El arte de realizar cine toma su valor cuando éste te hace sentir emociones, aun cuando resulten contradictorias con respecto a lo correcto e incorrecto en el acontecer, que nos mantienen alertas en todo momento. Kill Bill es el claro ejemplo de ese estado en el que dolor físico y mental están presentes a través de la protagonista, The Bride, quien ha cometido un error que su jefe y compañeros no pasaron por alto y deciden castigarla brutalmente.

A la fecha se han generado ciento y tantas críticas, en las que se mencionan los aciertos de Tarantino como director y Uma en el papel principal, desde mi punto de vista se volvió un trabajo notable para ambos, sin embargo cuestiono algunos puntos que no concluyo y tambalean la excelencia, para solo quedarse en clasificación notable.

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The Bride ha matado al enfermero – proxeneta ¿nadie descubre sus barbaries? Cabo suelto.

¿Por qué los detalles minuciosos de la historia de O-Ren Ishii, dedicándole un capitulo, no así para los demás antagonistas de la novia ensangrentada?

La condición física de la protagonista raya en la exageración, al momento del enfrentamiento, aclaro: esto no quita espectacularidad a la escena.

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No niego el talento que tiene De la Iglesia para que podamos reír con humor ácido y perspicaz, sin embargo hay películas que no me funcionan, y se quedan. Aquí dos tipos bastante patéticos cumplen su función: entretener a su público, y supongo son instrumentos idóneos para la crítica de quienes realizan televisión, así como de aquéllos que crean y manejan a los personajes que viven en y de la polémica, que la masa se encarga de fomentar a diario, comprando revistas y periódicos, viendo programas de nulo contenido basado en el sensacionalismo de personajes como éstos.

Aquí aplica que ningún director se encuentra en posición privilegiada, De la Iglesia me sitúa en total apatía, el humor se encuentra tan oculto que tampoco hice conexión a ningún nivel con su propuesta, Muerto de aburrimiento.

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Viernes 29 de febrero, 7:00 pm. Cinemex Plaza Insurgentes. Sangre de mi sangre cuenta la historia de dos inmigrantes mexicanos a los Estados Unidos, haciéndolo con diferentes mensajes que se emiten minuto a minuto a lo largo de su duración. En efecto se marca trata de las relaciones en la familia y la ambigüedad moral como lo marcan en la sinopsis, pero también aborda asertivamente la situación del hispano en el vecino país y el desenvolvimiento que tiene en lugares habitados por hispanos. Como es sabido la discriminación racial es el primer problema a enfrentar del inmigrante, lo terrible es afrontarla contra nativos, compatriotas y otros hispanoamericanos presentes en el lugar, dispuestos a sacar ventaja de los desfavorecidos.

Sangre de mi sangre es la confrontación del citadino contra el provinciano, el primero de mente ágil y falto de escrúpulos, mientras que el segundo es en exceso confiado e ingenuo y con desventajas para una mejor oportunidad, donde el español no es importante y si los cincuenta dólares para pasar el día. Esa es la yuxtaposición que hace el director de dos chavos ilegales mexicanos, con diferente ideología y que son presas de su ignorancia.

En el norte se suele estereotipar al mexicano como ignorante y conformista, ya que precisamente la gente menos preparada emigra del campo nacional para ir a desempeñar el trabajo más duro en Estados Unidos, con la visión de ganar dólares y supuestamente tener un mejor nivel de vida. Sin embargo esta es una película que toma la realidad y señala el hecho de que se puede ganar bien, pero no implica el poder vivir con lujos o comodidad, muy presentes en el llamado sueño americano; un país con mucho trabajo, pero sin la seguridad necesaria que respalde a quienes llevan a cabo la labor; donde caminar libremente por la calle no garantiza la estancia en dicho lugar; donde los fines de semana la distracción sea en un bar, se converse de situaciones sexuales, triviales y soeces o incluso donde para bailar con alguien se deba pagar; donde el crecimiento intelectual se vuelve escaso o nulo.

Pero en Sangre de mi sangre no solo hace una crítica del mexicano foráneo, también retoma la solidaridad que nos caracteriza y como las relaciones filiales pueden cambiar decisiones que parecieran inamovibles.

Buena opera prima de Christopher Zalla, filme que intriga a los pocos minutos y que mantiene alerta, ante el robo de una identidad y donde todo parece ser más difícil de lo que ya es.

La intervención de todos los actores es muy apegada a lo requerido, pero me hubiese gustado ver caras nuevas, Ochoa y Hernández son repetitivos y están cayendo en el estereotipo de personajes con lenguaje soez y marginados.

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¿Cómo decirle a Paz Vega, no?, Increíblemente a Paz Vega no le negaría nada, pero ¡nada!, solo le sugeriría que antes de firmar un contrato, se debiera asegurar que su participación sea coherente, digna y acorde a la trayectoria que ha tenido.

Vega como figura principal esta sumamente desaprovechada con caras y actitudes nada graciosas, que por momentos me remitieron a exuberantes mujeres con carencia de talento; he aquí la mala dirección de los actores combinado con la descuidada historia que no sucumbe en el proyecto, sino hasta la taquilla.

Pareciera que las empresas estadounidenses toman la decisión de llevar el estilo de sus comedias a otras regiones, “Di que sí” no es la única con influencia gringa debido a la inverisón de éstas en el filme, sino también aquí en México han comenzado por generar estupideces sinónimos de entradas, tal es el caso de Niñas mal, donde casi todo es banal, estúpido e incongruente.

Paz, Di que no, en la próxima ocasión que te propongan realizar algo como tal. La fama no es la mejor consejera para una carrera en ascendencia como la tuya dentro de la industria fílmica.

El dos se lo debe a las escasas escenas que me han hecho reír.

Lejos, lejos de otras comedias españolas.

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Con la fortuna de presentarme a una de las diferentes salas que promovieron el día del Cine Mexicano, encontré una obra que roba la atención y la libera hasta el último cuadro. Producción nacional de poca difusión y relegada a la indiferencia de las masas, se retoma este día para que podamos apreciar su encantadora lírica y visión costumbrista de las comunidades en la provincia de nuestro país, desde el punto de vista de dos personajes distantes por experiencia, pero afines por perseverancia, sensibilidad, firmeza y creatividad.

La última mirada marca el latente desencanto que vivimos hoy en día de manera sutil, es afrontar el caos con el arte, es el encuentro con la soledad y la búsqueda del sentimiento, es el preámbulo del encuentro entre Homero y Mei y a su vez saldar un destino nada alentador. Los últimos destellos del color en la visión de Homero son el contraste en el espectro visual, así como también en significado, depresión (azul) y exaltación (rojo) le permiten a Homero el comienzo de una nueva forma percepción del amor en estado puro, a partir del tacto, olfato, gusto y auditivo, que suprime la desilusión. Por otro lado Mei, mujer de convicciones y amplia visión, desafía su designio y encuentra la tranquilidad deseada.

La historia de la joven sirvienta y el pintor de ceguera clara, me resulta contundente, lejana a las tramas inspiradas por la desaparecida Yolanda Vargas Dulché, especializada en victimizar a sus protagonistas femeninas, quien les omite sentimientos humanos reales (rencor o venganza) y les crea historias espinosas con antagonistas dominadas por el capricho y no por motivos reales. Arriaga supera este tópico y centra su historia en gente común y corriente de provincia, dispuestos a afrontar las disyuntivas presentes.

Extrañaba una evaluación en categoría de excelente para el cine de mi país, por desfortuna las supuestas opciones independientes y alternativas van en aumento, que me crean ciertas reservas y que las valué por debajo de la media. La última mirada es de esos resplandores en la oscuridad, de una industria tachada en declive.

Gracias por el resultado.

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