Si alguien observa el título de la crítica puede pensar:
‘Un’.- Llega la primavera y el bastardo se ha enamorado.
‘Deux’.- El bastardo se ha caído por unas escaleras y se cree gabacho.
‘Trois’.- El bastardo del bastardo encima se ha equivocado dándoselas de que sabe francés.

Pero el truco o la realidad es sencilla: solamente hay que buscar un traductor por la red, escribir lo que uno quiera (nunca guarrerías porque las traduce malamente) y darle al botón… ¡Et voilà! ¡Uno ha convertido algo bonito y artificial en precioso! Aunque al descubrir la verdad pierde encanto. Trabajo equiparable al de los directores que han realizado las piezas para “Paris, je t'aime” (se agradece que no se haya traducido el título por alguna atrocidad con las que nos tienen acostumbrados): convertir ocho o diez páginas de guión en algo creíble o que sugiera emociones al espectador construyendo una mentira mediante actores, banda sonora, montaje, planes de rodaje, etc.

“Paris, je t'aime” muestra dieciocho piezas o cortometrajes para retratar la ciudad del amor donde se confirma:
‘Un’.- Algunos no están acostumbrados al formato y quieren contar mucho en poco tiempo. ‘Deux’.- Se les ve demasiado el plumero sacando su faceta de publicista o director de clips. ‘Trois’.- No dan la talla y deberían seguir haciendo largometrajes.
‘Quatre’.- Realizan auténticas y reducidas joyas.

Ni que decir tiene que el conjunto resulta desigual y que la mayoría de piezas no se comerían un colín en un festival de cortos, aunque la unión hace la fuerza y encuentran cierto equilibrio dejando un buen sabor de boca general.
Para gustos están los colores aunque yo me quedo con las siguientes cinco que destacan sobre el resto a mi juicio:

- Joel y Ethan Coen: Lo mejor que han hecho desde “El gran Lebowski”. Ejemplo en formas de lo que debe ser un corto original y brillante.

- Nobushiro Suwa: El director de la estupenda “M/Other” prefiere otra historia de amor más universal entre reencuentros oníricos con una Binoche esplendida.

- Alexander Payne: Deliciosa y simpática historia de una turista americana.

- Sylvain Chomet: El que firmó una de las cumbres del cine de animación de esta década (“Bienvenidos a Belleville”) acierta con una pieza repleta de frescura.

- Tom Tykwer: Lo suyo es el montaje acelerado (“Corre, Lola, corre”) y en su pieza sabe comprimir hasta extremos de un clip una historia de amor.

Maldito Bastardo

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"Liberad a Willy" es el típico panfleto ecologista con todos sus alicientes y defectos. Ultra-previsible, con un buen rollito vomitivo y tonta hasta la médula. Pura carne de parodia.
Para aquellos que estén interesados en las orcas que vean un documental, lo cual resultará más educativo y entretenido.
Se hicieron otras dos partes a cada cuál más aberrante.
Esta es una la de las películas que ha sacado de mí los más oscuros y tenebrosos pensamientos que dudaba poseer... (ver spoiler)

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

Siempre he deseado que en la escena final, retratada en la fotografía que aparece en el cartel de la película, Willy se pare en el aire y aplaste al niño. He tenido esa extraña obsesión, realizar un viaje en el tiempo y boicotear el estreno de la película con la nueva secuencia para ver la cara que ponían los niños y sus padres.
Lo sé, soy un enfermo.

Maldito Bastardo

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A “Days of Glory (Indigènes)” le sobran los paréntesis y ese título en inglés que resulta tan comercial como engañoso: ni tiene nada que ver con el filme de Tourneur ni es la adaptación de un videojuego sobre la Segunda Guerra Mundial.

A decir verdad su trasfondo e intenciones lidian con un tema que han olvidado o censurado las películas bélicas a lo largo y ancho de la historia del cine. Los ‘otros’ combatientes o los que antes eran esclavos en diferentes contiendas históricas antes de la abolición de dicha tiranía.
No es tampoco un asunto nuevo dentro del celuloide en la actualidad: en un gag del largo de “South Park” (1999) se trivializaba el racismo en el ejercito con la ‘operación esconderse detrás del moreno’ y en “Fahrenheit 9/11” (2004) Michael Moore desvelaba quiénes eran los reclutas en estos tiempos modernos: los más necesitados y débiles económicamente que habitualmente suelen ser inmigrantes.
Y por otro lado no es necesario recurrir al cine ya que la realidad y los datos hablan por sí mismos: en el ejército español hay un porcentaje de soldados extranjeros a tener en cuenta.

En Francia tienen otra historia, otra guerra pasada y cementerios de guerra repletos de cadáveres africanos. Rachid Bouchareb saca a relucir la cuestión mediante dos frentes: los soldados alemanes y sus propios compañeros franceses de contienda e incluso los habitantes de los pueblos que son liberados. Los primeros matan con balas y los segundos con su discriminación y racismo.

Yo veo muy bien que estos soldados, argelinos, marroquíes y tunecinos procedentes de las colonias galas del norte de África, hablen de libertad, igualdad y fraternidad, pero me hierve la sangre al pensar que también podrían aplicar su mensaje en sus respectivos países donde las mujers y homosexuales sufren otro tipo de discriminación y racismo incluso más lacerante. Puestos a abrir el baúl, lo abrimos por completo. ¿No?

Pese a esos subrayados épicos tan comentados en su desenlace y recta final que la hacen perder gancho al potenciar demasiado el heroísmo de estos combatientes, “Days of Glory (Indigènes)” al menos cuenta algo, tiene mensaje, no copia al Spielberg de “Salvar al soldado Ryan” descaradamente como viene siendo costumbre y su repercusión ha traspasado la pantalla: el presidente Chirac se ha propuesto acabar con la diferencia entre las pensiones que cobran hoy los veteranos franceses y las raquíticas de los norteafricanos.

El reparto, premiado al completo en el Festival de Cannes y su la nominación al Oscar a la Mejor Película Extranjera suponen otro reconocimiento. El cinematográfico.

Maldito Bastardo

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No pasará a la historia como su mejor cinta, tan sólo se comentará que fue su última película, su último show. El último adiós de un director al que se admiró, se olvidó y se reivindicó y que tal vez involuntariamente realizó en “El último show” su propio testamento cinematográfico tanteando con su pasado: el cine negro en su inicio, la atemporalidad en la puesta en escena, el choque de lo nuevo y lo viejo (diferentes épocas que convergen), el reparto coral, la sobredosis musical y un leitmotiv como la muerte y la salvación, la resistencia al último adiós.

Hay más aparte de sus actuaciones musicales, el retrato de las bambalinas y el personaje enigmático interpretado por Virginia Madsen. “El último show” es una película de pequeños detalles y destellos buscando una despedida de un cineasta que nos dejó, al que ya su Oscar honorífico en el 2006 (el que se le había negado por “M.A.S.H.”, “Nashville”, “El juego de Hollywood”, “Vidas cruzadas” y “Gosford Park”) anunciaba que otro ángel le impediría seguir diciendo “El show de Altman debe continuar”.

Maldito Bastardo

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Desde luego en Australia tienen claro su papel cinematográfico. En este caso la hoja es la conocida como ‘papel cebolla’… porque define perfectamente la revisión borrosa y completamente diferente de los géneros que retrata. Se ve y se intuye pero existe un filtro que hace aparentemente diferente lo traslúcido. Vimos esa revisión del western en “La propuesta”, el otro lado del falso documental, reinventando “Spellbound”, en “Razzle Dazzle: A Journey Into Dance”, la monster-movie de “El territorio de la bestia” llevando la bestia al territorio autóctono e incluso aires de superproducción en “Australia”. Pequeñas porciones de cine que buscan dobleces en géneros y patrones estandarizados por el cine norteamericano.

“Animal Kingdom” parece revisitar “Mamá sangrienta” de Roger Corman con tendencias esclarecidas por el thriller americano contemporáneo. Se nos presenta el retrato de una familia criminal fomentada en el matriarcado y poder una figura de aparente sonrisa sibilina y capaz de realizar lo que sea para defender su manada. El filme y ópera prima en formato largo de David Michôd nos habla de los bajos fondos mediante la analogía de la especie carnívora y selva repleta de leones. Un nuevo familiar llega a la manada, ‘J’, cuya madre huyó lejos de la estirpe y maldición familiar pero cayó víctima de la sobredosis de heroína. Desde la presentación nos hablan de la dureza e insensibilidad de estos animales depredadores aunque no nos muestran sus crímenes salvo en fotos de unos títulos de crédito. La caza acabó pero no la cena de esa carnaza que tiñen sus dientes de sangre… ‘J’ realmente es una gacela que se ve inmersa en un mundo que no le corresponde y tiene dos opciones: convertirse en león o dejar en manos de unos cazadores, más furtivos que legales, llamados policía el futuro del clan familiar.

“Animal Kingdom” recrea el suspense por lo impredecible en dilatados tiempos de exposición que traspasan la barrera de la promiscuidad narrativa. Los giros se sustentan como nueva vía de evolución del guión y se intuye cierto grado de talento en la dirección de las imágenes encastradas en notables secuencias de género. Hay reglas y normas en ese mundo: hay que lavarse las manos después de acudir al retrete… y, por supuesto, cometer un crimen. La moralidad existe pero el miedo al ser mayor acaba por apagar cualquier atisbo sentimental.
Tal vez el mayor pecado sea la irregularidad por buscar premeditadamente el punto de giro. A veces se intenta hallar algo tan imprevisible que habita lo predecible.

Aquí hay buen cine, animales y gánsteres con leona, madre y reina. La naturaleza nos guía y esta jauría humana, con una sobrenatural líder de la manada interpretada por Jacki Weaver, no queda exenta. “Animal Kingdom” nos habla de la genética criminal con ánimo de durar, revivir y vivir en tiempos y ecosistemas adversos.

Maldito Bastardo

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