En la primera aparición del taxista Kit Latura, interpretado por Sylvester Stallone, el objetivo se centra en su cogote, aunque cualquiera, incluso el menos avispado, sabrá reconocer su peculiar voz (sea la propia o la de su habitual actor de doblaje en castellano, Juan Carlos Gustems). Sólo cuando su cliente le ofrece 50 $ si consigue llegar a tiempo a su destino el actor se gira para mostrarse con la mejor de sus sonrisas. Toda una declaración de principios hollywoodiense.

Seguramente sea tal principio el que llevó a los responsables de Daylight a liberar del ostracismo al cine de catástrofes, en boga en los 70. Tras la presentación de unos personajes variopintos que confluirán en un lugar y un momento inadecuados, la rutina desaparece por mor de un espantoso accidente que creará una situación límite que pondrá a todos al mismo nivel. En el caos y la desesperación sólo una persona será capaz de tomar las riendas e imponer su autoridad. Latura es, salvando las (enormes) distancias, un trasunto de Lord Jim: un error de su pasado profesional, por el que murieron personas, atormenta su alma y busca una segunda oportunidad que expíe sus culpas.

Para un servidor, la mejor escena de la película es la que muestra al héroe ante el rostro del crucificado dentro de la penumbra; Latura cierra los ojos e inclina poco a poco su cabeza hacia abajo, una muestra del desaliento vital que arrastra el personaje y de sus dudas, de su escasa fe, de salir del caos en que se encuentra . Pero aparte de este aislado capítulo de expresividad visual el resto del filme se desarrolla por la senda de lo trillado, con una narrativa convencional, unos personajes arquetípicos y unos diálogos tan vulgares que creo que la música de Randy Edelman suena un pelín más alta de lo recomendable con el mero propósito de disimularlos.

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El riesgo es inherente a cualquier empresa. Pero emprender un film interpretado por muñecos y con diálogos cantados es verdadero amor por el riesgo. Tim Burton desarrolló durante diez años este costoso y complicado proyecto hasta que su éxito con Edward Scissorhands y, sobre todo, con Batman, le avaló para que se pusiera manos a la obra. La colorida música, el inspirado diseño de decorados y la amplia variedad de personajes hacen de este film una obra admirable. Además, la técnica de animación paso a paso, tan arriesgada comercialmente y, por tanto, tan poco pródiga en las pantallas (desde la edad de oro checa en los 50 no se veían dibujos animados de este estilo), hacen de esta pesadilla una obra para quitarse el sombrero.

Si solo valorase la audacia, le reconocería sin dudar diez estrellas.

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La empresa Men-Tel Corporation ha diseñado una prisión de máxima seguridad en la que todo está informatizado y controlado por el sistema central, Zed-10, un supercomputador autoritario con voz de mujer al que los internos llaman “La Gran Madre”. Tal vez por eso no duda en aplicar castigos que se salen de madre.

A pesar (o tal vez por ello) de que Stuart Gordon trabaja con ¡¡¡cuatro!!! guionistas, no logra combinar con convicción el tono de farsa habitual en una comedia gore con el pesimismo propio de un relato de futurismo agorero. Si hubiese que rescatar algún momento yo me quedaría con el principio y con el final. Lo primero que muestra el filme es un control militar en una aduana de carretera en EE.UU.; a todos los ciudadanos se les identifica con un código de barras tatuado en el brazo. A las mujeres, además, se les explora el vientre para comprobar que no incurren en el delito de estar embarazadas, medida justificada por la superpoblación. Y lo último que muestra el filme...

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... es la ansiada libertad, que sólo se consigue al cruzar la frontera mexicana (en dirección sur, por supuesto).

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Michael Burgess, un profesor de historia, es autor de un galardonado libro sobre la creación de los EE.UU., cuya adaptación al cine será realizada por Bo Hodges, un director con las ideas claras, nada condescendiente, de aires infantiles, con la cabeza enfundada en una gorra y un caramelo de palo en la boca.

Película escrita y dirigida por Alan Alda, se trata de una dulce y simpática comedia sobre la dificultad entre las personas para consensuar decisiones: Burgess y Hodges, sobre cómo afrontar el enfoque del filme, histórico o lúdico; Burgess y Gretchen Carlsen, sobre cómo afrontar su relación sentimental, por separado o en matrimonio; y Burgess y su madre Cecelia, sobre cómo afrontar la propia existencia, con racionalismo o con idealismo. Una de las grandes bazas de la película son los personajes y sus interpretaciones: Bob Hoskins, como un guionista inseguro incapaz de asumir sus responsabilidades; Michael Caine, como un veterano actor, encantador, arrogante y exhibicionista; y Lillian Gish, una simpática y maniática anciana. Y no se puede dejar en el portapapeles (el tintero pasó a la historia), una frase antológica: “Los adolescentes que van al cine esperan ver tres cosas, desafío a la autoridad, destrucción de la propiedad privada y que la gente se empelote”

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Película de animación inspirada en los Beatles de finales de los 60: en su música, en su estética pop, en las portadas de sus discos y en la sociedad y la cultura del momento (en la anglosajona, al menos). Dirigida por George Dunning, experimentado animador canadiense recalado en la televisión británica, es una muestra de técnicas visuales: animación tradicional, figuras recortadas, imágenes reales mezcladas con dibujos... Su estilo se basa sobre todo en formas desproporcionadas y en colores muy vivos.

La historia que cuenta es simple y dicotómica (cualquiera espera que los fabulosos cuatro de Liverpool se comporten, al menos, como héroes), en exceso deudora de las canciones, que son el auténtico motor de la película. En palabras de Ringo Starr: “La música es lo verdaderamente importante. La música es el legado y, en este caso, se encuentra envuelta por la película”.

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