“Alejandro Magno” es como un enorme paquebote que hace aguas por todos lados pero que, a trancas y barrancas, consigue llegar a puerto sin víctimas mortales. De ahí mis seis estrellitas. Me explico. Las superproducciones ‘históricas’ suelen ser trabajos juzgados con extrema dureza e intransigencia por parte de la crítica debido a que sus presupuestos de ensueño deberían traducirse en unos niveles elementales de calidad que no siempre se alcanzan y raras veces se superan.

Normalmente ese presupuesto que posibilita la contratación de grandes estrellas, la utilización de costosas escenografías, el aprovechamiento de efectos especiales y recursos infográficos de última generación y la localización de exteriores en idílicos parajes, va en detrimento de otros aspectos tanto o más importantes que los anteriores y que, lamentablemente, acaban mermando el resultado final. Me refiero, como no, al guión, al desarrollo psicológico de los personajes, al empleo de un lenguaje cinematográfico innovador o a la utilización de recursos técnicos que escapan a soluciones más estandarizadas. Un poco de todo eso ocurre y se aprecia meridianamente en “Alejandro Magno”.

Oliver Stone gobierna su embarcación con veteranía y tesón, procurando esquivar con éxito dos peligrosos escollos: el tedio y la flaccidez épica. Es más, su experimentada conducción consigue mantener a flote un mastodóntico metraje a base de oficio, buen pulso narrativo y épica a tutiplén. Bueno, la verdad es que Vangelis tambien pone su granito de arena. Un granito de arena esencial.

Pero para ser imparciales debemos hacer recuento de esas vías de agua anteriormente citadas. Vamos a ver. Farrell, Leto y cía. están discretitos, sin más. De Angelina Jolie y Rosario Dawson prefiero no hacer comentarios. Todo lo que se me ocurre huele a obsceno. Por otra parte, el tema del tratamiento de la homosexualidad de Alejandro y, por ende, de la homosexualidad en el mundo helenístico, ciertamente está cogido con pinzas. Casi tanto como la ‘compleja’ e incestuosa relación de Alejandro con su madre o sus delirios de grandeza, cuestiones desarrolladas de modo superficial y paupérrimo. Pero..., qué coño!, entretener al personal con la mínima cantinela historicista algún merito tiene ¿no?. Para mi, media docena de estrellitas es suficiente. No está nada mal ¿verdad Oliver?.

Taylor

(ver vista para enlazar)

“La historia oficial” no es, pese a su título, una película estrictamente histórica. Yo, al menos, no he sabido percibir en esta producción argentina ese rigor, ese talante didáctico o aleccionador que traslucen otras pelis más ‘documentadas’ como “Z”, de Costa-Gavras o “La lista de Schindler”, de Spielberg.

La peli de Puenzo se coloca a rebufo del crepúsculo dictatorial argentino (1983) para narrar la historia de una sospechosa adopción que evidenciará la amoralidad y el oportunismo de Roberto (Héctor Alterio), un prosélito del régimen militar, y que originará graves problemas de conciencia en Alicia (Norma Aleandro), una maestra de secundaria de Buenos Aires. La intervención de una abuela de la Plaza de Mayo espoleará la búsqueda de Alicia y pondrá sobre el tapete el trauma social de los desaparecidos en plena dictadura. Pero al margen de ello, “La historia oficial” es, sobretodo, una historia íntima, un magnífico drama sustentado en dos magníficos intérpretes que defenderán con uñas y dientes antagónicos principios.

Alicia enarbolará la bandera de la honestidad, de una perentoria e higiénica memoria histórica, cuestionándose -concretamente- el derecho a continuar ejerciendo de madre amparada en las tremendas injusticias cometidas por un régimen reaccionario e intolerante.

Afortunadamente Puenzo no se vale de moralinas ni timbres épicos, y defiende su propuesta a partir de un mero ejercicio de conciencia digno de encomio. “La historia oficial” es, en definitiva, una peli tan triste como hermosa, y esa acusada arritmia narrativa que se le atribuye queda suficientemente dispensada por un extraordinario guión y una banda sonora atinada y elegante como pocas.

Taylor

(ver vista para enlazar)

El polvoriento desierto de Las Vegas sustituye en esta ocasión al inmemorial Sinaí en un film que, como las superproducciones bíblicas de antaño, arrolla a a base de metraje, estrellas y talonario.

La peli de Scorsese no tan sólo recrea pormenorizadamente los entresijos cotidianos de un gran casino, sinó que además lo hace conectando entre sí un complejo entramado que se extiende más allá de esa mastodóntica máquina de hacer dinero: policía, políticos, magistrados, mafiosos... Y lo más cojonudo es que el bueno de Martín lo consigue sin que esa enmarañada amalgama de cofradías menoscaben en ningún momento el ritmo y el mordiente de un film enérgico, soberbio, redondo. La extensa galería de personajes no devalúa el lucimiento de la tríada protagonista, incidencia que corrobora la extraordinaria capacidad del neoyorquino a la hora de manejar historias corales e intimistas con idéntica destreza. Robert de Niro, Sharon Stone y Joe Pesci bordan sus papeles aportando su granito de arena en un desenlace apocalíptico, apabullante, despiadado.

“Casino” es, por descontado, una de las grandes pelis de mafiosos, pero no mi favorita. Tal vez porque el personaje de De Niro me resulta incómodamente distante y antipático y porque el putón verbenero que interpreta Sharon Stone me produce algo de grima. Ello no deteriora, por supuesto, la impecable resolución de su hechura, pero le araña algo de magia. La que le otorgaría 9 o 10 estrellitas. Joe Pesci, en cambio, construye un personaje repulsivamente encantador. Antológico.

Taylor

(ver vista para enlazar)

Pese a su arriesgadísimo planteamiento visual (Schnabel coloca durante gran parte del metraje la cámara desde el punto de vista de un tetrapléjico tuerto), la propuesta del neoyorkino satisface y convence por varias razones, pero sobre todo por su audacia y su enfoque despiadado, cínico y emotivo a la vez.

Porque, sí señores, está demostrado que es posible narrar un drama basado en hechos reales sin caer necesariamente en la servidumbre de la lagrimilla habitual o de la moralina de turno y sin que el resultado final atufe a telefilm de sobremesa.

La escafandra y la mariposa simbolizan el ‘yin’ y el ‘yang’ de un hombre aquejado de ‘síndrome de cautiverio’ que tuvo el valor de escribir un libro parpadeándole la historia letra a letra a su terapeuta particular sin derramar una lágrima de más ni una de menos. Con un par.

Adictos a la lagrimilla fácil, abstenerse.

Taylor

(ver vista para enlazar)

El principal problema de “Regreso al infierno” reside en que en ningún momento consigue dejar suficientemente claro su posicionamiento ideológico. La peli de Irwin Winkler arranca como un film bélico convencional, con sangre, disparos y explosiones a tutiplén. Aparentemente, un manifiesto ultraderechista más que divulga el infierno vivido por los valientes soldaditos norteamericanos en su misión de paz por territorio iraquí y sus consecuentes efectos postraumáticos.

Sin embargo, la irrupción de una camiseta con un lema mandando a tomar por culo a Bush supone un brusco golpe de timón que parece renunciar al típico discurso victimista para afrontar la denuncia a las reaccionarias y abusivas decisiones del gobierno yankee. Falsa alarma. Al final todo queda en agua de borrajas. Ni fú, ni fá. Ni chicha, ni limoná.

Las terribles secuelas físicas y psíquicas de un soldado superviviente y su incapacidad para adaptarse a una vida normal ya las habían reflejado magníficamente otras pelis como “El regreso” o “El cazador”.

“Regreso al infierno” resulta, por lo tanto, un ejercicio inútil.

Taylor

(ver vista para enlazar)