Cuarto largo de Billy Wilder, tercero realizado en EEUU. Adapta al cine la novela "Three of Kind" (1935), de James M. Caine, basada en hechos reales. Se rodó en LA y en los Paramount Studios (California), con un presupuesto estimado de 1 M dólares. Producida por Joseph Sistrom, se estrenó el 6-IX-1944.

La acción tiene lugar en LA entre finales de mayo y el 16 de julio de 1938. Narra la historia de Walter Neff (Fred MacMurray), vendedor de seguros, de 35 años, soltero, reservado y débil de crácter. Al visitar a un cliente, el Sr. Dietrichson, para renovar la póliza del seguro de sus coches, conoce a su esposa, Phyllis Nirdlinger (Barbara Stanwyck), sensual, atractiva y seductora, que despierta en él gran interés. Al amparo de este suceso, ella trata de seducirlo para convertirlo en cómplice de un plan que los conducirá a la perdición.

La película enfrenta a un hombre honrado, pero débil, con una mujer fuerte, sin escrúpulos, que aprovecha su atractivo personal para engañarlo, manipularlo y utilizarlo despiadadamente. Es destacable la sordidez de la historia, centrada en la ejecución de un crimen con premeditación, frialdad, desprecio por la vida humana, codicia y alevosía. Barbara Stanwyck interpreta la figura de una de las más pérfidas "mujeres fatales" del cine. Entre los dos personajes se establece una insana relación de amor y odio, dominio y sumisión, atracción y repulsión, que se ve corroída por las sospechas cruzadas de infidelidad, de Neff con Lola Dietrichson (Joan Hearther) y de Phyllis con Nino Zachetti (Byron Barr). Se añaden las sospechas de crímenes pasados, de planes de nuevos crímenes y la aparición de deseos mutuos de venganza. El investigador Barton Keyes (Edward G. Robinson), mientras avanza en su investigación implacable, hace que salga a la superficie un mundo escalofriante de bajas pasiones. La obra está narrada en forma de confesión, que relata los hechos en "flashback". El espectador queda con la sensación de que los verdaderos motivos que mueven el comportamiento perverso de los dos protagonistas no quedan explicados de modo justo y cabal. Posiblemente, de esta sensación se deriva uno de los atractivos más poderosos del film.

La música, de Miklós Rózsa, aporta intensidad, estridencias y disonancias, sumamente adecuadas. La fotografía, de John Seitz ("Días sin huella", 1945) se inspira en obras del expresionismo alemán, como "M, el vampiro de Dusseldorf" (1931), de Lang. Crea ambientes oscuros y tenebrosos, de fuerza inmensa. La interpretación de Stanwyck es extraordinaria en el que posiblemente es el mejor papel de su carrera. Excelentes son las intervenciones de MacMurray y Edward G. Robinson. A destacar la intervención del español, afincado en Hollywood, Fortunio Bonanova en el papel de Sam Garlopis. La dirección crea una de las obras culminantes del género negro.

Película magistral, arquetipo de cine negro, que sitúa en la secuencia final una sobrecogedora confesión de amor entre dos hombres.

Miquel

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Nueva película de Jim Jarmush, tras seis años de pausa. Rodada en estudio, salvo fragmentos, contó con un resupuesto modesto. Obtuvo el Gran Premio del Jurado de Cannes.

La acción tiene lugar en 2003/4, en localizaciones no definidas de EEUU. Narra la historia de un hombre soltero, Don Jonston (Bill Murray), acomodado, de 55 años, sin compromisos y sin amistades, tras una agitada vida de conquistador y donjuán. Después de una fría despedida de su último amor fugaz, Sherry (Julie Delpy), mientras ve en la tele un film sobre las aventuras galantes de don Juan, recibe una carta cerrada en sobre rosa y escrita con una vieja máquina con cinta roja, de una antigua amante anónima, que le anuncia la posible visita del hijo de ambos, de 19 años. Al hilo de la narración, el autor presenta varios cuadros. El personaje de Don, abandonado, marginado con dinero, sin vida afectiva, profundamente fatigado, se enfrenta a un porvenir vacío y sin alicientes. De ahí su postración y abatimiento, que dibujan un primer cuadro irónico y patético, cómico y dramático. El viaje que emprende en busca del hijo, por consejo de Winston (Jeffrey Wright), le lleva a recuperar la memoria de su pasado y a reencontrarse con él mismo y con sus antiguas novias. Laura (Sharon Stone), Dora (Frances Conroy), Carmen (Jessica Lange) y Penny (Tilda Swinton) conforman un políptico de 4 cuadros, en los que se funden frivolidad, inseguridades, ocupaciones anodinas, trabajos marginales y la vida en la nada, en una crítica ácida de la generación de los 60 (rebelde y hippy), que simboliza por extensión la sociedad norteamericana. El hijo que busca Don es el recurso que necesita para superar la desolación y recuperar la ilusión por la vida. Por ello lo busca con desesperación, sin saber del todo si se trata de un hecho cierto o de una broma inoportuna.

La música incluye una bonita selección de temas rítmicos y variados, con un fragmento del Requiem de Fauré en la visita de Don al camposanto donde reposa su quinta novia de hace 20 años. La fotografía, con predominio de luces dispersas y tenues, resalta la frialdad, sordidez o profunda tristeza de diversos ambientes. La expresión corporal de Murray absorbe la atención de la cámara. La interpretación corre a cargo de un amplio elenco de grandes actrices, que se recuerdan con placer, y de un Bill Murray en un papel escrito a su medida. Lolita, la hija de Laura, reencarna a su madre, en una recreación reconfortante y cómica del personaje de Kubrick. El guión pone el acento en los matices de las palabras, las inflexiones de voz y multitud de detalles, de los que extrae una gran expresividad. La dirección mueve con pausa la acción, que aporta sugerencias de extraordinaria fuerza dramática.

Película sobre la marginación de un personaje adinerado, el fracaso de la generación hippy (la del autor) y la pobreza espiritual que se oculta en urbanizaciones residenciales. La marginación y la soledad también son un problema de ricos.

Miquel

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Film independiente, tercer largo de Todd Solondz ("Bienvenidos a la casa de música", 1995), del que también es guionista. Se rodó en escenarios de New Jersey, con un presupuesto de 3 M dólares. Ganó el FIPRESCI de Cannes, el Metro Media de Toronto y otros premios. Fue producido por Ted Hope ("American Splendor", 2003) y Christine Vachon ("Boys Don't Cry", 1999). Se estrenó el 16-X-1998 (EEUU).

La acción tiene lugar en New Jersey y Florida, en 1997/98, a lo largo de unas pocas semanas, con un epílogo situado 6 meses más tarde. Narra la historia de Joy Jordan (Jane Adams), de 30 años, soltera, aficionada a la guitarra, frágil, solitaria, de ideas confusas, generosa y desgraciada en amores. Su hermana Helen (Lara Flynn Boyle), escritora, soltera, altiva y promiscua, sueña con ser raptada y violada. Su otra hermana, Trish (Cynthia Stevenson), casada con Bill Maplewood (Dylan Baker), es madre de 3 hijos y cree tenerlo todo, mientras su marido se desliza por una terrible pendiente de perversiones sin retorno.

La película desarrolla un relato en el que se dan cita perversiones (pedofilia, violaciones), sueños masoquistas (Helen) y sádicos (Bill), sexo solitario, suicidios reales (Andy) e imaginarios, asesinatos con mutilaciones genitales, llamadas telefónicas provocativas, aficiones narcisistas, consumo de pastillas y alcohol, frigidez sexual, fobia al sexo, infidelidades, etc. Bajo una sosegada apariencia de normalidad y compostura, la vida familiar oculta perversiones, anomalías, manías, crímenes y fobias, consideradas como escandalosas y dignas de rechazo por la sociedad que las practica. La vida ordinaria de muchas personas respetables y respetadas navega por mares procelosos de hipocresía y doble moral. Los episodios, entrelazados en una madeja absorbente, provocan compasión, vergüenza, perplejidad, asco e irritación, según los casos. La felicidad es el objetivo que todos persiguen por caminos que conducen a la frustración y a la infelicidad, entendida no como ausencia de felicidad, sino como suma de desengaños, angustias, dolor moral y auto-odio. Esta infelicidad, cubierta con el disimulo de las falsas apariencias, es el proyecto de felicidad de la sociedad que habita el autor y en la que, según él, habitamos los espectadores. Son escenas destacables la confesión del padre al hijo y el sablazo de Vlad.

La música suma melodías rítmicas, de fuerte percusión, como el tema "You Light Up My Life", con fragmentos clásicos, tales como la Misa de Requiem (Mozart), el Concierto para guitarra (Vivaldi), el Piano Concerto (Samuel Barber) y otros. Añade 3 versiones de la canción "Happiness". La fotografía no ahorra imágenes sombrías, sórdidas, soeces e hirientes. El guión enlaza las peripecias de 12 personajes alienados o desgarrados, que absorben la atención y golpean el alma. La interpretación corre a cargo de un gran elenco. La dirección crea una obra dura, perturbadora e incómoda, ajustada al realismo expresionista de su propuesta estética.

Miquel

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Quinta película de David Lean. Adapta al cine la pieza de teatro en un acto "Still Life" (1936), de Noel Coward. Se rodó en Carnforth (Lancashire) y en estudio, con un presupuesto ajustado, propio de tiempos de guerra. Ganó la Palma de oro de Cannes y obtuvo 3 nominaciones a los Oscar (director, actriz y guión adaptado). Se estrenó el 26-XI-1945.

La acción principal tiene lugar en el bar de la estación ficticia de Milford Junction en 1944/45, a lo largo de unos 8 meses. Narrada en flashback por la protagonista, rememora una historia de amor entre una mujer y un hombre casados. Ella es Laura (Celia Johnson), de unos 35 años, casada con un maestro rural, Fred Jesson (Cyril Raymond), madre de una hija encantadora, que tiene por costumbre visitar la ciudad todos los jueves para realizar compras e ir al cine. Él es Alec Harvey (Trevor Howard), de unos 40 años, médico internista, que los jueves acude a un Hospital próximo. Se conocen accidentalmente, comparten en varias ocasiones una taza de té en el bar de la estación y, sin darse cuenta, se enamoran. A partir de entonces, furtivamente, pasan más tiempo juntos, mientras emergen los problemas y la relación se ve perturbada.

La película explora las dificultades de una relación amorosa extramatrimonial en el RU en los años 40. La fuerza del amor que se profesan entra en conflicto con sentimientos de culpa y la toma de conciencia de los problemas sociales que deberían afrontar en el marco de una sociedad puritana que condena el divorcio. La tensión que se produce en el ánimo de Laura convierte en turbadora y dolorosa una experiencia llamada a generar felicidad. Los encuentros fortuitos con amigas, en la ciudad y en la estación, crean en ella un estado de inquietud insoportable. La película se sitúa en un momento en el que la mujer británica había alcanzado niveles insospechados de independencia a raíz de su participación activa en el esfuerzo de guerra, de ahí la oportunidad del tema. Son escenas destacadas la de Laura deambulando sin rumbo por la ciudad, la interrupción de la despedida final y la salida de Laura al andén con propósitos suicidas.

La música está tomada del Concierto nº 2 de Rachmaninoff, de ricos matices románticos. Billy Wilder hace uso de un fragmento del mismo en "La tentación vive arriba" (1955). La fotografía, de Robert Krasker ("El tercer hombre", 1949), crea composiciones de extraordinaria belleza plástica, que incluyen ambientes desolados, fríos e inquietantes. El guión construye una trama sencilla, llena de matices, sugerencias y sutilezas. La interpretación de Johnson y Howard es de gran nivel. La dirección crea una obra que hace de la sencillez fuente de belleza narrativa. Confiere fuerza simbólica a los trenes a gran velocidad, relojes, reclamación de las llaves, contacto de la mano de Alec con el hombro de Laura.

La película es una de las más eminentes aportaciones del cine británico. Imprescindible.

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En "Casablanca" (1942), Ilsa decide seguir al marido y dejar de lado la apasionada aventura que le ofrece Rick. En "Breve encuentro" (1945), y por motivos similares, Laura decide romper el romance con Alec y seguir con el marido. Son las decisiones humanamente asumibles en el seno de una sociedad antidivorcista, represora y duramente punitiva, que había comenzado a cambiar.

Miquel

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Escrita y dirigida por Louis Malle, es una de sus obras más conocidas. Se rodó en Dijon (Francia) y en estudio. Fue nominada a la Palma de oro, a un Oscar (guión original) y a dos NYFCCA (dirección y guión). Ganó el Kansas FCCA al mejor film extranjero. Los productores fueron Vincent Malle y Claude Nadjar ("Lacombe, Lucien").

La acción tiene lugar en Dijon (Francia) y en una residencia de Norvan, entre primavera y finales de julio de 1954. Cuenta la historia de Laurent "Rizzo" Chevalier (Benoit Ferreux), de 14 años, el menor de tres hermanos, hijos de un ginecólogo presuntuoso, Charles (Daniel Gélin), y de una italiana liberal, Clara (Léa Massari), que se casó a los 16 años, tiene 35, es de carácter independiente y siente predilección por Laurent. Éste es inteligente, buen estudiante, aficionado a la lectura y de buen corazón: es voluntario de la Cruz Roja.

El autor explora la adolescencia, como en "Adiós muchachos" (1987). Muestra la oposición creciente que siente el chico por la autoridad, que encarnan el padre y el cura que le da clases en el colegio (Michel Lonsdale). Se rebela contra quienes mantienen una absurda guerra colonial, que pronto concluirá en derrota (Dien-Bien-Phu), y contra quienes la defienden. Prueba todas las experiencias que considera asociadas al hecho de ser hombre, como beber, fumar puros, bailar con chicas. Su emergente sexualidad le lleva a masturbarse y a buscar la compañía de muchachas como Helene. Cuando su madre regresa al sanatorio, tras romper con su amante, el chico trata de calmarla, acariciándola y besándola. En un marco de inocencia, afecto, comprensión y sosegada felicidad conoce el amor por primera vez. Guardará un grato recuerdo del hecho, no sentirá remordimientos y seguirá su aventura personal con normalidad. La obra no es la historia de un incesto, sino la historia de un adolescente que busca su camino. En el recorrido encontrará dificultades, pero sobre todo momentos de satisfacción y de plenitud.

La música incluye composiciones de Charlie Parker y su orquesta, con protagonismo del saxo y acompañamiento de viento, piano y percusión. Se añade un fragmento de Dizzi Gillespie. La fotografía, de Ricardo Aronovich ("Providence"), desarrolla una narración visual muy cuidada, de colores suaves, con predominio de las luces doradas y los fondos crema, y con una cámara que muestra las inquietudes y los deseos de Rizzo, espoleadas por el ejemplo de sus hermanos. No se excluyen algunas imágenes de desnudos explícitos, oportunas y tratadas con discreción y respeto. El guión explora el mundo de la dolescencia en el momento delicado en el que descubre el sexo y se posiciona ante él. Comete un error garrafal al decir que en el alto del Izoard Bobet adelantó a Bahamontes en 15'. La dirección crea una historia personal cautivadora, que invita a la reflexión sosegada y serena.

Película bien elaborada, de excelente fotografía y magnífica música, que cuenta con maestría una historia de enorme interés humano.

Miquel

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