Dirigida por Katsuhiro Otomo, se basa en el manga del mismo título creado por él y publicado en 1982-93. Los decorados tuvieron un coste de 7 M. de dólares. Provocó un gran impacto en el público de todos los países. No es apta para menores de 13 años.

La acción tiene lugar en Neo-Tokio, ciudad surgida de las ruínas de Tokio, tras su destrucción por una explosión nuclear (16-VII-1988), durante la III GM. Temporalmente se sitúa en 2019, 31 años después de la catástrofe. Narra la historia del joven Tetsuo, miembro de una pandilla de moteros liderada por Kamada, enfrentada a otras pandillas y acosada por la policía. Tetsuo está enfadado porque los compañeros le tratan como a un niño y no le permiten aspirar a ser el líder del grupo, como desea. Tras sufrir un extraño accidente de moto, es recogido y trasladado a un hospital militar por fuerzas del Coronel. Es sometido a diversas pruebas, en el marco del "poyecto Akira" del Gobierno, orientado a encontrar personas capaces de controlar el arma más poderosa, la "energía absoluta". En la ciudad, una megalópolis de dimensiones fantasmagóricas, reina el caos. La convivencia se halla al borde del colapso por el terrorismo, la codicia de los dirigentes, científicos irresponsables, activistas antigubernamentales y otros grupos disidentes. La película exalta la conducta del Coronel, inspirada en el honor, la responsabilidad y el cumplimiento del deber y su voluntad de proteger la ciudad arriesgando su vida, si es preciso. Evidencia los peligros que conllevan los experimentos que implican manipulaciones humanas. Explica que el desorden y la anarquía no se resuelven con el uso de la represión y la fuerza, por grande que éstas sean. El disenso social no es un mal absoluto: no hay consenso posible sin disenso previo. La estética del film, propia del comic, se inspira en "Metrópolis", "Brazil" y "Blade Runner". El juego que establece con las dimensiones sobrehumanas de la ciudad, su aspecto gigantesco y extravagante, la enorme potencia destructiva de las armas que se muestran, la búsqueda del arma que será la definitiva por ser humanamente insuperable, confiere a la obra un clima de grandiosidad y sobrenaturalidad en el que cuadran referencias a lo absoluto y lo infinito. El mérito está en hacer creíble lo imposible: entre la grandiosidad y lo infinito no hay un paso al alcance del ser humano.

La música incluye hermosas melodías de percusión, coros polifónicos, armonías de órgano amplificadas y temas de baile, que se acompañan de sonidos ambientales hiperrealistas. La fotografía no disimula, sino que se apoya en los rasgos duros y simplificados del comic. El guión es sencillo, aunque no facilita la comprensión del espectador. La dirección creó un trabajo innovador, sorprendente y conmovedor.

Considerada como una de las mejores creaciones de Otomo ("Memories") y de la animación, abrió el camino para el inicio de la difusión del manga y del anime japonés.

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Los personajes forman diversos grupos. Por un lado está Kamada y sus compañeros de pandilla. Por otro, un grupo de activistas antigubernamentales entre los que están Kay y Ryn, a los que se une Kamada. El Coronel representa al Ejército a las órdenes del Gobierno. Los pequeños Hiroko, Saburo y Takashi son antiguos compañeros de Akira. Conviene prestar gran atención a las secuencias finales, para entender el film en su integridad.

Miquel

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Realización de Walter Salles ("Tierra extranjera", 1995), basada en las notas de viaje que tomó Ernesto Guevara de la Serna y reescribió años más tarde en el libro de memorias "Notas de viaje". Se rodó a lo largo de 16 semanas, a partir de mediados de junio de 2002, en más de 30 localizaciones. Impulsada por Robert Redford y producida por Michael Nozik y Karen Tenkoff, se estrenó en Argentina el 29-VII-2004.

La acción tiene lugar en 1952, en un recorrido de más de diez mil km, cubierto en 7 meses, que se inicia en Buenos Aires, cruza territorio de Argentina, Chile, Perú y Venezuela, para concluir en Caracas. Ernesto Guevara (Gael García Bernal) y Alberto Granado (Rodrigo de la Serna) comienzan el viaje en una moto Northon, de 1939, "La poderosa", hasta que vencida por la carretera, la abandonan para seguir a pie, en auto-stop y con otros medios (balsas, canoas, etc.). Ernesto es estudiante de medicina, especialista en leprología, asmático, de 28 años, hijo de una familia acomodada. Alberto, de 29 años, es bioquímico. Ambos son argentinos.

La película, narrada en formato documentalista, exento de tintes laudatorios, muestra la variada realidad física, humana, social y cultural de los años 50 en los países visitados y, por extensión, de toda la América latina. Entablan contacto con personas sencillas, conocen de primera mano sus problemas, desesperanzas e inquietudes y se unen a algunos de los que encuentran en el camino. Visitan el Machu Pichu, que produce en ellos una honda impresión por lo que les evoca y por lo que les dice. Se acercan a una leprosería situada en la selva amazónica, donde se detienen brevemente. Allí constatan que lo que han visto no conforma una experiencia inerte: les mueve a poner en cuestión la validez del progreso que margina y excluye a tantos. Allí comienza el proceso interior que les lleva a asumir un compromiso destinado a marcar el futuro de sus vidas.

La música, de Gustavo Santaolalla, recoge melodías propias de la localidades del recorrido, que conforman un conjunto colorista, vibrante y seductor. La fotografía, de Eric Gautier, muestra paisajes naturales espléndidos, grandiosos, abruptos y muy diferenciados. Describe con maestría los ambientes nocturnos, abiertos a la fiesta colectiva y a la confidencia individual. El guión, bien estructurado, hilvana un relato que se desgrana a la manera de un "road movie". Una afirmación y una exclamación del Che para el recuerdo: "Somos un único pueblo mestizo que se extiende desde Méjico hasta el estrecho de Magallanes" y la amarga exclamación: "¡Cuánta pobreza!".

Los dos amigos comienzan el viaje movidos por el espíritu de aventura que les anima y por afanes de diversión, entretenimiento, placer y curiosidad. Termina siendo un acicate que moviliza su capacidad de reflexión y provoca la aceptación de compromisos, cuyo desarrollo queda fuera del relato.

Miquel

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Segundo film protagonizado por James Dean, realizado por Nicholas Ray (1911-1979). El guión, del joven Stewart Stern, desarrolla un argumento original de N. Ray, adaptado por Irving Schulman. Toma el título del libro “Rebel Without a Cause: The Hypoanalysis of a Criminal Psychopath” (1944), del psiquiatra Robert M. Lindner. Se rueda entre el 28/III y el 25/V de 1955, en escenarios reales de California (L.A., Calabazas, Hollywood, Santa Mónica...) y en los platós de Warner Studios (Burbank, CA). Es nominado a 3 Oscar. Producido por Davis Weibster para la Warner, se estrena el 27-X-1955 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar a lo largo de unos pocos días de octubre de 1955. Jim Stark (Dean), joven recién llegado con su familia a L.A., coincide en la Comisaría de policía del barrio con Judy (Wood) y con John “Platón” Crawford (Mineo). Jim ha sido arrestado por embriaguez en la vía pública, Judy por vagar sola por las calles durante la noche y Platón por haber dado muerte a tiros a unos cachorros. Los tres son interrogados por el inspector Ray Fremick (Platt) y entregados a sus familiares, residentes en los alrededores, en los que se asienta una barriada de vecinos de clase media. Jim tiene 17 años, es hijo único de una madre autoritaria y fría y de un padre débil y pusilánime. Judy, de 17 años, es inocente e ingenua, y tiene problemas de relación con su padre, que no entiende y rechaza las demostraciones de afecto de la hija, ante la pasividad de la madre. Platón, de 15 años, de carácter inestable y retraído, es hijo de padres separados y no es querido por nadie. Al cuidado de una sirvienta, se siente solo y abandonado.

El film suma drama, romance y análisis sociológico. Explora el fenómeno de la rebeldía juvenil que emerge en EEUU como problema colectivo en los años 50 del XX. La nueva generación de adolescentes, llegados al uso de razón después de la IIGM, presenta una cota elevada de individuos conflictivos, transgresores, violentos y rebeldes, aficionados a las emociones fuertes, que con frecuencia caen en la práctica de actos delictivos. La idea del film surge como un intento de respuesta a la preocupación general del país por una problemática nueva y creciente. El film no es el único que aborda el problema de la conflictividad juvenil, pero deviene el más conocido y acreditado del momento. Tratan el tema films como “Salvaje!” (Benedek, 1953), “Semilla de maldad” (Brooks, 1955) y otros.

Los primeros borradores del guión establecían una relación de causalidad directa entre pobreza y delincuencia juvenil, que es rechazada posteriormente. Los hechos ponían de manifiesto que el fenómeno afectaba, también, a las clases medias y a las medias altas e, incluso, a las altas y acomodadas.

(Sigue en el “spoiler” sin desvelar partes del argumento)

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Los estudios empíricos más solventes del momento ponen en relación la conflictividad y la delincuencia juvenil con problemas familiares comunes a todos los estratos de la sociedad, como desestructuración o disfuncionalidad familiar, patologías afectivas de los padres, conflictos de pareja, situaciones diversas de desatención, desafecto y descuido de los hijos, etc. Otros factores causales se relacionan con enfermedades mentales de los padres, adicciones como el alcoholismo, inestabilidad laboral, jornadas laborales prolongadas, discapacidades sobrevenidas, etc.

El film relaciona, sobre todo, la conducta de los jóvenes rebeldes, con su búsqueda de la honestidad y la sinceridad en un mundo de doble moral, hipocresía y culto de las falsas apariencias. El film establece que los problemas de la juventud son, por encima de todo, el reflejo de problemas de fondo del mundo de los adultos.

El film constituye para Ray una gran oportunidad para crear una obra personal. Dispone al efecto de un margen de libertad y de una capacidad de maniobra muy amplios. Encomienda el guión a un joven de 32 años, elige como actores a Dean y Wood y consigue que el rodaje se haga en cinemascope. La cinta resultante es uno de los mejores trabajos de Ray, que deja en ella la huella de su personalidad. Como corresponde a sus gustos, el protagonista es un personaje confuso, incómodo, individualista, decepcionado y solitario. Aborda temas que le son particularmente gratos, como la marginalidad, la delincuencia, la juventud, la adolescencia segada en flor. Hace referencia a algunas de sus aficiones de juventud (Planetarium), incorpora en el subtexto referencias homosexuales, se posiciona a favor de los jóvenes, etc. El film constituye una obra clave dentro de la filmografía de Ray.

La interpretación de Dean, Wood y Mineo es brillante y convincente. Wood y Mineo son nominados a los Oscar (actriz y actor de reparto). Natalie Word tenía 16 años. Mineo debuta en cine. Dean se convierte en un icono del joven rebelde. Su indumentaria con los colores de la bandera americana (vaqueros azules, camiseta blanca y cazadora roja) deviene modelo largamente imitado en el país.

La música, de Leonard Ronseman (“Al este del Edén”, Kazan, 1955), crea una partitura apasionada, de viento y metal, que alcanza su punto culminante en la escena nocturna en el Planetarium, a la que comunica un nivel extraordinario de tensión y dramatismo. Añade composiciones ajenas clásicas (“Coro de las valquirias” de Wagner y la canción de cuna “Lullaby” de Brahms) y dos fragmentos breves de música popular del momento. La fotografía, de Ernest Haller (“El hombre del oeste”, Mann, 1958), en color (wagnercolor) y escope, emplea colores saturados, fuertes contrastes de luz y trazos expresionistas, que evocan el ardor y el vigor de la juventud.

Largometraje nº 11 de Ray, es uno de sus mejores trabajos. Film clásico y de culto, conserva parte de su interés inicial. Es un testimonio documental de una época.

Miquel

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Única película bélica de Sam Peckinpah, rodada en la antigua Yugoeslavia con un presupuesto muy ajustado. Se basa en la novela de Willi Heinrich.

La acción tiene lugar en la primavera de 1943 y se localiza en la península de Taman (Crimea), durante la retirada alemana. El relato se centra en dos personajes antagónicos: el sargento Steiner (James Coburn) y el capitán Stransky (Maximillian Schell). Steiner es un hombre mítico entre sus compañeros, por su hamanidad y generosidad. Stransky es un aristócrata prusiano, que ha pedido el traslado al frente oriental porque desea ganar la Cruz de Hierro, máxima condecoración militar alemana en tiempos de guerra. Es egoista y marrullero. Los dos personajes tienen historias diferentes, idiosincracias opuestas y actitudes contrarias en relación a la guerra. El enfrentamiento entre ambos, inevitable, estalla de inmediato y será duradero.

Peckinpah narra una historia compleja, rica en detalles y contenidos, que se desarrolla en primera línea del frente. La exposición constituye un retrato sombrío y trágico de los horrores de la guerra y de los daños físicos, psíquicos, morales y emocionales que provoca. Muestra el comportamiento caótico del mando; los conflictos internos de la dirección del Regimiento; la lucha por la supervivencia; la pérdida de los ideales; engaños, traiciones, abusos y chantajes de algunos jefes; la desesperación ante una guerra terrible de desgaste interminable, que no conoce pausas, etc. Por otro lado, el gusto de Peckinpah por la dualidad que marca contrastes ofrece escenas de amor del sargento con Eva (Senta Berger); la celebración festiva del cumpleaños de Meyer; la acogida colectiva de un chico ruso, de cara angelical, símbolo de la inocencia todavía posible y de la esperanza que no ha muerto del todo.

La fotografía de John Coquillon ("Perros de paja") y unos efectos especiales acertados permiten al director acentuar el realismo de la acción hasta alcanzar en algunos momentos el hiperrealismo. La música de Sam Gold ("Éxodo", "Vencedores o vencidos") se compone de 15 piezas, adaptadas a la acción. Destaca la descripción estridente y gozosa del estallido de la primavera que acompaña las primeras secuencias. Otras piezas destacables son "La masacre" y "La confrontación superada". La interpretación de James Coburn es tal vez la mejor de su carrera.

La película exalta los valores del sargento, que no lucha por convicción, ni para sobrevivir, sino porque cree que es su deber ayudar a los compañeros. Es el héroe de la obra: un anti-héroe que lucha, ama y perdona. El pelotón militar de mujeres rusas se presenta de un modo que sugiere su incompatibilidad con la guerra y su inferioridad. Este apunte de misogínia aporta un trazo innecesario de sombra en la narración. Orson Welles consideró que era la mejor película pacifista desde "Sin novedad en el frente" (1930), de Lewis Milestone.

Miquel

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Notable film de King Vidor. Escribe el guión Ayn Rand, que adapta su novela “The Fountainhead” (1943). Se rueda en escenarios naturales de California y en los platós de Warner Studios. Producido por Henry Blanke para la Warner, se estrena el 2-VII-1949 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar en NYC y Connecticut, en 1948-49. Howard Roark (Cooper) es un joven profesional que cree que la arquitectura está abierta a la renovación e innovación y que la repetición de las soluciones de siempre es empobrecedora. Dotado de una gran capacidad creativa, defiende sus ideas y propuestas con firmeza. Prefiere trabajar como picador en una cantera de granito, que aceptar componendas y sumisiones a las pautas convencionales. En Connecticut conoce a la rica heredera Dominique Francon (Neal), joven, soltera, caprichosa, voluntariosa y apasionada. Él es joven, honesto, íntegro, individualista, idealista y luchador.

El film suma drama y romance. Desarrolla la historia de un profesional que se comporta de modo inflexible ante las presiones personales, profesionales y económicas, encaminadas a obligarle a hacer concesiones a lo convencional, la mediocridad, el inmovilismo, el mal gusto y el capricho de los inversores. Exalta los valores del individualismo y de la lucha personal a favor de la integridad profesional y artística. Critica el colectivismo y sus diferentes formas de manifestarse (gregarismo, moda...) y de imponerse políticamente y socialmente. Ayn Rand (1905-1982), nacida en San Petersburgo, se exilió en EEUU y adquirió la nacionalidad norteamericana. Fue una defensora tenaz de los derechos y valores del individuo frente a la colectividad. Como guionista intervino en el rodaje del film con un grado similar de intransigencia que el del protagonista. No aceptó ninguna modificación del texto y no quedó satisfecha del resultado. La novela tuvo gran difusión en EEUU en los últimos años de la IIGM y notable aceptación entre los soldados norteamericanos que participaban en la contienda. La figura del protagonista se inspira en la del arquitecto Frank Lloyd Wright (1867-1959).

Al mismo tiempo la obra desarrolla una tempestuosa, compleja y tórrida historia de amor, que aporta al relato una interesante y atractiva atmósfera de tensión sexual, que se erige en uno de los elementos protagonistas de la cinta. Se ve reforzada por el uso de símbolos fálicos (martillo automático de la compresora, rascacielos en forma de torre visto en planos contrapicados), sueños y escenas metafóricas. El primer encuentro de Dominique y Howard en las canteras a cielo abierto de granito gris de Connecticut, bajo la luz cegadora del sol de mediodía y el calor abrasador del verano, sirve de alegoría de las pasiones que se desencadenan entre los dos personajes.

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Un tercer factor a destacar es la impresionante visualidad que el realizador confiere al relato, con dos secuencias culminantes: el encuentro de los protagonistas en la cantera de granito y en lo alto de la Price Tower. Las dos escenas son complementarias: en la primera Dominique está en un plano más elevado que el de Howard y en la segunda sucede lo contrario

Exalta la firmeza de carácter, la perseverancia, el sacrificio personal a favor de los propios ideales, la defensa de la innovación y de la vanguardia, la libertad artística, etc. Vista con los ojos actuales, resulta anacrónica la exaltación que propone del colosalismo arquitectónico. Casi todos los escenarios de NYC se presentan dotados de amplios ventanales acristalados abiertos a perspectivas grandiosas y elevadas de Manhattan.

La música, de Max Steiner, aporta una inspirada partitura de 29 cortes, entre los que destacan “Título principal”, “Final”, “Ataque al corazón de Cameron”, “Tema de Dominique” y “Celos de Dominique”. Combina fragmentos orquestales solemnes y fragmentos de solos instrumentales (piano). La fotografía, de Robert Burks, ofrece un brillante e imaginativo estilo visual, acorde con los gustos de Vidor, que realza y consolida la fuerza dramática del film. Suma amplias panorámicas, imágenes de excelente composición, desniveles vertiginosos y encuadres de notoria belleza plástica. Buenas interpretaciones, pese al desfase de edad entre Cooper y el personaje que interpreta.

Miquel

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