Atípica obra de Louis Malle, rodada en Francia y estrenada el 24-IX-1975. Ganó 2 Oscar (fotografía y sonido).

La acción tiene lugar en un país y en una época indefinidos, que se pueden situar en Francia en los primeros 70. Narra la historia de Lily (Cathryn Harrison), una muchacha joven, posiblemente casada y madre de un hijo varón de corta edad, que huye sola de su casa y de su ciudad, aterrorizada por la guerra mundial que enfrenta a hombres y mujeres. Encuentra refugio en una casa rural, aislada en una zona boscosa, donde vive una anciana que no se levanta de la cama (Therese Giehse), una chica que da el pecho a la anciana (Alexandra Stewart), un hermano mellizo de la chica que no habla (Joe Dallesandro), una quincena de niños y niñas que juegan con los cerdos, un unicornio, un ratón que habla, culebras y otros animales.

En la película aparecen animales mitológicos inexistentes (unicornio), flores que lloran, árboles que sangran, gallinas carnívoras, un ratón que habla, etc. El autor, a través de personajes extraños y de sus comportamientos absurdos, presenta una retahíla de preguntas, encaminadas a provocar la reflexión. La guerra mundial entre hombres y mujeres, plantea interrogantes sobre el sinsentido del machismo, la violencia doméstica, la marginación de la mujer en el trabajo y las variadas formas de explotación de que es víctima. Es absurda la guerra de la película, pero más absurdas son las guerras reales de género, que requieren la asunción universal de una cultura de igualdad. Las plantas no lloran y los árboles no sangran, pero ¿no sufre daño la flora por la contaminación creciente del planeta? Las ovejas simbolizan la mansedumbre y la sumisión al pastor que las cuida. Es ofensivamente absurdo que se amotinen contra él y le ahorquen, pero ¿no es más absurdo que los fuertes sometan y exploten a los débiles? Los niños y niñas que juegan y comen desnudos ¿no son el símbolo de la inocencia natural que la Humanidad ha perdido? El encuadre en el que se muestran de cara más de doscientos pavos y una cifra similar de ovejas, ante la fachada de la casa ¿no es una sonora mofa de la estupidez y la soberbia humana? La imagen, de pose, forma parte de la historia gráfica del cine.

La música, escasa, incluye fragmentos del acto II de "Tristán e Isolda" (Wagner), canciones del coro infantil de Radio France y solos de piano. La fotografía ofrece una brillante narración visual, de estética realista. Sven Nykvist manifestó que éste era uno de los trabajos de los que se sentía más orgulloso (obtuvo un Oscar). El guión desborda fantasía, imaginación y sentido del humor. La interpretación es muy correcta. Destaca Therese Giehse, en su papel de despedida del cine. La dirección construye una obra insólita y compleja, que sorprende y, en ocasiones, desconcierta.

La película glosa los absurdos de la vida e invita a la reflexión, la autocrítica y la cordura. Imprescindible para cinéfilos.

Miquel

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Film independiente, realizado por Anthony Harvey. Se basa en la obra de teatro "The Lion In Winter", de James Goldman, adaptada por él. Se rodó en Francia (Abadía de Montmajour y Castillo de Tarascón), Irlanda, Gales (RU) y en los Admore Studios (Irlanda). Nominado a 7 Oscar, ganó 3 (actriz, guión y música). Obtuvo otros 11 pemios. Producida por Martin Poll, se estrenó el 30-X-1968 (EEUU) y el 29-XII-1968 (RU).

La acción tiene lugar en el Castillo de Chinon (Arlés, Francia), residencia habitual de Enrique II (Peter O'Toole), en la Navidad de 1183. El rey convoca a su esposa Leonor de Aquitania (Katharine Hepburn), los tres hijos de ambos (Ricardo, Geofredo y Juan), su amante Alais (Jane Merrow) y Felipe II de Francia (Timothy Dalton), de 17 años, hermanastro de Alais. El motivo de la reunión es debatir sobre el nombramiento de un nuevo heredero, condición a la que aspiran los 3 hermanos. Ricardo (Anthony Hopkins), de 25, es colérico, ambicioso, inteligente y ha vivido algunas experiencias homosexuales. Geofredo, de 20, es manipulador y bribón. Juan, de 16, cargado de espaldas, indeciso y lento de reflejos, es el preferido del padre.

La película muestra el ambiente opresivo de reproches, traiciones, envidias, celos, odios, engaños y deslealtades, que envuelven la vida de la familia durante la reunión. La madre apoya la candidatura de Ricardo (porque le devolverá libertad y rango) y desea una resolución rápida del tema (que aleje a Alais de Enrique). El rey dice que prefiere a su hijo menor, John, pero amaga sus intenciones con mentiras. Felipe, los 3 hermanos y la reina urden una conspiración contra Enrique sin contar con la capacidad de reacción de éste y su astucia. La acción se sustenta en la complacencia del rey en ver cómo sus hijos luchan por ambición. Le gusta que sean aguerridos y despiadados. El rey juega con la ventaja de su poder y experiencia, superior inteligencia, capacidad de sorpresa y sentido lúdico. En el trasfondo del drama se hallan dos hechos: el Reino de Enrique II es el más grande y poderoso del mundo y es firme el propósito del rey de no dividirlo entre los hijos (como hiciera el rey Lear). En el curso del debate/disputa/juego el rey engaña y zahiere a los suyos, mientras a su vez es vícitma de los dardos que éstos concentran sobre sus puntos débiles: el recuerdo de su antigua amante, Rosamunda Clifford, y sus remordiemientos por el asesinato de Thomas Becket.

La música ofrece una partitura de orquesta y coros, que evoca las melodías del s XII, con formas solemnes, tonos religiosos, aires dramáticos y ribetes fúnebres. La fotografía mueve la cámara con decisión y energía, construye largos travellings y zooms de produndidad y se sitúa con gran precisión. Hace uso preferente de los dorados, ocres y marrones. Pese a las referencias históricas, el relato es de ficción: en 1183 no hubo consejo en Chinon. Las interpretaciones de O'Toole y Hepburn son magníficas. Debutan con mérito Anthony Hopkins y Timothy Dalton.

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Leonor de Aquitania está retenida, desde hace 10 años, en el Castillo de Salisbury por haber apoyado la revuelta contra el rey de 1713/14. El papel supuso para Katharine Hepburn su tercer Oscar.

El rey llevaba 29 años en el trono y acababa de cumplir 50. Leonor tenía 61 años y deseaba sobre todo recuperar la libertad.

El final del film aplaza la decisión sobre el nombramiento del heredero para una reunión posterior.

De hecho, a la muerte (1189) de Enrique II, le sucedió su hijo Ricardo I "Corazón de león". A la muerte de éste (1199) subió al trono su hermano Juan I "Sin tierra".

Miquel

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Superproducción de gran presupuesto, dirigida por Spielberg. Se rodó en China y algunas escenas, en Trebujena (Andalucía). Se inspira en la novela autobiográfica (1984) de James Graham Ballard.

La acción comienza en Shanghai poco antes de la invasión japonesa del 8-XII-1941 y continúa en el campo de concentración de Shoo Chaw para civiles británicos. Narra la historia de Jim (Christian Bale), un muchacho de 11 años, separado de los padres, confinado durante casi 4 años en un campo de concentración, donde vive el tránsito de la infancia a la adolescencia, hasta que es acogido por la Cruz Roja.

La película muestra el dolor de los prisioneros, sus penalidades e incertidumbres, su incomunicación, el escaso espacio vital, la insuficiencia de alimentos y medicinas y el trato vejatorio que soportan. Jim, a lo largo de su reclusión, desarrolla una actividad febril: atiende a pequeños y mayores, toma clases, intercanvia objetos, cumple recados y sueña con aviones. Entabla amistad con un personaje singular, Basie (John Malkovich), líder de un grupo de pilotos norteamericanos, que estimula su curiosidad y su fantasía. La narración se presenta desde la mirada inocente de Jim. Hacia el final, cumplidos los 15 años, su capacidad de comprensión le vuelve más cauto y menos espontáneo. La obra hace un elogio apasionado de la infancia, puesta a prueba en situaciones extremas. Sus andanzas, correrías, peripecias y ocurrencias, aportan encanto y simpatía. Son escenas destacadas las de la multitud aterrada por la invasión japonesa, la separación de los padres, la marcha a través de una ciénaga a la captura de un faisán con peligro de la vida.

La música comienza con el tema "Suo Gan", cantado por un coro de voces blancas, y concluye con el "Exultate iusti", de Ludovico Grossi da Viadana. Añade temas originales, como "Cadillac of the Skies" y "Toy Planes, Home and Heart", que reiteran el motivo principal. La orquesta (viento, prcusión y cuerdas) se complementa con solos de piano y de flautas orientales. La fotografía hace gala de los recursos más gratos al director: contraluces, primerísimos planos, contrapicados, travellings espectaculares y movimiento de multitudes. Destaca los puntos de mayor atención del niño: el avión de juguete, la bicicleta, los aviones japoneses. El guión desarrolla la acción a un ritmo intenso, similar al de la vida de Jim. La interpretación de Christian Bale, en su debú en cine, es acertada, natural y desenvuelta. Le abrió las puertas de una nueva interpretación casi inmediata. Malkovich borda un papel singular y difícil. La dirección cnstruye una obra próxima a la perfección formal, que complace y deleita, aunque queda algo corta de emoción y fascinación.

La película no consiguió el éxito de púbico previsto y pasó al conjunto de obras olvidadas, pese a su indudable interés. Tratan el tema de la infancia y la guerra obras memorables como "Los ángeles perdidos" (1948) y "La vida es bella" (1998).

Miquel

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Entretenida película de aventuras, narrada con el pulso firme y hábil del veterano Raoul Walsh, especialista del género. La historia se inspira en la novela "The World In His Arms" (1946), la última de Rex E. Beach. La acción se desarrolla entre San Francisco y Alaska (antes de su adquisición por los EEUU en 1867). Esboza una explicación ajustada, aunque simplificada e incompleta, de los motivos que llevaron a los rusos a vender sus territorios americanos y a los americanos a comprarlos por 10 millones de dólares.

La música, de Frank Skinner, aporta fragmentos variados de baile, melodías festivas, pasajes que subrayan la acción, insertos cómicos y secuencias épicas y solemnes, como el "Main Tittle" y el "End Tittle". La fotografía, de Rusell Metty, desarrolla un relato visual vibrante, con escenas trepidantes de peleas, broncas colectivas, persecuciones en tierra y en el mar, que combina con imágenes documentalistas (playas de focas), escenas idílicas, de amor y desamor, contraluces emotivos, encuadres subjetivos picados y tomas contrapicadas, etc., montadas con notable acierto. Presta especial atención a las labores del mar, la navegación, el esfuerzo de los marinos, la belleza de las embarcaciones de mediados del XIX, a las que rinde testimonio de simpatía y admiración. Se beneficia de una adecuada y colorista recreación del vestuario y de los ambientes de época.

El humor se hace presente a través de dos personajes muy diferentes: el fiel esquimal y el pícaro y bribón portugués, aficionado a lo ajeno. Este crea los lances más divertidos y entrañables, a los que se añaden ocurrencias de guión, en algunos casos inespedas y sorprendentes (los tres rusos irlandeses). No faltan algunos apuntes patrioteros, junto a una clara apuesta por la igualdad de nacionalidades y etnias diferentes (rusos, chinos, esquimales, irlandeses, etc.), que conforman una enriquecedora sociedad plural como la americana. El realizador, en beneficio de la ironía y la farsa, contrapone el rigorismo anacrónico de la antigua aristocracia (en este caso la rusa) y el moderno informalismo de la próspera burguesía americana.

Es notable la interpretación de Peck, bien acompañado de Anthony Quinn y John McIntire. Ann Blyth cumple correctamente su cometido en un papel definido de acuerdo con los postulados del momento, muy propios del cine de Hollywood de los primeros años 50. Tal vez por ello recuerda las formas y el fondo de la interpretación de Janet Leigh en "Scaramouche" (1952).

La película está dotada de un acertado y absorbente sentido de la ventura, basado en la buena mano del realizador y su excelente manejo de los recursos dramáticos. La obra es entretenida y, en nuestra opinión, de gran interés. Es memorable la secuencia de la persecución de los dos veleros en el mar.

Miquel

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Primera película de una serie de 6, protagonizada por William Powel y Myrna Loy. W.S. Van Dyke propuso la pareja a la Metro, tras la actuación a sus órdenes en "Manhattan Melodrama" (1934). Rodada en estudio en 12 días, con un presupuesto de 231.000 $, se basa en la novela "The Thin Man", de Dashiell Hammett. Pensada como obra menor, de serie B, obtuvo 4 nominaciones a los Oscar (película, director, actor principal y guión adaptado).

La acción tiene lugar en NY en 1932/3. Narra la historia de una pareja formada por un antiguo detective, Nick Charles (William Powell), retirado tras su matrimonio con la rica, joven y atractiva Nora (Myrna Loy). Cuando se produce la desaparición de un inventor, la esposa trata de convencer al marido para que se implique en la investigación, pese a su reiterada negativa. La película consagró la pareja y la elevó al estrellato gracias a la extraordinaria química que la unía en la pantalla y al éxito de la obra. Powell se convirtió en figura emblemática de detective elegante, refinado, inteligente y eficaz. Las relaciones internas del matrimonio se caracterizan por sus diálogos irónicos, chispeantes y mordaces, y por su trato atrevido, burlón y chocante, del todo exento de sensiblería y cursilería. El amor excéntrico de la pareja, lleno de sinceridad y confianza, convenció y agradó al público, que lo convirtió en prototipo ideal a imitar. La acción se desarrolla en términos de comedia envuelta en un misterio creciente, que se mantiene hasta el final. La obra está llena de ironía y comicidad, que se desarrolla con ingeio, agudeza, talento y lucidez. Añaden comicidad algunos personajes estrafalarios: el hermano de Dorothy, el invitado grandullón y borrachín que quiere hablar por teléfono con su madre, el inspector de policía que encaja los hechos y los indicios con portentosa incongruencia, la afición exageradamente desmedida de la pareja a los martinis, whiskys y cócteles. La sobriedad y elegancia del decorado y los modelos de Myrna Loy y Maureen O'Hara (de 22 años) enriquecen la obra con belleza y distinción.

La música ocupa una posición de suave y sutil acompañamiento. Interpreta ritmos y melodías de moda en 1932/3. La fotografía, del chinoamericano James Wong Howe ("Yankee Dandy"), presenta combinaciones de luz, claroscuros, contrastes de color y proyección de sombras, que anticipan la estética visual del cine negro americano. El guión está escrito con desbordante originalidad, inventiva e imaginción. Basa la comicidad en la ironía y el realismo: evita el recurso al surrealismo y al absurdo. La interpretación de Powell, Loy y la irlandesa O'Hara, brillan a gran altura. La dirección realiza una labor magnífica de puesta en escena, movimiento y caracterización de actores.

Película deliciosa, entretenida y convincente, que aúna un excelente guión, una gran interpretación, una fotografía innovadora y una dirección sobresaliente.

Miquel

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