lo demás, los ingredientes siguen siendo los mismos: nuevos personajes (Kitty Pride, Juggernautt, Ángel…) que no disponen de tiempo suficiente para destacar por igual, fabricación de prólogos y epílogos lo más intensos y abiertos posibles, y una pizca de buenas ideas con el propósito de conseguir cierta hondura intelectual que aporte a la saga la seriedad suficiente como los espejos en que se mira: el Spiderman de Raimi o el Batman begins de Nolan. El problema grave es que esto deja de conseguirlo Ratner, su guión sufre de relleno insustancial y ha perdido el toque taciturno conseguido por Singer. El consuelo: seguir disfrutando de Famke Janssen y Hugo Jackman, los auténticos protagonistas de esta, por ahora, trilogía.
Artificio, desconexión, banalidad, pérdida del respeto y prestigio logrados, los personajes de X-Men 3 se masifican más que nunca, y su desarrollo, descontrolado, es pura anécdota (Pícara parece una figurante). Se suceden las prisas sin ningún propósito, al estereotípico presidente USA sólo le falta su Air Force One, se habla y se habla sin interés - algunos diálogos o situaciones siguen siendo sonrojantes -, y como ninguna muerte o pérdida de poderes es eterna, la taquilla seguirá facilitando manipulaciones que, fieles o no al espíritu del cómic de la Marvel, a su literalidad, seguirán decepcionando a los frikis. Singer consiguió sacarle a la fantasía su parte de beneficio. Su profunda defensa del derecho a la diferencia, lectura más generalizada de la Patrulla X, tuvo sin embargo en Shyamalan (El protegido) su máximo valedor, el único cineasta que de verdad ha entendido la esencia del superhéroe, un ser humano especial.

dos hombres se despiertan encadenados a la pared de un baño subterráneo, antes de ocho horas, uno de los dos debe matar al otro o ambos morirán. James Wan debuta con el psycho-killer más retorcido de los últimos tiempos. Una buena idea llena de ingenio, brevedad y giros en el guión, incluido un clímax final que descubre el gran teatro de guiñoles que supone juntar Cube y Seven en una misma cinta. Un nuevo John Doe que se lava las manos y está dispuesto a dar una última oportunidad a sus marionetas para recuperar el aprecio por la vida. En contra, una estética algo gastada. Los amantes del género no se la pueden perder.