Segundas partes nunca fueron buenas. Subproducto hecho a rebufo del inusual éxito de la primera parte. Degeneración de los (pocos) hallazgos de su predecesora... son muchos los tópicos que acompañan a las partes II de cualquier película. Y ahí está "Le seguían Llamando Trinidad" para destrozar todos estos tópicos.

Su genialidad reside en que no es una continuación. Es que va mucho más allá que Trinidad en su propósito de, por un lado, homenajear al western, y, por el otro, incrementar su carácter humorístico hasta provocar el orín del espectador.

Sí, he dicho bien, "homenajear al western". Es ése el propósito de Sergio Leone (cfr. Aguilar, Carlos. "Sergio Leone" Madrid 1990 Ed.Cátedra) desde "Por un Puñado de Dólares", hacer un sentido homenaje a los mitos del western, nada de desmitificarlos, como se pueda presuponer. El spaguetti western nace, pues, con el propósito no de cargarse al género del oeste, sino de perpetuarlo, de mostrar la sentida admiración que en los italianos despertaba un género aparantemente tan ajeno como pueda ser el genuinamente americano western.

Y todo este homenaje se hace "a la italiana" como no podría ser de otra manera. Esto de a la italiana implica la preocupación por la gastronomía, que en la secuencia inicial del film queda patente. El comienzo paralelístico entre bud y terence sin que lleguen a encontrarse gira en torno a una sartén con habichuelas.

También lleva consigo la italianización una mayor realista puesta en escena, con trajes raídos y sucios, pelambreras y barbas desaliñadas, baños en aguas putrefactas... todo consigue que el espectador perciba con todos sus sentidos el ambiente del "western" que no es precisamente el de la corte de Maria Antonieta.

Y como ya se apunta en Trinidad, el humor toma un absoluto protagonismo en el western. Hay momentos para Terence, como su inolvidable juego de cachete y pistola. Otros son para el inconformismo lacónico de Bud, como la secuencia del reloj en el bar (otra muestra de paralelismos y repetición de estructuras). Y, por supuesto, para los dos juntos, como el partido de "rugby" en la misión, sin duda su escena de pelea más movida y original en ese "partido" de frailes vs. cowboys.

El gag, el slapstick, los engaños, el amor-odio, el fracaso vital asumido con una sonrisa... Bud Spencer y Ternce Hill en todo su esplendor, señores. La primera torre gemela del cine de estos dos cracks se edifica aquí. La siguiente no tardaría en llegar con "Y si no, enfadamos".

Pas

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Aunque Bud y Terence no llegaron a llevarse mal, sí hubo momentos en su filmografía en los que actuaron por separado. No me refiero a "El Gatopardo", de Visconti, en la que Terence Hill tiene un papel secundario, puesto que es basrtante anterior a su unión. Si no a las que harían una vez llegados a la gloria con "Trinidad" y "Le seguían llamando Trinidad". Quizá la mejor del rubio en solitario sea "Mi nombre es Ninguno", buen ejemplo de spaguetti western al lado de Henry Fonda. Pero de las que vi del barbitas grandullón, me quedo con esta y con "Banana Joe", poderoso alegato en favor de los países no-alineados.

Aquí, con el excepcional título de "¡Puños Fuera!" (bravo por el traductor, supera al original), Bud prolonga esa admiración especial por los países más desfavorecidos, ya reflejada en en "Banana Joe" o junto a Terence en "Dos Misioneros". Se debe recordar que son los tiempos de la guerra fría, en los que además de los satélites yanquis y soviéticos, surge otro grupo, auspiciado por la conferencia de Bandung, que serán los no-alineados, los países del tercer mundo que buscan desarrollarse por sí mismos.

El personaje de Piedone, (Zapatones en español), apodo cariñoso con el que es conocido el comisario Rizzo (¿de qué me suena a mí este nombre?) parte aquí en misión a la Sudáfrica del appartheid para ayudar al simpático niño Bodo en contra de los intereses de las grandes compañías extranjeras que explotan las minas de diamantes. Aparte de Bodo, su gran ayuda es Caputo, un personaje que ya aparece en otras de la saga Piedone y que no tiene nada que ver con los personajes vividores y risueños que solía interpretar Terence Hill. Aquí el contraste entre el malas pulgas de buen corazón y en búsqueda de la ataraxia que es el paradigma de personaje interpretado por Spencer, es contrastado por Caputo, histriónico vejete protestón, mil veces puteado y permanentemente enfadado (el doblaje es magistral).

Caputo logra dar la réplica a nuestro héroe y suyos son grandes detalles como el 2 caballos pintado con los colores celestes del Nápoles, o sus permanentes interpelaciones a San Gennaro, patrón de la capital de la Campania. Y es que la exhaltación de los países menos desarrollados es paralela a los continuos homenajes a la ciudad natal en la vida real de Bud: Nápoles. Esta es, recordemos, una de las ciudades más peligrosas y pobres de Italia, pero con una alegría de vivir siempre constante, al contrario que las poderosas hermanas ricas del norte del país.

Y hay puños, claro. Bud, en ausencia de su acostumbrada pareja guaperas de mamporros, la tiene que liar él solito. Y cómo la lía, madre mía. De ahí el título... Siempre recomendable.

Pas

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El cine también es una herramienta para comprender mejor situaciones absolutamente desconocidas o que nunca nos habíamos parado a pensar. "Soy de Titov Veles" es un importante documento para darte cuenta de que un país que, siendo de Europa, no pertenece a la UE y se encuentra, por tanto, absolutamente marginado hoy en día.

Este hecho está simbolizado en el personaje de la hermana muda. Tomó la decisión de no hablar y, a pesar de que su incomunicación con el resto de personajes no es total, es un lastre gordísimo para un personaje. El personaje que no habla remite a otra obra de cine balcánico como es "Sueño de una noche de invierno", de Paskaljevic. Aunque los matices diferenciadores son claros. El de Afrodita es un autismo voluntario. De hecho la oímos hablar en sus sueños y en voz en off.

Además del tema del aislamiento de Macedonia, la directora intenta tocar otros como el de la contaminación, la drogadicción, la pobreza o el papel de la mujer. Es en este propósito donde quizá se dispersa el film, ya que no los trata con la suficiente profundidad, ni tampoco con el suficiente interés para el espectador, que puede llegar a perderse un poco.

En el aspecto técnico, destacan las composiciones del paisaje post industrial en contraste con el monte que lo circunda. La curiosa querencia de la directora por los pies, rayando el fetichismo, se refleja en numerosos travellings acompañando pasos y en planos detalle de los pies de los protagonistas. Hay pasajes oníricos bastante desasosegantes, pero tal vez fallen algunos detalles que no los convierten en mágicos.

No obstante es una peli muy recomendable para conocer la situación de la Macedonia contemporánea. Un país aislado y cuyos ciudadanos carecen de la movilidad que el resto de europa tiene en su práctica totalidad. También es loable por su guión, puede que no excesivamente brillante, pero sí contundente y muy bien resuelto.

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La ESCENA:

Slavica se intenta pinchar metadona en segundo plano, mientras Afrodita la observa desenfocada en primer plano. La hermana pequeña, tras unos segundos, decide intervenir y consigue que Slavica la ingiera, en lugar de metérsela en vena. Sale Afrodita de plano, se desnuda y se tumba encima de la mesa, volviendo a ser la protagonista en un nuevo plano, y simula ser una embarazada de parto o a la que le realizan una exploración ginecológica, arqueando su vientre y acariciándoselo.

Esta escena, aparte de muy lograda técnicamente, consigue las mayores cotas de belleza en la película.

Pas

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Por encima del rigor histórico en la ambientación, por encima del escaso presupuesto, por encima del tijeretazo que le metió la productora y por encima de una sucesión de pequeñas historias escasa de profundidad, está el espectáculo bélico repleto de detalles extraños y de humor que consigue alcanzar el adjetivo de trepidante.

La película está montada como una serie de pequeños actos de combate durante toda la Segunda Guerra Mundial y con cambios de escenario constantes. Pero esa dinámica también refleja una evolución en los personajes. El sargento cada vez es más humano y nihilista (aparente contradicción, pero explicable en el contexto de la guerra) y los soldados en cada esacramuza se van forjando como hombres duros. Hasta el malo nazi se muestra como un niño indefenso que quiere la paz al final de la guerra.

Además del carisma de unos personajes encabezados por un arrollador Lee Marvin, hay multitud de frases y pequeños detalles que elevan la grandeza de la película. El casco con flores del sargento, los planos de conejos y gamos, el niño italiano que no pierde el sentido común de aprovecharse de sus conocimientos a pesar de haber perdido a su madre, el loco con la metralleta, los inquietantes personajes del manicomio, el médico nazi homosexual, el bromuro en la comida para que no estén salidos los combatientes... y los continuos dilemas morales entre matar y asesinar o la venganza y la responsabilidad.

Toca muchísimos palos mientras se entretiene al espectador con las frases lapidarias del sargento y las batallas repletas de épica. El bombardeo es constante. Y la condición de outsider de Samuel Fuller, también. Zooms, primerísimos primeros planos, y su propia presencia tanto con su cameo dirigiendo un documental como con su alter ego en forma de soldado escritor que fuma puros y ejerce de narrador.

Entretenida, implacable y original.

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La ESCENA:

Lee Marvin y sus muchachos las pasan putas para hacer frente a un francotirador en un castillo en ruinas. Cuando por fin logran atraparlo, resulta ser un niño que no para de alzar su brazo y decir "¡heil, Hitler!". Los subordinados quieren matarlo, pero su superior pregunta uno por uno a todos si están dispuestos a matar a un niño. Transición por corte y primer plano del niño recostado en el regazo de Lee Marvin, alzando el brazo y gritando la misma frase. El sargento le da unos azotes y pronto su "¡heil Hitler!" se convierte en un lloriqueante "¡mamaaaaa!". Las zurras que más gracia me han hecho en la historia del cine. Así es la película, llena de salidas chocantes grandiosas.

Pas

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"Wow, what a night!" demuestra la importancia que tiene seguir una vida rutinaria y sin sorpresas. Todos ansiamos emociones nuevas, aventuras y sobresaltos memorables ¿Es por tanto un difícilmente asumible planteamiento el que nos sugiere esta película? Quizá es que por encima de la búsqueda de la redención en forma de vida normal que el protagonista ansía desde el minuto 30, sus alocadas desventuras se convierten en una espléndida obra, disfrutable y risible sin dejar de tener un trasfondo kafkiano inquietante.

Lo de Kafka no es porque servidor vaya de guay. Simplemente es comparable porque el hecho de que el público se identifique con el protagonista al leer las obras del checo se debe a que el lector es el único que comprende a la desdichada víctima de transformaciones o persecuciones burocráticas. Es el único confidente que le queda al personaje literario en un mundo en el que todo lo que le rodea se vuelve en su contra.

Así ocurre en "Wow, what a night!", donde a Griffin Dune, a medida que pasan los minutos, nadie le cree, nadie le hace caso por mucho que intente relatar su desdicha a cada uno de los miembros de la fauna del Soho que se va encontrado. Ni taxistas locos, ni barmans taciturnos, ni camareras ancladas en los 60, ni ladrones de baja estofa, ni "artistas" modernas, ni vendedoras de helados, ni vecinos inseguros... El personaje de Paul está absolutamente solo y únicamente es el espectador quien se va sumergiendo con él en el submundo nocturno y quien sería capaz de ayudarle a volver a su vida de ordenadores en oficinas y dejar de tener que ir al baño cada dos por tres, lavarse la cara, mirarse al espejo y pensar "Sólo vine a comprar pan, a mí todo me sale mal".

Además de la historia, Scorsese, nos mete sus "cosas" con planos oblicuos mientras Paul se lava la cara, con ligeros barridos o con contrapicados tirando a salvajes cuando el protagonista escapa de la muchedumbre enfurecida.

Por encima de moralejas sobre el trabajo que dignifica, me quedo con la sensación personal de que haber vivido una pesadilla como esa merece la pena. Por algo no deja de ser una comedia, porque hay situaciones, que si lo piensas, son descacharrantes, y algunas frases de los personajes te dejan en el sitio, como la discusión sobre arte entre los ladrones de la furgoneta, o la falta de disciplina a la que alude el churri sadomasoquista de Linda Fiorentino.

Yo me reí.

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La ESCENA:

Alrededor del minuto 70 de película, Paul sube a casa de un tipo introvertido que piensa que es un chapero. Paul, con la cabeza en mil sitios tras todo lo desquiciante que le está sucediendo, ni se da cuenta de los propósitos del tío tímido que lo invita a subir a casa. Y le hace un resumen de todo lo que le ha sucedido, hablando a toda hostia y de manera histriónica. Tarda aproximadamente un minuto de metraje y eso que Scorsese lo acorta. El tío que lo escucha, hastiado, no tarda en echarlo de casa. Todavía quedan más de 20 minutos en los que no dejarán de sucederle situaciones rocambolescas.

Pas

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