La madre (Ladd) de la novia (Dern) de un joven (Cage) que acaba de salir de la cárcel tras cumplir condena por un asesinato contrata a un matón para que liquide al chico. Y más que porque a la madre le caiga mal el joven, se trata de que éste sabe demasiado sobre la extraña muerte del marido de ésta, en un incendio posiblemente provocado...
Ganadora, exageradamente, de la Palma de Oro en Cannes, se trata de un thriller retorcido y enrevesado, sucio y complejo, entre lujurioso y pegajoso, dónde Lynch vuelve a aplicar su sempiterno estilo narrativo (fragmentaciones, idas y venidas, historias paralelas, cruces y descruces) y por la que pululan su reconocible galería de "freaks" y tarados y sus temas afines: el sexo, la violencia, la mente humana, el Bien y el Mal, su fijación en la carretera ("Corazón salvaje" es tanto un thriller como una road movie) a la que se añade, aquí, el fuego.
Lynch plantea una historia de amor de dos tipos traumatizados y aquejados de infancias difíciles, una historia de amor desesperado en el caso de la desubicada y casininfómana Dern hacia el ataviado con cazadora de piel de serpiente Cage, rodeados de un contexto y entorno enloquecido y enloquecedor.
Película atractiva visualmente y con aciertos indudables (empleo de la música y de objetos como el cigarro, el fuego o el asfalto de la carretera) acusa una desigualdad interpretativa y de construcción de personajes evidente: malo el de Diane Ladd, por histérico y harto discutible; mediocres interpretaciones de Nicolas Cage y Laura Dern; otra vez, el muy discutible encanto sensual/sexual de Isabella Rossellini (como en "Terciopelo azul")... Tiene, sin embargo, buenos trabajos de Harry Dean Stanton y en un Willem Dafoe a sus anchas.
En fin, una buena película pero nada extraordinaria, diáfano ejemplo del cine de su autor (desequilibrado, interesante, pegajoso, autoral, sincopado, alguna vez genial),

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Como muy bien ha dicho algún crítico, "Monster´s ball" implica el hecho nada desdeñable, que creíamos perdido, de que en Hollywood todavía queda algo de vida inteligente.
Película de intimista, pausada modorra, está lograda desde la base de su atmósfera entre triste y esperanzadora, fundamentada en el buen manejo de la cámara por Forster y en la relación que se establece entre dos seres antagónicos unidos en su pérdida y soledad. Están mejor perfilados los personajes que interpretados (para mí mejor Bob Thorton), quiero decir que aún cuando hay notables trabajos no se alcanzan cotas memorables (eso sí me alegro sobremanera por la estupenda y bellísima Halle Berry y su reivindicativo Oscar femenino de color).
"Monster´s ball" es una película conscientemente amarga, surcada por estos dos seres heridos, casi hundidos, agarrados al asa de los sentimientos, día a día, en el presente, intentando no recordar su demoledor pasado.

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Un hombre subido a su land-rover recorre desesperado las calles de Teherán buscando a alguien que le ayude en su delicadísimo propósito: que alguien entierre su cuerpo bajo tierra una vez que se suicide. Primero lo intenta conun soldado kurdo, luego con un estudiante de teología islámica. Ambos le disuaden de su propósito. Finalmente encuentra en un hombre normal que ya quiso hacer lo mismo: intentó ahorcarse en un árbol, pero al agarrarse a una rama aplastó con su mano los frutos del árbol, unas sabrosas cerezas que tornaron sus deseos suicidas en necesidad de seguir viviendo.
Una obra maestra del ya mítico Kiarostami, que siguiendo con sus señas de identidad tan incorregibles como particularísimas, logra con "El sabor de las cerezas" un poema trágico de altura y anchuras sobresalientes, una metáfora lúcida y plena sobre la condición humana.
Tuvo que realizarla casi clandestinamente pues si ya para nosotros el suicidio resulta algo bastante espinoso, hay que imaginarse la aberración que eso significa en una sociedad tan fanaticamente religiosa y tan profundamente fundamentalista como la iraní, y por extensión, la comunidad árabe. Este hombre se quiere suicidar no sé sabe por qué ni falta que nos hace (ese es un gran acierto de la película), basta creer en una consideración global de que suicida porque no le gusta el mundo en el que vive, le desespera la deshumanización vigente, la falta de racionalidad de nuestros actos. Y Kiarostami propone una obra de soberbia envergadura moral, muy equilibrada e inteligente, que usa hasta lo indecible la racionalidad y el cerebralismo, el imperio de la lógica, el valor de lo humano y de lo natural, habiendo y haciendo un elogio maravilloso de las cosas naturales y del naturalismo mismo y configurando así un poema visual sencillo y maravilloso, pero casi también hasta abstracto y metafísico, arraigado hasta lo inimaginable en la austeridad y humildad de su apuesta.
Kiarostami vuelve a usar las secuencias que se repiten, las situaciones concéntricas, no usa la música compuesta, usa mucho los diálogos sencillos entre dos personajes que hablan quedándose fija la cámara en uno, no hay absolutamente nada que "vicie" la limpieza de la propuesta, hay ese tenaz y tozudo minimalismo y miniaturismo, aquí convertido en la más atípica y asombrosa road-movie que yo haya visto en mucho tiempo, una película prototípica, pedagógica, inmensa en su humildad, hermosa en su plasmación en cine cerrado en una última, tétrica pero luminosísima secuencia. No hay lecturas rotundas pues además la película, con toda la sencillez que lleva en sus alforjas, resulta profundamente compleja y resueltamente abierta a todo tipo de elucubraciones.
Sin duda alguna, la obra maestra de un cineasta que, en los tiempos que corren, resulta fundamental para reposar, pensar, anestesiar y oxigenar, durante una tranquila hora y media de cine, nuestras doloridas y maltrechas cabezas y miradas.

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Una de las más estimulantes y maravillosas películas de aventuras de todos los tiempos, montada en base a la plasmación del encantador, rudo y hermoso universo del pueblo vikingo - enfrentado a los ingleses - y dentro de éste encarando el personaje de Kirk Douglas al de Tony Curtis - hermanastros ambos sin saberlo -, enamorados los dos de Janet Leighen una relación abrasiva y arrebatadora.
En definitiva, lo que hace Fleischer en la que es su verdadera y legítima obra maestra es trascender lo que pudiese ser una genérica película de aventuras en algo así como una tragedia griega, algo en lo que Kirk Douglas tiene muchísimo que ver, ya que no en vano es el productor, y ya lo hizo con el western de manera memorable en "El último atardecer" de Robert Aldrich. Por ello, "Los vikingos" adquiere rango de film excepcional, casi único.
Película de enorme fuerza, literalmente bellísima, con una formidable fotografía de Jack Cardiff y dotada de una arrebatadora escenografía e iconografía que transmiten, además, con singular maestría la esencia de la tan manipulada cultura y vida del pueblo vikingo. Rematada en un final memorable, es, en sí misma, una película inagotable, un círculo perfecto, mucho más que otros círculos-películas de su especie y época que no tienen más que abollones en muchos casos. Para empezar: la gilipollez de los Oscars y sus películas multipremiadas.
Amo esta película. Es vergonzoso que siga olvidada.

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Uno de los indiscutibles e indiscutidos clásicos del cine español, a partir de la novela de un clásico moderno de nuestra literatura, la obra homónima del Nobel ya finado Camilo José Cela.
Es una adaptación ejemplar, soberbia y admirable de la novela, un magistral retablo, mosaico, reflejo y espejo de la posguerra española. A partir de una colmena de personajes y con el centro neurálgico del café de Doña Rosa (que fuera anteriormente cementerio, pues las mesas de mármol no son sino lápidas una vez descubiertas por el hambriento grupo de poetas que allí se reunen; una audaz metáfora de la situación del momento, pues no se equivocaba mucho Dámaso Alonso cuando escribía aquello de "Madrid es una ciudad de un millón de cadáveres...") como hilo narrativo más importante se hace una radiografía, una fotografía impecable de la situación económica, política y social del momento, un justísimo y soberbio documento histórico, como lo era, en mayor medida y mérito, la novela.
Camus obtuvo su éxito (junto a la inolvidable "Los santos inocentes", otra adaptación literaria ejemplar de la misma etapa pero en ambiente rústico) mayor y más reconocido, el Oso de Oro en Berlín, y logró la más afortunada plasmación de su estilo: un cine sobrio, detallista, de precisa y nada exuberante puesta en escena, narrativo por encima de todo. Dibildos, también productor, escribió un guión excelente con la ayuda de Cela, quien se reserva un pequeño papel como inventor de palabras, y a la película no la falta ni sobra absolutamente el más mínimo detalle. El desigual ambiente de los cafés, con los trasnochados y bohemios poetas sin un céntimo, los falsos hombres poseedores de cierto poder económico y social, los engreídos tipos llenos de duros egoístas, la hipocresía de los que más tienen, las casas/refugio de prostitutas, el hambre, los rencores de los vencedores y los vencidos, el frío, las enfermedades de la época, la represión y el miedo, la rutina, la vida, todo, practicamente todo, está captado magistralmente en esta obra maestra de nuestro cine, que cuenta además con el más vasto y antológico reparto que se recuerda; añadan a los ya indicados los siguientes entre otros: María Luisa Ponte (que está impresionante), Emilio Gutiérrez Caba, Luis Escobar, Francisco Algora, José Vivo, José Bódalo, Mario Pando, Manolo Zarzo, Luis Ciges, Mari Carrillo, Agustín González, Rafael Alonso, Antonio Resines, Imanol Arias, etc...

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