Críticas de: Maldito Bastardo

Maldito Bastardo

Edgar Wright apretó el gatillo de la parodia más inteligente en el 2004 con “Zombies Party”. Apuntaba directamente a Romero pero su estilo de dirección y montaje se encaminaba claramente a Guy Ritchie. Era toda una brillante caricatura, que pocos pudimos disfrutar en pantalla grande en las escasas semanas que permaneció en cartel, y pese a su fallido y desinflado final que la hacía perder enteros quedaba una cinta con algunas recordables secuencias que cumplía su objetivo: hacer una inteligente parodia de un filme de zombis.

Y “Hot Fuzz” es la confirmación de Wright, tanto de crítica y público estadounidense, como hábil parodiador de géneros.
Esta vez toca las ‘buddie movies’ de acción y policías y siguen intactas las señas de identidad de su cine: montaje ágil y endiablo, repiten Simon Pegg, Nick Frost y Bill Nighy y la copia cómica se realiza sobre el homenaje evitando la senda de David Zucker o Keenen Ivory Wayans.

Buscar todas sus referencias es fácil si has visto o padecido “Le llaman Bodhi”, “Arma letal” o “Dos policías rebeldes”. Divertirse es más sencillo porque resulta imposible no reírse y disfrutar con una película que lleva el género de parodias a otro terreno al convertirse en lo que debería ser una película de acción: atractiva, dinámica, sorprendente, adictiva, entretenida y divertida.

Además, el tándem Wright/Pegg se reserva para el final un desenlace friqui, inteligente y espectacular, en un western moderno inédito, que provocará que a partir de este momento sea imposible tomarse en serio cualquier película de acción.

Tener escritor y no tener guionista.
Tener a Brian de Palma y no tener a un director que haga suyo el proyecto.
Tener cortinillas en el montaje y no tener ritmo.
Tener ambientación y no tener atmósfera.
Tener recreación de la época y no tener espectáculo.
Tener voz en off y no tener nada interesante que contar.
Tener a Josh Hartnett y no tener protagonista.
Tener a Hilary Swank y no tener una auténtica femme fatale.
Tener a Scarlett Johansson y no tener nada que se parezca al sex appeal.
Tener varias intrigas y no tener intensidad ninguna de ellas.
Tener frialdad para relatar los hechos y no tener ninguno de ellos consecución.
Tener $60 millones de presupuesto y no tener ni $25 millones en el box office.
Tener una película y no tener una buena película.
Tener “L.A. Confidencial” y no tener nada que se parezca.

Y yo me pregunto:

1) ¿Nadie coloca un cartel en las casas encantadas del tipo: ‘No entrar: casa chunga de la muerte’?

2) ¿Nadie avisa a los nuevos inquilinos que se rumorea que allí ocurrió algo muy pero que muy malo?

3) ¿Por qué los fantasmas son tan pesados y rencorosos?

4) ¿Por qué los fantasmas tienen que dar el mismo susto (pasada por atrás a toda hostia o agarrado-que-te-pillo) cuatrocientas veces?

5) ¿Por qué a cada susto le acompaña una subida de volumen en la música capaz de reventar los tímpanos y encoger los genitales? ¿Es que no funciona si no se aturde al espectador con una lluvia de decibelios?

6) ¿Qué hacen los fantasmas cuando están solos en casa? ¿Se ponen a ver “Casper”, “Beetlejuice “, “Poltergeist”, “Al final de la escalera” y “El sexto sentido” entre otras para aprender nuevos trucos? ¿Ven telebasura y se interesan por los famosos (muertos o no)?

7) ¿Hacen pólizas de seguros a casas encantadas?

8) ¿Hacen cursos los protagonistas de este tipo de películas para ser tan gañanes?

9) ¿Por qué los guionistas piensan que pueden engañar al espectador con un giro final ultra-requete-previsible que se esperaba hasta el apuntador?

10) Ya que ocho de cada nueve casas en EEUU están encantadas, ¿por qué ‘Los cazafantasmas’ y Zelda Rubinstein no forman una empresa para erradicar molestos ectoplasmas y nos libran de una puñetera vez de esta plaga de películas mediocres que cuentan lo mismo con diferentes nombres?

Tal vez sea el menos indicado para escribir sobre la miopía lacerante de los reputados ‘críticos’ enviados por sus respectivos periódicos, los más importantes de nuestro país, como corresponsales-cronistas a los festivales internaciones más significativos (Cannes, Venecia y Berlín). Me explico: Apichatpong Weerasethakul o Tsai Ming-liang me aburren por normal general salvo cuando se ponen bizarros, musicales y más inclasificables que de costumbre (“The Adventures of Iron Pussy”, “El sabor de la sandía”, “Good Bye, Dragon Inn” o “The Hole”) y pese admirar la valentía de las novedades cinematográficas que suelen verse en los mencionados festivales, las propuestas me suelen resultar fallidas y/o tediosas.

Se debe respetar sus opiniones, como debe existir la libertad (y últimamente desaparecida variedad en estos medios) de prensa, pero otro punto y aparte debe ser la labor informativa y sus obligaciones remuneradas, ya que independientemente de su sarcasmo, mala leche y agradecida ironía sus funciones se limitan a cubrir un festival. Y aquí aparece el kit de la cuestión: tanto Oti Rodríguez Marchante, Carlos Boyero o Enric González, aparte de fusilar los trabajos de Weerasethakul, Ming-liang, Lynch o Johnnie To, no acudieron a visionar la película que sería el León de Oro del Festival de Venecia 2006, “Still Life”, del más que confirmado maestro Jia Zhangke.

Lo que es extraño que un cineasta como Zhangke, el más imprescindible de los realizadores de la Sexta generación del cine chino, no haya creado una expectación previa en nuestros cronistas como al resto de prensa especializada (internacional o no) y numerosos cinéfilos. Algo desolador y prácticamente impensable teniendo en cuenta que Zhangke es un director totalmente consolidado en el panorama actual: para algunos ya en su debut, “Xiao Wu” (1997), para otros en “Platform” (2000) y para el que escribe en “Unknown Pleasures” y su posterior y magnífica “The World” (2004).

Y “Still Life” supone una nueva confirmación de un cineasta, cada vez más estilizado, que busca el retrato vivo de los cambios contundentes de un gigante, abierto al capitalismo y cerrado a la democracia, llamado China. Un país que realiza equilibrismos sin red y cuyas transformaciones pasan por ‘engullir’ a los habitantes de una región para construir una mastodóntica presa que impulse su crecimiento.

En ese retrato de cambios, Zhangke, sigue casi de manera documental, con añadidos originales más propicios del cine fantástico, las historias paralelas de dos búsquedas sobre un inestable e incierto futuro.
La naturaleza inerte, muerta. El amor y el pasado han fallecido en ese nuevo mundo virtual sin cimientos.
Todo se desmorona, los edificios vuelan, caen en pedazos, se desploman junto a las vidas y el pasado de sus protagonistas dejando la sensación, por un instante en el espectador, que está presenciando un cine que no parece hecho en este mundo.

La “pobre” y delfina austriaca con sólo catorce años es sacada de su reino para cruzar la frontera con Francia y no volver jamás. Esa joven virginal (vestida impecablemente de blanco), que es recibida por los franceses (con atuendos de tonos oscuros), es desnudada al completo. Los franceses no quieren ni sus limpias bragas trabajadas a mano en Viena. Tan sólo la quieren a ella. Y lo peor de todo: tendrá que abandonar lo que más quiere en este mundo, su perrito Mobs.

Con un inicio tan fashion, snob y arrebatado como el del biopic de María Antonieta (pronúnciese en ‘ferpecto’ francés Marie-Antoinette) y sus anacronismos musicales ya anunciados desde sus títulos de crédito, uno tiene dos opciones (o tres para los sadomasoquistas): huir antes de que cierren las tiendas o quedarse a disfrutar del espectáculo.

Aunque uno de los puntos criticables es la banda sonora (con exquisito gusto por cierto) encaja perfectamente en el anacronismo que nos brinda Sofia Coppola.
Si Rian Johnson llevó el cine negro a la high school (“Brick”), la hija del director de “El padrino” va a trasladar el universo hedonista teen al mundo de la nobleza versallesca.

Marie-Antoinette no es más que la chica nueva del instituto que viene con recomendación. Y de la buena, vamos, que tiene comprado ya el premio de la reina del baile de manera vitalicia. No faltará su club de fans en forma de “animadoras” que ayudarán en todo lo posible, la mala malísima con la que no congeniará (Madame du Barry) y que encima tiene un affaire con el director (Luis XV). Y por supuesto tiene que existir ese oscuro objeto impuesto del deseo (Luis XVI), que estará más ocupado haciendo llaves que de darle “mimos” a su nueva novia consorte.

Con este plantel y la pasarela interminable de modelos, zapatos y pasteles sólo se puede sentir admiración o detestar todo que nos muestra la Coppola.
Yo me quedo a medias: algunas veces sus imágenes y puesta en escena respaldada con esa amalgama sonora me resultan hipnóticas y fascinantes y otras creo estar presenciando un anuncio fashion de champán rodado en Versalles con ropa de época.

Aunque algo tendrá esta mujer cuando causa tanta expectación y odio a partes iguales. Cuando los aplausos se funden con los pitidos. Cannes puede dar fe.
De lo que puede dar fe un servidor es que la recta final es simplemente asombrosa. Pocas veces en el cine moderno se han contado tantas cosas con tres secuencias, dos elipsis y un cambio de cuadro. Es donde todo el “anuncio” sobre la decadencia hedonista de un reino pagada con dinero público cobra sentido y la propuesta visual/sonora no resulta en absoluto vacua y olvidable.
Otros directores dirigirían su mirada a la guillotina, Sofia Coppola es coherente con todo lo que ha contado anteriormente y prefiere otro tipo de “despedida” para la reina del baile o "madame déficit", aunque le faltó decir eso de “¡Qué me quiten lo bailao!”.