Tras la lectura de la novela "Ministry Of Fear" (1943), de Graham Greene, Fritz Lang concibe el proyecto de llevarla a la pantalla. La Paramount adquiere los derechos y encarga a Seton I. Miller ("El cisne negro", "Robín de los bosques"), un veterano profesional, la elaboración del guión. Luego contacta con Lang, que acepta la realización del film, pese a sus reticencias sobre el guión. El film forma parte de la tetralogía de Lang dedicada al cine antinazi. Rodada en los Paramount Studios, se estrena el 10-X-1944 (EEUU).

El film es una obra de cine negro, en la que los criminales son sustituidos por espías nazis de origen austriaco, que actúan en Londres desde 1941, como refugiados que ejercen diversas profesiones (librero, psiquiatra, pintora, etc.). Es también una obra de misterio e intriga, de trazos típicamente langianos, con personajes oscuros, opacos y ambiguos, de difícil identificación como ciudadanos normales o como peligrosos espías. El escenario general turbio y desconcertante, Lang lo potencia con la presencia de un héroe solitario e inseguro, marcado por un hecho desconocido del pasado, por su reclusión durante dos años en un centro psiquiátrico y por las dudas que mantiene en su interior sobre su propia cordura. A todo ello añade escenas espiritistas, confusiones y errores de los malvados, simulaciones de personalidad, paredes decoradas con máscaras siniestras (diablo), figuras humanas de mesa en posturas atormentadas, que contribuyen a crear una atmósfera de tensión, desconcierto y perversidad. El film en su último tercio deviene un relato de acción y un thriller de trazos hitchcocquianos, con atentados, persecuciones, reaparición de personajes presuntamente fallecidos. La acción tiene lugar en Lembridge y Londres, en 1944, en un momento álgido de la IIGM, cuando el Mal inspira miedos y temores comparables a los que derivan en la actualidad de amenazas terroristas y otras.

La música, de Victor Young y Miklos Rozsa (no acreditado), aporta una partitura de melodías efectistas, que suma disonancias y armonías y subraya con energía el clima enrarecido y opresivo del film. La fotografía, de Henry Sharp, en B/N, se sirve de encuadres asimétircos, ángulos inusuales y en ocasiones forzados y de un claroscuro de fuerte contraste, que recuerda las cintas alemanas de Lang. Se beneficia de una iluminación que acentúa los efectos expresionistas de luz y sombra. Incorpora secuencias de gran fuerza visual (sesión de espiritismo, visión desde una estancia sin luz de un orificio de bala en la puerta de salida). El vestuario, de Edith Head, luce con brillantez en la pantalla, de modo especial el de Ray Milland, que sale del asilo psiquiátrico vestido de riguroso estreno. La interpretación de éste, en el mejor momento de su carrera, es acertada y convincente en el papel de hombre desconcertado, acomplejado y perplejo. No es la mejor película de Lang, pero es una obra muy digna, con destellos de gran cine.

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Entre realizador y guionista/productor se dan fricciones a lo largo del rodaje y montaje, que Lang sortea con habilidad escurridiza y con su potente imaginación narrativa, salvo en la escena final. Ésta, breve y propia de una comedia, rompe la unidad estilística, formal y de fondo, del film. Lang pone de manifiesto su disconformidad con la imposición de un final feliz y con boda, que construye deliberadamente como un añadido de pegote y emplea para provocar una carcajada del público, de sutiles resonancias críticas y burlonas.

Miquel

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Primero de cuatro films realizados por Raoul Walsh sobre aventuras en el mar ("El pirata Barbanegra, 1952", "El mundo en sus manos, 1952" y "Los gavilanes del estrecho, 1953"). Se basa en las tres primeras novelas ("The Happy Return", "A Ship On The Line" y "Flying Colours") de Cecil S. Forester, según adaptación del mismo. Se rueda en exteriores de la Riviera francesa y de Villefranche-sur-Mer y en los Warner Firts National Studios (Inglaterra, RU). Producido por Gerry Mitchell, se estrena el 10-IV-1951 (RU).

La acción tiene lugar en el Pacífico, entre el Cabo de Hornos y un lugar próximo al istmo de Panamá, Plymouth, Londres, La Tete-de-Buch, el río Loira y el puerto fluvial de Nantes. Los hechos tienen lugar a lo largo de unos 12 meses, en 1807/08, después de la batalla de Trafalgar (1805), en el marco de la guerra de Inglaterra y Napoleón.

La película combina acción, aventuras, drama, romance, comedia y guerra. El relato está dividido a la manera clásica en introducción, tres actos y epílogo. Los primeros minutos del metraje se dedican a la presentación de los personajes y de su situación, mediante un encadenado de planos precisos y diversos que familiarizan al espectador con la tripulación. La acción se inicia con la llegada de la fragata Lydia al lugar de destino, sólo conocido por el capitán, seguida de una batalla con un galeón, primera batalla naval de Walsh, vibrante y visualmente muy atractiva. El film luce una grata sencillez narrativa, que se apoya en el uso de elipsis y sugerencias. Pocos realizadores han sabido decir tantas cosas con tan pocos fotogramas como Walsh en el film. Yuxtapone texturas narrativas diferentes, que dan ligereza al relato. Éste es el caso (no el único del film) de la última batalla, precedida de una secuencia dramática y seguida de un episodio en clave de comedia. Destaca el buen manejo del humor (apuestas sobre las previsiones del capitán, hizado de una dama a bordo, gritos de miedo de la sirvienta) y de la farsa (extravagancias grotescas de Alvarado). No descuida la épica de la historia y su grandeza: admiración de la tripulación por el capitán, su capacidad de sorprender al enemigo y su habilidad para concluir acciones relevantes. No faltan toques de humanidad: el capitán cocone a los miembros de la tripulación por su nombre, rechaza los castigos físicos, etc.

La música subraya el sentido de la acción, como el despliegue de las velas ("Main Tittle"), la ternura del bebé (melodía de caja de música), la próxima separación de los enamorados (bajos), su reencuentro (melodía romántica). La fotografía aporta momentos culminantes como el movimiento de cámara que acompaña la lectura por el capitán de la carta de su esposa, de la que muestra la butaca, el cuadro de bordar y el clavecín. La interpretación de Gregory Peck es austera y sobria, como corresponde al papel. La de Virginia Mayo es desenvuelta y seductora. El capitán Hornblower es un personaje de ficción literaria.

Miquel

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Producción de la RKO, en b/n, realizada por George Stevens ("Raíces profundas", 1953). Se basa en el relato breve "Portrait Of John Garnett", de Erwin Gelsey, adaptado al cine por Allan Scott y Howard Lindsay. Se rodó en Downtown y Union Station (LA) y en los Paramount Studios (Hollywood, LA), con un presupuesto estimado de 1 M dólares. Nominado a 2 Oscar, obtuvo uno (canción). El productor fue Pandor S. Berman y se estrenó el 4-IX-1936 (EEUU).

La acción tiene lugar en una pequeña ciudad americana y en NYC, en 1935/36, a lo largo de unos meses del invierno. Narra la historia de John "Lucky" Garnett (Fred Astaire), bailarín de conjunto. Distraído por los compañeros, llega tarde a su boda con Margaret Watson (Betty Furness). El padre de ésta le reta a que vuelva a pedir la mano de su hija cuando haya ganado la astronómica cantidad de 25.000 dólares. Para ello John se traslada a NYC, en compaía de su amigo Everett "Pop" Cardetti (Victor Moore), donde conoce a Penélope "Penny" Carroll (Ginger Rogers). John canta, baila, toca el piano, es delgado, algo caradura y siente inclinación por los juegos de azar. Pop es grueso, ingenuo, tramposo en el juego de cartas y bonachón.

La película combina musical, baile, canciones y humor. Los números de baile cuentan con una espléndida coreografía, de Hermes Pan, nominada al Oscar. El score musical es de Jerome Kern y las canciones, de éste y de Dorothy Fields (letra). Incluye un combinado de canciones de estilos muy variados (dramáticas, alegres, cómicas, etc.). El humor hace uso de enredos, malentendidos y otros recursos como la amable parodia de Stan Laurel por Lucky y la de Oliver Hardy por Pop, la crítica de la codicia de los ricos, las calamidades de los jugadores, los caprichos de empresarios, la vanidad intransigente del director de orquesta y el carácter contagioso de la risa. El relato, conducido con vigor por Stevens, evita la sensiblería y el empalago, y optimiza la fantasía con imaginación e ingenio. Es emocionante el homenaje al legendario Bill "Bojangles" Robinson, al que se añade un guiño cinéfilo dirigido a Al Jolson ("El cantor de jazz", 1927).

La música es variada, colorista, rítmica y vibrante. La fotografía, de David Abel ("Sombrero de copa", 1935) enmarca algunos números en espacios verticales y otros en espacios horizontales, se sirve de proyecciones de sombras sobre pantallas posteriores, usa ventanas de la arquitectura de Le Corbusier que ofrecen panorámicas amplias de NYC, travellins y zooms de aproximación desde lejos. Los decorados se inspiran en la moda del momento, de grandes manchas negras brillantes con breves contrastes blancos (vestuario, complementos de vestir, mobiliario, coches, marcos de espejos). La interpretación de la pareja protagonista aporta pulso, ritmo y brío. La dirección impone el sello serio, sólido y consistente de su personalidad.

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El repertorio de canciones se inicia con una bonita polka ("Pick Yourself Up"), a la que acompañan una canción dramática ("Never Gonna Dance"), una cómica ("Let's Call The Whole Thing Off"), una nostálgica ("Waltz In Swing Time"), un alegre foxtrot ("The Way You Look Tonight") y un homenaje a los viejos maestros ("Bojangles Of Harlem"), ganadora del Oscar. La fotografía sitúa en un espacio vertical el número de "Never Gonna Dance" y en un espacio horizontal el de "A Fine Romance". Hacia el final la risa se apodera de la pantalla.

Miquel

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Última obra de Bo Widerberg, en la que interviene como director, guionista y montador. Se rodó en exteriores de Malmoe (Suecia) y en plató. Obtuvo el Premio Especial del Jurado de Berlín y el Gran Premio de la Academia Europea de Cine. Fue nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa.

La acción tiene lugar en Malmoe, en 1943, a lo largo de un curso escolar. Narra la historia de Stig Santesson (Johan Widerberg), de 15 años, estudiante de último curso de primaria, que comparte con sus compañeros la curiosidad por el sexo. La nueva profesora Viola (Marika Lagercratz), de 37 años, le impresiona por su belleza. Invitado por ella, acude a su casa, donde inician una ardiente relación sexual, que le devuelve a ella la ilusión por la vida y le descubre a él la práctica del sexo. La progresiva maduración de Stig le aleja de Viola.

La película desarrolla una historia de sexo entre Stig y su profesora. Él busca iniciarse en la práctica del sexo a cargo de una mujer que le inspira confianza y seguridad. Ella desea aliviar la insatisfacción de un matrimonio con un alcohólico, que viaja demasiado y que presta más atención a Beethoven y Mahler que a ella. Stig descubre, además, la ingrata realidad de la vida de los mayores, en la que abundan decepciones, insatisfacciones, frustraciones y egoismos. De la mano de Kjell (Tomas von Bömsser), marido de Viola, que consiente los encuentros furtivos de la esposa, Stig descubre la belleza de la música clásica, especialmente la de Beethoven de última época (cuartetos y fugas) y de Mahler. La muerte del hermano mayor le hace descubrir la fragilidad de la vida y el dolor por la pérdida de su referente de infancia. Gracias a Lisbet (Karin Huldt), compañera de colegio, vive una experiencia de sexo con una muchacha de su edad, que le resulta muy satisfactoria y muy diferente de la que le ofrece Viola, presa de apetitos compulsivos. Una experiencia de sexo impuesto bajo amenazas completa su periplo iniciático y le abre las puertas de una joven madurez, en la que él va a ser el protagonista de sus propias decisiones.

La música ofrece fragmentos de Händel ("Lascia ch'io pianga", de la ópera "Rinaldo"), Bach ("Pasión según S. Mateo"), Beethoven (cuarteto de cuerdas nº 13), Mahler (sinfonía nº 5), Brhams ("Requiem"), a los que añade la canción de la época "Boogie Woogie Bugle Boy". La fotografía hace uso de magníficos claroscuros de fuerte contraste y gran belleza. La edición opta por la consición, en ocasiones lacónica, de las escenas y una hilación sin fundidos ni transiciones. El guión cuenta una historia centrada en el proceso de maduración afectiva de Stig. Las interpretaciones son correctas y convincentes. La dirección traslada al relato elementos autobiográficos llenos de calidez.

La película narra una interesante historia sobre la maduración emocional y afectiva de un adeolescente, que se contrapone a otra de descontrol y decadencia.

Miquel

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Singular película de cine negro, dirigida por Elia Kazan. Se rodó en exteriores de Nueva Orleans. Ganó un Oscar (argumento) y un premio internacional de Venecia (música). Producida por Sol C. Siegel, se estrenó el 12-VI-1950.

La acción tiene lugar en Nueva Orleans, en 1949, a lo largo de 48 horas, con un prólogo ocurrido unas horas antes. Narra la historia del teniente médico de la Armada, Clinton "Clint" Reed (Richard Widmark), miembro del Servicio de Salud Pública, que a primera hora de un día de descanso es llamado para un servicio urgente. Diagnostica que un marinero asesinado durante la noche padecía peste neumónica, muy contagiosa y mortal. Se hace necesario localizar y medicar a todas las personas que han estado en contacto con el fallecido (policías, forenses, auxiliares, etc.) y a quienes le han asesinado.

La película se desarrolla en términos de thriller por la amenaza que se cierne sobre la ciudad y el país, si los asesinos de Kochak no son detenidos antes de que propaguen la enfermedad. Dado el escepticismo de la policía y su reacción rutinaria, Clint toma la iniciativa de buscar personalmente a los asesinos. Los resultados iniciales convencen al capitán de la policía Tom Warren (Paul Douglas), que se une a él. De ese modo la policía persigue a tres malhechores, no para detenerlos, sino para evitar la propagación de una epidemia. La gravead de la situación, la falta de tiempo, la no colaboración del hampa, el contagio de la enfermedad a algunos allegados de los asesinos y la huída de éstos ante el despliegue oficial, crean una atmósfera de suspense e inquietud, que Kazan administra con maestría. Pese a las dificultades, perseguidores y perseguidos se aproximan en una secuencia de escenas de un dramatismo propio del mejor cine. El uso como extras de los habitantes del barrio francés de la ciudad y del entorno portuario confiere a la obra realismo y verosimilitud. Se añaden las ventajas del rodaje en exteriores reales del puerto y del barrio marinero. La relación entre Reed y Warren parte de la desconfianza y la crítica mutua, para alcanzar finalmente una gran amistad. Es la primera película importante que trata el subgénero de plagas, correspondiente al género de catástrofes.

La música, premiada en Venecia, es de factura jazzística. Anima las escenas domésticas de Reed y da forma a los ambientes lóbregos de los locales marineros. La fotografía ofrece imágenes de excelente composición y magnífico dibujo. Añade al espacio fílmico escenarios secundarios que dan profundidad de compo y enriquecen la acción con la juxtaposición de acciones contrapuestas. El guión desarrolla una historia singular, con excelentes diálogos. La interpretación de Widmark es soberbia y magnífico el debú en cine de Jack Palance. La dirección luce madurez y maestría.

Película de excelente pulso narrativo, en la que un médico persigue a una banda de delincuentes para evitar la propagación de una epidemia fatal.

Miquel

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