Realizada por el prolífico Alfred E. Green ("The Jolson Story", 1946), se basa en un argumento de László Vadnay, desarrollado por Allen Boretz, Howard Harris y el propio Vadnay. Se rodó en la sala de fiestas neoyorquina "Copacabana" (playa de Río de Janeiro, municipio de Colombia, etc.), y en plató. Producida por Sam Coslow, se estrenó el 1-VII-1947 (NYC).

La acción tiene lugar en el club Copacabana y otras localizaciones de NYC, en 1946/47, a lo largo de unas pocas semanas. Lionel Q. Deveraux (Groucho Marx) forma pareja artística con Carmen Navarro (Carmen Miranda), a la que corteja desde hace 10 años. La falta de trabajo les mantiene en la miseria. Lionel decide hacer de manager de Carmen, para la que consigue trabajo en el Copacabana. Se enamoran de ella el gerente del local, Seteve Hunt (Steve Cochran), el vocalista Andy Russell y otros.

La película es un musical apoyado en un hilo argumental de comedia alocada y disparatada, de comicidad ocurrente, surrealista y absurda, que abarca un amplio abanico de registros. Entre ellos cabe citar la miseria (les echan del hotel por impago de facturas), el hambre (hurtan comida de animales, pero siempre son descubiertos), los embrollos (Carmen interpreta dos personajes ante el gerente, que contrata a los dos), las confusiones (Fifí y Carmen son confunidas por Fifí, Carmen, Lionel, Steve y otros), los disfraces y la inversión de géneros (Groucho se disfraza de mujer para huir de la policía), las huidas y persecuciones, la desproporción (cuando se aclara que Fifí y Carmen son la misma persona, los enamorados de una y otra suman una cifra enorme), la confusión de verdad y mentira (la policía cree las mentiras de Groucho y rechaza las verdades), los engaños (falsa pelea de Carmen y Fifí), los malentendidos (la anciana), el cuento de la lechera (Groucho imagina lo que hará con el dinero que ganará Carmen), etc.

La música de continuidad, de Edward Ward, es la propia de un club nocturno, con melodías bailables de diversos estilos, entre las que predominan los ritmos brasileños y caribeños. El film aporta una canción original, "Go West, Young Man", que canta Groucho y coro. Como música añadida, se ofrece el conocido éxito de Carmen Miranda "Tico, Tico", el tema carioca "No hay nada que vender", la canción "My Hearth Was Doing A Bolero" (Andy Russell), dos versiones de la canción "Je vous aime" (Fifí y Andy) y la apoteosis final "Copacabana", con Carmen Miranda, Gloria Jean y Groucho. La fotografía, de Bert Glennon, en B/N, comienza con un encuadre elevado que mira por encima del falso techo del escenario, para bajar y acercarse al espectáculo. Al final la cámara recupera la posición de salida. Añade un encuadre cenital del baile de una parja. Realza la comicidad visual.

La película, entretenida, está concebida como un homenaje a Carmen Miranda, mito de la canción y el baile de los años 40.

Miquel

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Dirigido por Sam Wood ("Una noche en la ópera", 1935), el film se basa en hechos reales, recogidos en un argumento de Douglas Morrow. Se rodó, en b/n, en exteriores de CA (Gilmore Field y Wrigley Field) y en los MGM Studios. Obtuvo un Oscar (argumento). Producido por Jack Cummings, se estrenó en junio de 1949 (EEUU).

La acción tiene lugar en las proximidades de Wagner (Tejas) y en Chicago, en 1936-46. Narra la historia de Monty Stratton (James Stewart), lanzador de béisbol, del equipo Chicago White Sox, nacido en una localidad rural, de familia humilde, de carácter afable, sencillo y modesto, aficionado al béisbol, descubierto por el ojeador de jóvenes talentos deportivos Barney Wile (Frank Morgan). Casado con Ethel (June Allyson) y padre de un hijo, se convierte en un ídolo deportivo por la eficacia de sus fortísimos lanzamientos, imposibles de batear. En 1938 sufre un grave accidente de caza. Desesperado y discapacitado, ha de optar por luchar y superarse o dejarse llevar por la desgracia.

La película resume los hitos principales de 10 años de la vida del protagonista, un deportista de élite, que sufre la amputación de la pierna derecha. Apartado de la competición y hundido en la desolación, tratará de sobreponerse psicologicamente y aprovechar sus capacidades para lo que siempre ha sido la razón de su vida, el béisbol. La tarea no es fácil, requiere tiempo y esfuerzos, y el resultado es incierto. El film hace la apología del esfuerzo, de la lucha contra la adversidad, de la superación de la discapacidad y de la búsqueda de una vida normalizada e integrada en la mayor medida de lo posible. Muestra que las personas con discapacidad disponen de grandes capacidades que guardan potencialidades mayores de lo que se espera. La obra forma parte, junto con "Los mejores años de nuestra vida" (1946) y otras, de la contribución de Hollywood a la elevación de la moral de los militares heridos y mutilados en la IIGM.

La música, de Adolph Deutsch ("Siete novias para siete hermanos", 1954), ofrece una partitura original, de carácter orquestal, con predominio del metal, de aires épicos y triunfales, salvo en un corte central de tintes dramáticos. La fotografía, de Harold Rosson ("Cantando bajo la lluvia", 1952), focaliza la atención en la expresión corporal de J. Stewart, para realzar la evolución del relato y sus incidencias. Construye un dibujo de grata composición. El guión evita las referencias cronológicas, en perjuicio de la correcta comprensión del relato y del esfuerzo prolongado del protagonista. J. Stewart y J. Allyson demuestran un excelente química como pareja protagonista. Repetirán colaboración en otros films, como "Música y lágrimas" (1954). La dirección crea una obra de fácil lectura, entretenida y cautivadora, que apoya en un estramado tan sencilo, que roza el simplismo y la puerilidad y no evita toques innecesarios de sensiblería.

Película interesante por la apuesta que hace por la normalidad de las personas con discapacidad.

Miquel

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Realizado por Claude Chabrol, el film se basa en la novela "Une mort en trop" (1982), de Dominique Roulet. Se rodó en exteriores e interiores de Forges-Les-Eaux (Normandía). Fue nominada a la Palma de oro de Cannes y a un César (actor revelación, L. Belvaux). Producida por Marin Karmitz, se estrenó el 10-IV-1985 (Francia).

La acción tiene lugar en una pequeña población de provincias, no definida, en 1983/84, a lo largo de casi dos semanas. Narra la historia de Louis Cuno (Lucas Belvaux), de unos 18 años, hijo único de madre abandonada por el marido, cartero, dominado por la madre y aficionado a leer las cartas de los convencios antes de entregarlas. A través de este sistema y de la observación de sus movimientos, él y su madre conocen muchos de los secretos de los habitantes del lugar. La Sra. Cuno (Stéphane Audran), tras ser abandonada por el marido, hace unos 12 años, cayó por la escalera de la casa y quedó parapléjica. El notario, el médico y el carnicero del pueblo desean comprar la casa de los Cuno para realizar una muy lucrativa operación inmobiliaria. Ante la negativa de éstos a vender, emprenden contra ellos una campaña de amenazas, insultos y agresiones.

La película suma elementos de comedia, crimen, misterio, intriga y romance. Presenta una ácida crítica de la burguesía provinciana, codiciosa y desaprensiva, que no duda en utilizar métodos criminales cuando le conviene. Critica los métodos expeditivos y brutales que a veces utiliza la policía en sus investigaciones. El autor exhibe su afición por la gastronomía, en esta ocasión representada por platos disparatados, como el par diario de huevos fritos con paprika del inspector Jean Lavardin (Jean Poiret) y el medallón de foi-gras de Henriette (Pauline Lafont), y por un vino mediocre, el Chateauneuf-du-pape, que se introduce al amparo del humor sutil que puntea la obra. El arco dramático se apoya en el acoso de los Cuno, la desaparición de Delphine, esposa del médico Philippe Morasseau (Jean Topart) y el accidente de coche con incendio que siega la vida de Anne Foscarie (Carolina Cellier), amiga de Delphine. Las maquinaciones, deslealtades, traiciones, engaños, abusos de poder y conductas criminales del pueblo, se ocultan tras un muro de apariencias e hipocresía. El autor inicia con esta obra una etapa creativa en la que abandona las pretensiones comerciales anteriores y se centra en la cración de obras de autor.

La música aporta una partitura original a cargo de una orquesta de metal y percusión, que combina armonías, estridencias y algunas disonancias, de excelente factura. La fotografía acentúa el realismo del relato y hace uso predominante de ocres, cremas y grises, con algunos toques rojos. El guión, rico en matices y sugerencias, ofrece unos diálogos precisos, de frases breves. La interpretación corre a cargo de actores y actrices preferidos de Chabrol. La dirección crea una obra de intriga que es, a la vez, una crónica de la vida provinciana de mediados de los 80.

Miquel

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Producida por la compañía London Films, fue dirigida por Harold Young. Adapta la obra de teatro (1905) y la novela (1907) "The Scarlet Pimpernel", de la baronesa Emmuska Orczy. Se rodó en b/n en Denham Studio (Denham, RU), donde Vincent Korda montó unos decorados notables. Dio lugar a numerosos remakes y adaptaciones a TV. El productor fue Alexander Korda.

La acción tiene lugar en Londres y París a partir de finales de septiembre de 1792, cuando Robespierre y los jacobinos imponen en Francia un régimen de terror. Narra la historia de Percy Blakeney (Leslie Howard), casado con lady Marguerite (Merle Oberon), líder de una sociedad secreta de aristócratas ingleses dedicada a salvar de la guillotina a aristócratas franceses. Oculta su personalidad bajo la apariencia pública de un joven frívolo, presumido y afeminado. Robespierre envía a Londres a Chauvelin (Bernard-François, marqués de Chauvelin) para descubrir la identidad de Pimpinela Escarlata y desarticular su organización secreta.

La película se basa en la historia de un héroe de doble identidad, que entronca con la tradición secular de los relatos populares europeos. Pimpinela Escarlata (1905) se anticipa a "El Zorro" (1919), de Johnston McCulley, y "Batman" (1939), de Robert Kane. Pimpinela incorpora virtudes de héroes anteriores como el arrojo de Robin Hood, la tenacidad de El Quijote y la inteligencia de Sherlock Holmes. La obra de la baronesa Orczy desborda simpatía por la aristocracia y una no disimulada aversión a las clases trabajadoras. Sus filias y fobias la llevan a dar una visión distorsionada de algunos hechos y su escasa afición por la investigación le hace cometer algunos errores (Chauvelin sobrevivió a Robespierre, fue oficial del ejército de Napoleón y diputado liberal de la Restauración). Olvida que la Revolución francesa aportó el Estado de derecho, la división de poderes, la soberanía popular, el imperio de la ley y los valores de la libertad, igualdad y solidaridad como eje vertebrador de la convivencia social. El film construye una trama entretenida, a la que dota de tensión dramática, con los riesgos que asume el héroe, el enfriamiento de sus relaciones con Marguerite, la persecución de que es objeto por el villano Chauvelin y la trampa que le tiende para atraparlo. Es destacable la hábil caracterización de personajes de la época, como el Príncipe de Gales (Nigel Bruce).

La música aporta melodías que animan la acción, el sentido de la aventura y la lucha del bien contra el mal. La fotografía crea composiciones de excelente claroscuro y magnífico dibujo. El guión, pese a ingenuidades de la época, contiene diálogos bien construidos y aporta un relato entretenido y absorbente, que incluye algunos trazos innecesarios de patrioterismo inglés. Las interpretaciones de Howard, Oberon y Massey son memorables. La dirección aporta un adecuado y grato pulso narrativo.

Película de los años 30, de gran interés para los aficionados al cine clásico.

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Cabe recordar la figura del justiciero español "El guerrero del antifaz", héroe de comic, creado en 1944 por Manuel Gago García, que se inspiró en la novela "Los cien caballeros de Isabel la Católica" (1934), de Rafael Pérez y Pérez. Se publicó entre 1944 y 1966. Como todos los héroes justicieros, legendarios, novelescos o de comic, sale siempre airoso de los lances arriesgados que asume en defensa de la justicia.

Miquel

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Producción de la Universal realizada por Spike Lee ("La última noche", 2002). Se rodó a lo largo de casi dos meses, entre julio y agosto de 2005, en exteriores de NYC, en una antigua sucursal bancaria redecorada y en los Steiner Studios (NY), con un presupuesto estimado de 45 M dólares. Se estrenó el 24-III-2006.

La acción tiene lugar en NY, en la oficina de Manhattan de una entidad bancaria, a lo largo de varios días, en 2004/05. Narra la historia del detective Keith Frazier (Denzel Washington), encargado de negociar con Dalton Russell (Clive Owen), jefe de la banda de atracadores que ha asaltado una oficina bancaria, tomando como rehenes a unas 50 personas, entre empleados y clientes. Siguen un plan diseñado con precisión, que desorienta a la policía. La aparición en escena de Madeleine White (Jodie Foster) complica las cosas, mientras la acción deriva en un duelo entre la intuición de Frazier y las intenciones ocultas de Russell.

La película desarrolla un thriller de acción y suspense, sólido, bien construido y absorbente, que incorpora una trama de giros superpuestos. Recuerda los thrillers de los años 70, de Pollack, Lumet, Frankenheimer y otros, como "Tarde de perros" (1975). El arco dramático se apoya en el misterio que oculta el asalto, la angustia creciente de los rehenes, la desorientación de la policía y la sospecha de que el atraco no pretende vaciar las cajas repletas de dinero de la oficina bancaria, sino otros fines. La obra incluye una recreación del ambiente social que se respira en NY en el momento de la producción. Se hace eco de los niveles de racismo de muchos habitantes de la ciudad, la complejidad de las relaciones étnicas tras el 11-S, el egoismo descarado que inspira la vida de casi todos (incluidos los policías), la prevalencia del dinero y de la lucha por conseguirlo, y la mala educación convertida en norma habitual de las relaciones interpersonales. Lee rechaza el "gangsta rap", estilo musical que considera peligroso para los jóvenes de color.

La música original contribuye a la creación del clima del relato con una orquesta completa de cuerdas, viento y percusión y con sugerentes solos de piano, cello, guitarra, trompeta y saxo. Añade canciones tan sugestivas como "Gold Digger", "Freeze" y "Chaiyya Chaiyya", que acompaña los créditos iniciales y finales. La fotografía ofrece planos secuencia emotivos, giros de cámara descriptivos, claroscuros muy contrastados y composiciones de excelente dibujo. El guión aporta diálogos excelentes, giros sucesivos y toques de humor. La interpretación se apoya en tres actores de primer nivel, Washington, Owen y Foster, que tienen intervenciones sobresalientes. La dirección realiza una puesta en escena magnífica y dota al relato de un ritmo adecuado.

Interesante película sobre un atraco perfecto que no es lo que parece, de buena música, grandes intérpretes y acertada dirección.

Miquel

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