Extraño y bizarro film, opera prima de Ruth Mader. La joven cineasta traza una línea paralela entre el amor, el odio, la desesperación, la angustia, la realidad, lo ficticio, los sueños, el futuro, las pesadillas,.... todo ello comprimido en una de las películas más duras que jamás he visto (la valentía de no mostrar sino sugerir es en este caso casi insoportable, desgarradora, pero maestra).

Sin embargo, personalmente, creo que el film tiene un cierto desnivel, una marca paupérrima que descataloga al espectador de su posición ya ciertamente asentada.
El segmento que se centra en la durísima vida de una madre y su hija para salir adelante es desgarrador, tremendo (que nadie se asuste si llora), es, desde mi punto de vista, y con el tono calmado que la directora otorga a dicho segmento, una autentica maravilla.
Pero que radicalmente después de una secuencia magistral en la que vemos a la madre huir de la policía, y posteriormente llorar, sufriendo por lo que le hubiera ocurrido a su hija si la hubiesen pillado, llega la “historia” de quien poco después veremos se convierte en su compañero sentimental, y para mi eso me descolocó, me pareció más anodino y simplista. Vamos, que me hubiese apetecido mucho más seguir con las “peripecias” de esa madre y su hija.

Aún así aplaudo el salto vertiginoso y sin paracaídas que da su directora al contarnos esta historia brutalmente normal y nada exagerada, seria y triste, dolorosa y (tal vez) esperanzadora.
Una película tan honesta que resulta hasta ficticia.

Lo mejor: La primera hora.
Lo peor: Es en ocasiones demasiado descompensada.

Clark

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Intensa historia de personas. De vidas desgarradas. De sueños frustrados. Es esta una película callejera, con una atmósfera de película de terror, con una Robin Wright Penn impresionante, en el papel de su vida (con perdón de la Jenny de “Forrest Gump”), y con unos Sean Penn y John Travolta insuperables, sin olvidar la magnifica intervención de James Gandolfini. Una película que se sufre mientras se ve, pero que al acabar el sabor de haber visto buen cine se te queda pegado al paladar. Aún con todo, me quedo con el desconcertante comienzo, con esa mujer buscando a su amante, a su novio, perdida y hundida.

Lo mejor: Robin Wright Penn.
Lo peor: Un bache de ritmo en el tramo final.

Clark

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Es de agradecer la valentía, el descaro mejor dicho, de quien intenta, lográndolo o no, remodelar y reinventar ciertos códigos genéricos dentro de nuestro querido y críptico cine Español. Y es que si algo le falla al cine patrio, es la ínfima capacidad mutatoria de nuestros cineastas, hastiados personajillos en la mayoría de los casos, casados con un clasicismo estético de proporciones infumables.
Por eso films como el que nos ocupa son doblemente importantes: porque por un lado nos regalan esperanzas de un futuro mejor, de gratificante felicidad cinéfaga, y por otro, construyen una base metalingüística para, a partir de un corcel seudo-narcisista, moldear los pilares cinematográficos a sus anchas.

Y el resultado es una película fresca y viva, contagiosa e hilarante, un espectáculo de cine puro, un regalo impagable a los espectadores deseosos de materia prima.
“Kárate a muerte en Torremolinos”, obra marciana por excelencia, es todo lo que un film debería de ser, posee todas las virtudes que un espectáculo dirigido únicamente para el disfrute del publico (recordemos que sus responsables son, en esencia, cada uno de nosotros) podría permitirse: hemoglobiniza las acotaciones fílmicas de manera desternillante, ofrece un sumo ejercicio referencial, a cada cual más extremo y delirante, y pone en relieve el buen hacer de una figura tan onírica como mística, bajo la tutela de un Miyagi imprescindible, Jess Franco.

Lo que Temboury propone es un mágico, lisérgico e inolvidable paseo por el gran museo “friki” patrio.
Villanos de baratillo, alcaldías “costasoleñas” corruptas (¡menuda premonición!), héroes vírgenes, surferos católicos, malignas leyendas ancestrales, seres monstruosos nacidos de las profundidades, victimas puras, zombis ninja, expertos devorados por su propia condición, novias infieles, y un acabado formal como para quitarse el sombreo. Con todos estos elementos, ¿alguien da más?... pues eso, a disfrutarla.

Lo mejor: Imposible elegir.
Lo peor: Que no llegase a las salas comerciales.

Clark

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La arrolladora fuerza poliédrica de la trepidante saga Bourne ya está empezando a dar sus frutos en formato reciclaje. “Hitman” es una puesta al día, más esteta que física, del héroe post-apocalíptico, ese esclavo gubernamental al que vetan sus días de jocosa fauna a tiro limpio y ponen precio a su cabeza. Lo mismo que ya vimos en las pelis de Damon y en “Shooter: El tirador”, por poner un ejemplo reciente. Así mismo, este agente 47 que bien podría enarbolarse como perfecto híbrido entre la elegancia textil del James Bond más finolis (Sean Connery) y el Bond más agresivo y físicamente atractivo (Daniel Craig), sobrepone, en momentos de máxima astucia (el funeral), su esencia de lúcido champagne visual: pese a lo que pueda parecer no estamos en el terreno del videojuego más enarbolado o el videoclip más mareante y ansioso, sino en el terreno vedado de un autor prefabricado y con visión de fututo.

A falta de estrenarse su espectacular “Frontera(s)”, Xavier Gens regala una carta de presentación en sociedad de lo más estimulante. “Hitman” es cine de espionaje de alta refinería, un film de intrigas y acción que no deja tiempo para el respiro, pese a lo intrincado y casi siempre absurdo de su planteamiento argumental. Da la sensación de que a Gens, en el fondo, la desdicha de ese super-agente con problemas de identidad y una obvia impotencia sexual (¿¡anteponer una misión a un polvo con Olga Kurylenko!?, que baje Bond y lo vea) se la trae algo floja: el cineasta galo prefiere aferrarse a los estigmas del pintor colorista en vez de al “mainstream” del director sometido, sin personalidad alguna. “Hitman” es vibrante y sexy, y no alcanza momentos gloriosamente degustables porque sus responsables han preferido la efusividad a la perdurabilidad. Y es que si tras las cámaras hubiese estado Kaos y ante ellas Jason Statham, otro gallo cantaría. Y todos más contentos que el pipas.

Lo mejor: La pelea a chuchillos.
Lo peor: El sosainas de Dougray Scott.

Clark

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“Sunshine” es el perfecto relevo intergaláctico para las grandes odiseas espaciales que marcaron una época. Boyle reformula los códigos narrativos de las aventuras interestelares desde una óptica fluorescente, transformando lo que comienza como una travesía sofocona hacia el estandarte de un sol anti-climático en pesadilla onírica, convirtiendo la afabilidad en la única vía de escape posible y el aislamiento entendido como villano putrefacto e inmortal, casi etéreo. El director de “La Playa” ha vuelto a encubrir una sofisticada radiografía del ser humano en fantasía colorista: lo que podría haber sido un “2001” reformulado por Alex Garland se erige como insidioso remake de “Horizonte Final”, con menos autoridad y más derroche de bienes patentados.

Boyle ha filmado un terrorífico cuento de ciencia-ficción que solo puede ser asumido a día de hoy: alegato incriminatorio de un cambio climático que se abalanza imparable sobre el provenir de la tierra, los recursos de sus exploraciones emocionales son, cuanto menos, desafortunados (el personajes de Chris Evans, doblegando su estática mentalidad de yanki patriotero en héroe al servicio de la misión).“Sunshine” no puede verse como la evasión cinéfaga que muchos quisiéramos, sino coma la caprichosa oda de su máximo responsable sobre su propio aura. Una pena, pues este mismo material esculpido bajo la pluma de Dan O´Bannon (o Josh Whedon) y esbozado tras la mirada de, por ejemplo, Paul Verhoeven, hubiera dado para un buen colofón de fantasía con fundamento.

Lo mejor: El aplomo del reparto.
Lo peor: Sus pretensiones de gran espectáculo con mensaje.

Clark

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