De la mano del director Taylor Hackford, llega a nuestras pantallas una nueva película biográfica o biopic, que se suma al reciente acercamiento a Alejandro Magno de Oliver Stone o a la visión de la vida de Howard Hughes por Scorsese. En este caso nos encontramos con la biografía de un personaje bien diferente, que vivió hasta hace pocos meses; una estrella de la música con una vida turbia, llena de drogas e infidelidades. Este tipo de retratos, dedicados a músicos, han contado con pocos exponentes y además, de calidad más que discutible.
Y lo cierto es que esta película, a pesar de ciertos aspectos positivos, tampoco pasará a la historia por ser una obra maestra. Hackford es un gran aficionado a la música, y parece ser que lleva muchos años haciendo cine que en realidad tampoco le motiva mucho para poder afrontar proyectos como éste. Y viendo los resultados en taquilla de esta cinta en Estados Unidos, seguramente podrá seguir dedicándose a realizar su cine predilecto. Pero el éxito de esta película no se debe a sus dotes de realizador, es más, éstas quedan al descubierto y se muestran como bastantes escasas. En muchos momentos da la sensación de estar viendo un telefilme. No hay ánimo de resultar muy innovador, pero tampoco clásico; lo cierto es que sencillamente no hay ningún estilo de realización en el film. Simplemente se dedica Hackford a sacar adelante la cosa con la mayor efectividad posible y lo consigue por los actores, el interés del personaje y la majestuosa música. Encima, hay un cierto efectismo en algunos momentos (los flashbacks, principalmente) y de vez en cuando aparecen unos discos como sobre impresionados en la pantalla sin venir muy a cuento.
El gran hallazgo, (y está siendo reconocido por doquier), es el actor protagonista. Jaime Foxx, que, hasta la fantástica Collateral, estaba considerado como un actor mediocre. Foxx no actúa de una forma usual, no hace de Ray Charles, es Ray Charles. Su actuación es inapelable y a ella hay que sumar la de Sharon Warren, en el papel de la madre del Charles niño.
Pero si hay algo espectacular en esta película es la música. Pocas veces he pasado dos horas y media en una sala de cine sin poder parar de mover los pies. Las melodías suenan llenas de alma, con una categoría fuera de lo común. Y es una lástima que la oscura vida de este genio indiscutible no haya tenido una mejor adaptación y se haya tenido que conformar con una película que cuenta más cosas en los últimos diez minutos que en toda su parte central.

Antonio Blovk

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Pocas veces en la historia del cine la obra de un novelista se ha encontrado con la mejor gente posible para adaptarla a la pantalla. Este es uno de esos pocos casos. El texto seco, duro, decepcionado y contundente del premio Pulitzer Cormac McCarthy es trasladado con extrema fidelidad por los hermanos Coen, virtuosos narradores desde hace más de veinte años de las realidades americanas. Hay quien puede acusarles de falta de creatividad fílmica, pero se equivoca. Al mantener intactos los aspectos primordiales de la novela de McCarthy los realizadores han conseguido una obra de una tremenda solidez, que huye de la exagerada expresividad propia de estos tiempo. Además, entronca perfectamente con el imaginario de gran parte de su filmografía anterior, aquel que pasa por su ópera prima Sangre Fácil o por la mítica Fargo.

Apoyándose en su propia labor como montadores (bajo el seudónimo de Roderick Jaynes) y en la excelente fotografía de Roger Deakins, recuperan míticos espacios cinematográficos (el oeste o la frontera con México) pero reconvertido en un territorio terrorífico y anárquico a principios de los 80. Destaca la capacidad de los realizadores para crear por momentos un clima de verdadero cine de terror, algo que ya lograron en su momento en la ya mencionada Sangre Fácil. A la construcción de esa atmósfera de horror contribuye en gran medida la asombrosa interpretación de Javier Bardem, de la que es difícil añadir algo a estas alturas. Convertido en un nuevo Terminator de carne y hueso, su personaje impacta más que el de la saga de James Cameron por ser mucho más humano y a la vez fantasmal. Pero sería un error mencionar solo su interpretación. Junto a él, Tommy Lee Jones (soberbio, una vez más), Josh Brolin y un fugaz pero certero Woody Harrelson dan forma a un reparto de altura.

Estamos ante un film de insondable valía, probablemente uno de los mejores que se han visto en los últimos años en una sala de cine. Y que además deja hueco para la reflexión. Y esta se produce sobre toda la historia de una nación, construida en la violencia, y atrapada en la codicia y en una acuciante falta de respeto entre sus gentes. Ya en la apesadumbrada novela de McCarthy la falta de fe en el país y en lo que representa para sus propios ciudadanos y para el mundo se convierte en el objeto principal (y no se debe olvidar que es una obra de reciente escritura, aún estando ambientada hace treinta años). Y es cierto que esto ha sido ya tratado en infinidad de ocasiones, pero nunca en una película tan sólida y perfecta como esta, convertida instantáneamente en un clásico del cine.

Antonio Blovk

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El cine, pseudoreflejo de la realidad, avanza con ella, se apoya en ella, en su estado mental, en el orden de las cosas. En el caso que nos ocupa, nos encontramos con un Nueva York post-11S en el que el caos, el miedo y la desconfianza son los sentimientos que se imponen. Por otra parte, las películas se adscriben a una segunda realidad, la tecnológica. Así, Monstruoso toma como referencia expresiva la tremenda presencia de las grabaciones en vídeo en la vida contemporánea, gracias a fenómenos de Internet como Youtube. A esto hay que sumar una peculiar pero eficaz campaña publicitaria, también orquestada mayoritariamente en la red de redes. Detrás de este derroche de sabiduría posmoderna nos encontramos a J. J. Abrams, una de las mentes más pensantes del momento, conocido sobre todo por estar detrás de series como Alias o la excitante Perdidos.

Abrams cede las riendas en la dirección a un hombre de su confianza como es Matt Reeves, quien lleva a cabo una labor que puede parecer sencilla pero que al ser tan insólita tiene su grado de dificultad. La grabación en vídeo de la invasión de la ciudad de los rascacielos por un monstruo gigantesco (en un homenaje al Kaigu Eiga japonés) se convierte en un ejercicio narrativo de mayor magnitud de lo esperado. Y es que, soterrada bajo los efectos especiales y el caos de gritos y explosiones, lo que en el fondo subyace es una historia de amor imposible, no especialmente original pero tan válida como cualquier otra. De esta forma, la cámara en realidad no pretende reflejar en primer plano a una ciudad en jaque, incapaz de defenderse de un ataque duro e incomprensible (con las connotaciones políticas que ello tendría) sino que se limita a seguir al héroe que intenta rescatar a la chica tal y como se socorría a las princesas en los cuentos de hace dos siglos.

Estamos ante una obra de una mayor magnitud de la que en principio pueda parecer. La película toma una base narrativa clásica y la subvierte mediante una sustancia expresiva actual, que es llevada al paroxismo y la exageración. Se olvidan conceptos como la estructura de guión, la verosimilitud o la brillantez interpretativa en busca del efecto. Y este sin duda se logra, aunque quizá es empequeñecido por el recuerdo de la reciente y también excelente REC (aunque esta se limitaba a ser una obra de género).En definitiva estamos ante un producto que no debemos desdeñar ya que ante todo es fruto de su tiempo, de la realidad y los medios que tenemos, nos gusten o no.

Antonio Blovk

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