Mike Nichols ("Closer", "Armas de mujer") dirige y coproduce la película, que obtuvo una escasa respuesta comercial, pese al renombre de los protagonistas.

La acción se inicia en Nueva York y poco después se traslada a Los Ángeles. Narra la historia de un bribón, Nick Stumpo (Warren Beatty), que para fugarse a California con su novia Freddie (Stockard Channing) obtiene, bajo chantage, que su amigo Oscar Sullivan (Jack Nicholson) acceda a casarse con ella hasta que él obtenga el divorcio. A causa de la ley Mann, que prohibía viajar en compañía femenina con fines deshonestos fuera del Estado de residencia de la mujer, los tres, amparados en un matrimonio de conveniencia, emprenden viaje en tren, de inmediato, y lo concluyen en un fráfil avión de línea regular. La acción se desarrolla en clave de humor. Hace uso de numerosos gags, que recuerdan viejas películas americanas de los años 20. Nick y Oscar se pelean constantemente por celos, ya que ambos pretenden en exclusiva el amor de Freddie, y por codicia, porque ambos quieren apoderarse de la herencia que la chica va a recibir el día de su próximo cumpleaños. Pero la codicia es en ellos más fuerte que el amor, de ahí que les sea fácil llegar a un acuerdo ventajoso para ambos a partes iguales. El humor de la primera parte se basa en la torpeza de los personajes, malentendidos, enredos y en la ausencia de toda sospecha por parte de Freddie, que vive distraída a causa de su desmedida afición a la bebida. En la segunda parte el humor deviene negro y se basa en acciones homicidas tan inauditas como desventuradas para ellos. A la manera de los antiguos slapsticks, la intervención de la policía es rápida y contundente, lo que les lleva a confesar, entre mentiras, contradicciones y aparentes arrebatos de locura, un asesinato que no han cometido. Las escenas más destacadas del film son la del baile entre cortinas muy ligeras, de cristales engarzados, el día del cumpleaños de Freddie y la escena nocturna del puente, en la que se pasa de la soledad a un enorme atasco de tráfico.

La música, de Donald Shire ("Todos los hombres del presidente"), incorpora composiciones de baile de la época (tango, charlestón, etc.), que suenan de modo vibrante y con brillantez. La fotografía, del acreditado John A. Alonzo ("Tom Horn", "El precio del poder", "Harold y Maude"), aporta un relato visual de gran belleza, que alcanza niveles culminantes en las escenas nocturnas. El guión ofrece unos diálogos rápidos, claros e ingeniosos. La direccion da a la obra ráfagas de sutileza y un ritmo intenso, que capta la atención del espectador.

Obra menor dentro de la filmografía de director, actores y profesionales, de excelente fotografía y buena música, que resulta entretenida y divertida. Es de gran interés para fans de Jack Nicholson, que al año siguiente, tras varias nominaciones, iba a conseguir el Oscar al mejor actor principal.

Miquel

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Obra dirigida por Rosa Vergés, con fotografía de Mario Montero, música de Mauricio Villavecchia y guión de Jordi Barrachina y Rosa Vergés. Los exteriores son de Barcelona, Blanes y Mataró.

La narración se centra en la descripción de los estragos emocionales, psíquicos y morales, que la guerra produce en una muchacha normal, sencilla, sensible, trabajadora, pacífica y tenaz. La muerte violenta de la madre, un embarazo no deseado, la desaparición de su pareja (Oscar), la prisión y otros hechos sirven para llevar al ánimo del espectador el dolor y el desagarro interior de una persona golpeada desde lejos, pero en carne propia, por una guerra incomprensible y atroz. El drama de la guerra se superpone al drama personal que vive la protagonista (Iris) a causa de un amor equivocado, violento y desconsiderado, que la hace huir en busca del amor que necesita y afortunadamente encuentra. La acción se desarrolla con parsimonia, lentitud, atención a los detalles y afición por los objetos que en la obra tienen un cierto valor simbólico (el colgante, la flor del cactus, la rosa, etc.).

La fotografía sigue el ritmo de la acción, con movimientos de cámara suaves y precisos. Abundan las secuencias casi monocromas, en las que predomina un color: el crema en el interior de la vivienda de Iris, el blanco en las dependencias del hospital, el verde en el jardín de Papicactus, el rojo en otras ocasiones. La música aporta dos canciones originales, "Pintando el mar" y "La vendimia", que sugieren sentimientos de amor, añoranza, soledad y esperanza. La música de acompañamiento incorpora fragmentos de guitarra con clarinete y solos de guitarra, clarinete y acordeón, que acentúan el ritmo pausado de la acción y la profundidad del dolor de la protagonista. Las interpretaciones de Silke (Iris) y Ana Torrent (Magdalena) son acertadas y convincentes. No se entiende bien que en las escenas finales (situadas unos cuarenta años más tarde) Silke sea sustituída por Mariana Cordero y Ginés García Millán por Fermí Reixach.

La obra en su conjunto se presenta equilibrada y bien centrada en el objetivo dramático que persigue, si bien se echa en falta una mayor fuerza de conmoción, emoción y convicción, posiblemente a causa de un final erróneamente planteado.

Miquel

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Secuela de la película "Un hombre llamado caballo", protagonizada siete años antes por el mismo Richard Harris. El regreso de lord Morgan a la tierra de los indios llamados "manos amarillas" con el propósito de pasar con ellos unos meses destinados a recordar su amistad de varios años antes constituye el arranque de la historia, que se ve prolongada por la situación de sometimiento, esclavitud y alejamiento de las tierras de sus antepasados, en la que se encuentra el pueblo de sus antiguos amigos como consecuencia de la ambición y la falta de escrúpulos de un trampero que comanda un grupo de secuaces sanguinarios. La narración se desarrolla con el esmero, la corrección y la calidad visual propia de las obras producidas por la United Artists. La banda sonora incluye una banda musical, de Laurence Rosenthal, que destaca por su brillo y su adaptación al desarrollo de la acción. La interpretación de Richard Harris, en el papel de lord Morgan, se mueve en un nivel más que digno. El director aprovecha la ocasión que se le brinda para disponer una puesta en escena y un movimiento de actores que superan los límites de lo convencional para alcanzar algunos momentos de gran brillantez narrativa. Pese a ser éste un western de la época crepuscular del género conserva la seriedad, el sentido épico, el rigor y la emoción que caracterizaron a las películas de aventuras del viejo Oeste americano.

Miquel

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Sexta y última colaboración de Godard con su primera esposa Anna Karina. Film concebido por el mismo Godard, se inspira en la novela negra “Obsession” (1962), del especialista Lionel White. Se rueda en escenarios reales de Paris e Isla de Porquerolles (Hyères, Francia). Producido por Georges de Beauregard (“El desprecio”, 1963), se estrena el 29-VIII-1965 (Festival Venecia).

La acción dramática tiene lugar en Paris y la Costa Azul entre mayo y julio de 1965. Ferdinand Griffon (Belmondo), casado con una italiana adinerada y padre de un hijo, cansado de la vacuidad de la vida burguesa, decide abandonar la familia y el trabajo, unirse sentimentalmente a Marianne Renoir (Karina) y huir con ella al sur de Francia. Ferdinand es un antiguo maestro, ha ocupado un trabajo directivo proporcionado por su suegro y desea una vida libre y emocionante. Marianne es estudiante, ha trabajado hasta el momento como niñera contratada por la esposa de Ferdinand, hace 5 años tuvo una aventura son éste y se halla complicada en un asunto no aclarado con una banda de gángsters argelinos. Es vitalista, manipuladora y caprichosa.

El film suma drama, crimen, thriller, road-movie y sátira social. Marca la tercera y última colaboración de Godard con Belmondo, y la sexta y última con su primera esposa, Anna Karina. Es el décimo largometraje de los 14 que integran la primera etapa (1960-67) de la filmografía del realizador. La obra marca un hito dentro de la carrera de Godard por constituir un puente de transición entre la experimentación de los primeros trabajos y los que a partir de 1967 nutren su segunda etapa profesional con cintas politizadas y agridulces, como “Weekend” (1967). La obra reúne todos los elementos del universo godardiano, lo que la convierte en una cinta emblemática y relevante. En ella se encuentra romanticismo, monólogos, una odisea épica, aventura, violencia, reflexiones filosóficas, referencias cultas, citas cinéfilas, fatalismo y el distanciamiento bretchiano de los personajes respecto del público.

Incorpora diálogos improvisados, acciones que los actores conocen justo antes de la interpretación y aportaciones de éstos no propuestas por el realizador. La cinta no tiene un argumento convencional y la narración no se desarrolla de una manera lineal. Se compone de fragmentos yuxtapuestos e hilvanados sin un orden aparente, hecho que evoca la estética pop. Contrapone la manera de desarrollar el relato en la pantalla y en el libro, al objeto de mostrar las diferencias que separan la narración literaria de la cinematográfica.

Incluye en la película referencias a sus opiniones personales, tanto artísticas y técnicas como filosóficas. Explica su concepción del cine a través de un breve cameo de Sam Fuller. “Como un campo de batalla, el cine tiene amor, odio, acción, violencia y muerte. En una palabra, emociones”, dice Fuller.

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No faltan expresiones de su antiamericanismo y antibelicismo (Vietnam) y de su concepción sobre la duración inevitablemente limitada y breve del amor. Hace un uso intenso de la sátira, el humor y la fantasía. A la acción se superpone la tensión de la persecución de Marianne por un hecho pasado no aclarado que la mantiene en deuda con una banda de malhechores. Entre las citas literarias cabe recordar las dedicadas a Balzac; entre las plásticas las que ofrece de Velázquez, Renoir, Picasso y Modigliani; y entre las del teatro hay que referirse a la italiana comedia dell’arte. Entre las referencias cinéfilas cabe señalar las que dedica a Renoir, el homenaje que rinde al cine negro americano y el cameo de Fuller.

La música, de Antoine Duhamel, ofrece una partitura colorista y vibrante, que completa con dos bonitas canciones con letra de Boris Bassiak: “Ma ligne de chace” y “Jamais je ne t’ai dit que je t’amerai toujours”. La fotografía, de Raoul Coutard (“Banda aparte”, 1964), en color (eastmancolor) y scope, presenta un cromatismo brillante, imágenes potentes y composiciones de notable belleza visual. La obra hace uso de una estética realista de inspiración pop.

Miquel

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Producida y dirigida por Eastwood. El guión, de Joel Oliansky, fue escrito años antes para la Columiba. El director consiguió que la Warner adquiriera los derechos del mismo. Obtuvo el Oscar al mejor sonido, el premio al mejor actor principal en Cannes y el premio a la mejor actriz de reparto del NYFC.

La acción central tiene lugar entre 1945 y 1955, en NY y otras ciudades de EEUU. Narra la historia del saxofonista alto Charlie Parker, "Bird" (Forest Whitaker). La película muestra el drama del músico, que combina su éxito en NY, su descubirmiento de un nuevo sonido de jazz (el bebop) y su progresico descenso al abismo del alcohol y la heroína, de la mano de tendencias depresivas. La película, además, describe las relaciones del músico con su esposa Chan (Diane Venora), que apoyó siempre al marido, pese a sus múltiples infidelidades. Describe las relaciones con Dizzie Gillespie, compañero de fatigas y ambiciones musicales, su admiración por Duke Ellington y la distancia que se establece entre él y éstos a causa de las adicciones y la informalidad. La película contiene escenas destacadas, de gran emotividad: la presidida por un show televisivo cómico, el enfrentamiento de la mujer con el médico que prescribe una terapia inadecuada, el envío de diversos telegramas a la esposa tras conocer el fallecimiento de una hija y las tres escenas iniciales que relatan, de manera tan breve como magistral, la infancia, adolescencia y juventud del músico. La estética del film es oscura, lúgubre, melancólica y triste. Se basa en el uso intensivo de escenas nocturnas: en la calle, salas de baile mal iluminadas y espacios cerrados sin luz. La estética acompaña visualmente y emocionalmente la descripción del estado de ánimo del protagonista y su lento descenso a las tinieblas de la soledad y de la destrucción por la heroína.

La música ofrece un amplio repertorio de canciones y melodías que ilustran la vida del protagonista. Hace uso de viejas canciones operísticas (Mario Lanza), fragmentos de "El pájaro de fuego" (Stravinsky), composiciones propias y de otros autores. La música de saxo llena la banda sonora de elegancia, ritmo y emoción. La fotografía afronta la escasa iluminación dando al claroscuro el protagonismo visual, que enriquece con travellings magistrales y con encuadres de gran belleza. El guión centra la atención del espectador en dos planos de la vida de Bird: su relación con el consumo de adictivos y las relaciones con la mujer. Evita las referencias anecdóticas y la apología del biografiado. La interpretación de los dos protagonistas es extraordinaria: ambos merecieron mejor suerte en la nómina de premios y reconocimientos. La dirección destila lirismo, sensibilidad, pasión por el jazz, amor a la música, capacidad de crear cine químicamente puro, de la mejor calidad cinematográfica.

Película especialmente indicada para sibaritas del cine.

Miquel

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