Un marido cornudo, una esposa ensimismada, un amante irreflexivo y un detective privado bastante guarrete (en todos los sentidos) juegan entre ellos al arte del engaño en esta película en la que los hermanos Coen, tanto desde el guión como de la dirección, se erigen en los mayores mentirosos.

Uno de los temas sobre los que se construye la trama de Blood simple es la falsedad de la aparente realidad y la película se construye sobre esa máxima.

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- En el despacho de su bar, el marido alimenta su cabreo y barrunta sus próximos movimientos con la mirada fija en las cadenciosas aspas del ventilador. Un plano nos muestra el ventilador, que se supone que es el que observa el marido hasta que el plano se abre y descubre a la esposa, en casa del amante, que contempla absorta otro ventilador.

- Los amantes charlan en la cama de él, junto a una ventana que da a la calle vacía. Ella se incorpora y cuando vuelve a recostarse, aparece el coche del detective aparcado frente a la casa. Cambia el plano y la cámara hace un lento travelling en el interior de la casa hacia una puerta. Al llegar a ella el movimiento cesa y lo lógico es esperar una mano (la del detective) que gire el pomo para pasar al otro lado. Sí, el pomo gira, pero no se ve mano alguna, hasta que se abre la puerta y del otro lado aparece el careto de circunstancias del detective vaquero.

- El detective dispara casi a bocajarro al marido que queda inmóvil en su silla. Del orificio brota sangre que tiñe la camisa. Más tarde, ya fugado el detective, aparece el amante, que limpia como puede el charco de sangre mientras un plano se repite con insistencia, el de la mano de la víctima a la que llega el reguero de sangre y de ella cae en goteo incesante al suelo. Angustiosos minutos después, el marido despierta de su supuesto “sueño eterno”.

- Ahora es la mujer la que se halla en la escena del crimen (ya sin cuerpo), pero con el detective escondido tras la puerta de los lavabos. Mira a la caja de caudales. Plano de la caja. Mira a los pescados descompuestos. Plano de los peces. Ella hace ademán de reclinarse hacia atrás y su cabeza alcanza una almohada sobre la que reposa. Ha cambiado el espacio, no es el despacho, es su apartamento. Pero su cara es la misma, “¿qué pasó?”

- Ella oye un ruido en la habitación contigua, cree que es su amante, pero es su marido (ella aún desconoce su suerte, el espectador sabe que está muerto y encerrado). Él le hace una inquietante advertencia. Ella se despierta. Fue un mal sueño.

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La predilección en el cine de Hitchcock por turbar al espectador alcanza en este filme su máxima cota (con permiso de Psycho). The birds juega con los códigos del cine de terror, conjuga lo fantástico con lo milagroso, y juega con el miedo del ser humano a lo irreal y a lo inexplicable: el final abierto, la irracionalidad de los ataques, las perversas imágenes de los pájaros aleteando superpuestas sobre las bonitas estampas de Bodega Bay, el montaje abstracto de algunos planos (como el de Melanie en el restaurante observando despavorida el fuego que se propaga imparable hacia el depósito de combustible)… Todo en la película constituye una transgresión de lo cotidiano, una violación del orden sobre los que hombre y mujer asientan su existencia.

Personalmente, encuentro coincidencias entre las represalias de las aves filmadas por Sir Alfred y la descripción del fin de los días en el Apocalipsis bíblico:
“Vi en el cielo otra señal, grande y admirable: siete ángeles que tenían las siete plagas postreras; porque en ellas se consumaba la ira de Dios.” (Apocalipsis, 15:1)
“Y la mujer estaba vestida de púrpura y escarlata, y adornada de oro de piedras preciosas y de perlas, y tenía en la mano un cáliz de oro lleno de abominaciones y de la inmundicia de su fornicación” (Apocalipsis, 17:4)

Plagas, seres alados, mujer adornada de oro, fornicación… todo está en The birds:

En una tienda de animales domésticos de San Francisco, Melanie Daniels, vividora y hedonista, heredera de una gran fortuna, conoce a Mitch Brenner, un abogado cuya intención es comprar una pareja de agapornis, cuyo nombre en inglés es lovebirds (más explícito, imposible). Ambos entablan un juego de seducción y de dominación. Mitch consigue “enjaular” a Melanie que, desde ese encuentro, volará tras él como pájaro en celo.

En la localidad costera de Bodega Bay, Melanie entra en el mundo de Lydia, viuda y celosa madre de Mitch y de la pequeña Cathy. Lydia recibe a Melanie como un peligro para su estabilidad y seguridad, y sus miedos no son infundados. Tras...

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... el ataque de los gorriones en el salón, la casa y sus habitantes quedan hechos fosfatina. Lydia, bajo la atenta mirada de Melanie, coloca el retrato de su difunto marido, de facciones semejantes a las de Mitch. Melanie propone a Mitch que se quedará esa noche y Mitch asiente. La madre les observa salir de la habitación y cuando se queda sola clava su mirada en el infinito, ensimismada; sabe que el fin de su seguridad ha llegado, que su hijo ya no será suyo.

Al día siguiente, Melanie, en camisón, junto a la cama, pinta sus labios frente al espejo. Más tarde, cuando Lydia regresa de la granja del señor Fawcett afectada por la visión de su cuerpo mutilado, Mitch y Melanie se acercan a ella y Lydia arremete furiosa contra ambos y se aleja. Los dos entran en la cocina, se abrazan y se besan. El miedo de Lydia de ser desplazada de su familia por otra mujer se ha hecho realidad mediante lo único que ella no puede dar a Mitch y Melanie sí.

En la última secuencia, Melanie sufre el último ataque, el más feroz, y a punto está de sucumbir. Pero es salvada por Mitch y, desde ese instante, parece admitida por Lydia, que la acoge con amor maternal en sus brazos y se compadece de ella.

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Hasta la secuencia final, un enfrentamiento entre las fuerzas del bien y del mal que parece inspirarse en la secuencia de Superman II en que Superman se enfrenta a los tres supervillanos en las calles de Metrópolis con media población de espectadores, Fantastic Four se centra en el proceso psicológico de los protagonistas ante los cambios que experimentan en sus respectivas personas. Pero que nadie espere encontrar ni análisis freudianos, ni comportamientos desordenados, ni reflexiones existencialistas, los chicos parecen ajenos a la gravedad del asunto y se lo toman a guasa (auténtica ironía sobre los cómics de superhéroes, la de Jan y sus tebeos de Superlópez y su Supergrupo, extraordinarios) y se limitan a superficiales jueguecitos de palabras, tal que así:

La Cosa: “Hoy invito yo, que me tocó la pedrea.”
La Chica Invisible: “No, yo...”
Mr. Fantástico: “Venga, deja que me estire.”
La Chica Invisible: “Pero...”
Antorcha humana: “Pago yo. No querréis que me encienda.”
La Chica Invisible: “¡Jo, nadie me hace caso! ¡Parezco transparente!”

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Quizá una aventura en tono de comedia: los tres soldados británicos y el aguador hindú que aguan un levantamiento encabezado por un hechicero de ínfulas despóticas, la emboscada en el poblado aparentemente desierto, el ejército británico que llega en el último momento pero, cómo no, aún a tiempo...

O tal vez una comedia en clave de aventura: las gamberradas de Cutter y MacChesney, la mascota paquidérmica, las peleas entre los tres soldados, la primera escaramuza contra los “thugs”... El humor roza a veces lo disparatado, como la reacción de Cutter al ser descubierto en el templo “maldito”, o el homenaje, en este caso al gag de Steamboat Bill, Jr. en el que Buster Keaton se salvaba de morir aplastado por una fachada derribada por el huracán al atravesar el hueco de una ventana.

En definitiva un filme aconsejable a quienes disfruten con las historias de camaradería al estilo de John Ford o de Howard Hawks y prescindible para quienes disfruten con las historias de camaradería al estilo de Michael Bay o de Renny Harlin.

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El riesgo es inherente a cualquier empresa. Pero emprender un film interpretado por muñecos y con diálogos cantados es verdadero amor por el riesgo. Tim Burton desarrolló durante diez años este costoso y complicado proyecto hasta que su éxito con Edward Scissorhands y, sobre todo, con Batman, le avaló para que se pusiera manos a la obra. La colorida música, el inspirado diseño de decorados y la amplia variedad de personajes hacen de este film una obra admirable. Además, la técnica de animación paso a paso, tan arriesgada comercialmente y, por tanto, tan poco pródiga en las pantallas (desde la edad de oro checa en los 50 no se veían dibujos animados de este estilo), hacen de esta pesadilla una obra para quitarse el sombrero.

Si solo valorase la audacia, le reconocería sin dudar diez estrellas.

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