Martin Scorsese, especialista en la realización de obras sobre la mafia, destila en esta película todo su saber al servicio de la narración de una historia espectacular, interpretada con eficacia por tres protagonistas de excepción y realizada con una sabia combinación de todos los recursos cinematográficos: música, color, imagen, cámara, decorados, efectos especiales, montaje, etc. Nada sobra y todo está en su lugar y en su justa medida. La historia se basa en hechos reales, a los que Scorsese les añade fantasía, vida propia, vibración, brillantez, ritmo y grandiosidad, hasta elevarlos a la categoría de epopeya de unos hombres que persiguen dinero y poder. Con ambición y codicia se puede construir un imperio, grande y fuerte, pero frágil porque un error o un descuido pueden arruinarlo para siempre. La acción se sitúa en Las Vegas en los años 70 y primeros 80 del siglo pasado.

Miquel

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Obra de Andrzej Wajda dedicada a narrar algunos aspectos de la historia de Polonia en los primeros años del XIX, a través del enfrentamiento entre dos famílias, una aliada de los rusos y la otra partidaria de la independencia. El director demuestra su dilatada experiencia cinematográfica en el movimiento de los actores, las marchas de compañías rusas, el asalto de los soldados rusos al castillo, el desfile de las tropas francesas camino de Moscú, las luchas a sable y escopeta ente los partidarios de las dos famílias enfrentadas. Combina adecuadamente escenas de interior con escenas al aire libre, que aprovecha para ofrecer imágenes de notable belleza plástica. La fotografía corre a cargo de Pawel Edelman, responsable de la fotografía de "El pianista", que demuestra sus conocimientos técnicos y su habilidad cinematográfica. La música ocupa una parte importante de la obra, a la que acompaña realzando y explicando la acción, con una orquestación vibrante que hace uso de la cuerda, el viento y la percusión. El paso de las tropas francesas de Napoleón es recibido con una melodía evocadora de la libertad, la independencia y la victoria, basada en un arreglo matizado y enriquecido de la Marsellesa.

Miquel

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Largometraje nº 40 de los realizados por Woody Allen (Allen Stewart Konigsberg). El guión, escrito por W. Allen, explora el universo de las clases medias cultas del Primer Mundo.

La acción dramática tiene lugar en Londres a lo largo de varias semanas del otoño de 2009. Alphie Shebritch (Hopkins) y su esposa Helena (Jones), ambos de algo más de 70 años, son padres de una hija única, Sally Channing (Watts), de treinta y tantos años, casada con Roy Channing (Brolin), sin hijos. Alfil, de posición acomodada, dado a la búsqueda de la juventud perdida, abandona el hogar conyugal. Es el “alter ego” de W. Allen. Helena, frágil, soñadora, ingenua e insegura, necesita sentirse acompañada. Busca ilusiones para llenar su vida solitaria y anodina. Sally, culta y atractiva, es aficionada a la pintura, se siente frustrada a causa de un matrimonio disfuncional, trabaja en una galería de arte y sueña con su jefe, Greg (Banderas). Roy cursó y terminó la carrera de medicina, pero trabaja como novelista de escaso éxito. Día (Pinto) estudia musicología y toca la guitarra. Charmain (Punch), exagerada y guapa, trabaja como prostituta.

La narración que presenta el film se caracteriza por su vocación realista, contenida y equilibrada, clasicista y exenta de exageraciones y desmesuras. Focaliza la atención en el análisis del comportamiento del ser humano, sus ambiciones, ilusiones, frustraciones y desengaños. Hace uso de unos diálogos bien construidos, expresivos y verosímiles, dotados de una brillantez comparable a la de films del autor que gozan de la mayor consideración. Juega con sus personajes habituales (novelistas, médicos, galeristas de arte, periodistas, jubilados, amas de casa, prostitutas, pintores, músicos, etc.), con la ayuda de los cuales explora las características y limitaciones de la naturaleza humana. Le interesa sobre todo el análisis de los miedos, temores, angustias, miserias, ruindades, fracasos, traiciones y deslealtades que definen y singularizan al género humano.

La narración se apoya en una voz en off, la del narrador, que facilita la comprensión del relato. El lenguaje es sencillo, claro y asequible. Se presenta lleno de referencias irónicas y críticas, que provocan hilaridad y sonrisas casi permanentes. Hace uso, posiblemente en mayor medida que en otras ocasiones, del esbozo, las explicaciones inconclusas, los puntos suspensivos, la resolución de partes del argumento mediante el recurso a la sugerencia y a la ambigüedad. El discurso completo, definido y explícito, da paso en esta ocasión a la reiteración de trazos abiertos, que el espectador ha de completar con sus propios recursos. A la manera de Lubitsch, uno de sus cineastas preferidos, sitúa fuera de pantalla algunos desarrollos.

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La lectura del relato invita a prestar atención a lo que se dice en el subtexto, a través del cual el realizador y guionista aporta elementos esenciales para la justa comprensión de la historia. Conviene advertir al espectador que para gozar plenamente del film se ha de adoptar frente al mismo una actitud activa, de búsqueda y descubrimiento de lo que se dice con medias palabras, gestos mínimos o, sencillamente, a través de silencios significativos.

Woody Allen, que tiene una enorme capacidad de trabajo y se ajusta a un plan riguroso y detallado de distribución temporal de tareas, deja en el film pruebas terminantes de lucidez, agilidad mental y capacidad de creación y conmoción. Su trabajo destila frescura, ligereza y sensibilidad, en cantidades muy notables. Su inventiva es fina y certera, su mordacidad es incisiva y potente, su puesta en escena es brillante y el ritmo de la cinta, pausado y profundo, es admirable. Los temas que trata en el film se refieren a la necesidad de los sueños, las ilusiones y las fantasías para hacer llevadera la vida humana y darle sentido. Muestra con elocuencia las insatisfacciones que provocan los sueños rotos y las desilusiones. Su pesimismo existencial, similar al de su juventud, le lleva a explicar la felicidad humana en términos que infunden un tono melancólico al relato.

Le preocupan el futuro, siempre incierto, y la muerte. Habla de psiquiatras, sexo, amor, infidelidades conyugales, divorcio, lluvia, obras de arte, etc. Explica el grado elevado de complejidad de las relaciones humanas. Entregan unas interpretaciones sobresalientes Gemma Jones, Anthony Hopkins y Naomí Watts, a la que dedica primeros planos llenos de ternura y admiración. No faltan las citas cinéfilas que en este caso se refieren a Bergman, Lubitsch y a dos películas soberbias: “La ventana indiscreta” (Hitchcock, 1954) y “Desayuno con diamantes” (Edwards, 1961).

La banda sonora, de varios autores, aporta un conjunto de temas jazzísticos de gran belleza, como “If I Had You” (Benny Goodman), “I’ll See You in My Dreams” (Eddy Davis Trio), “Only You (And You Alone)” (Tom Sharpsteen) y “Let Your Body Move” (Ferrari i McGregor). Añade fragmentos de la composición “Fandango”, para quinteto de guitarras, del compositor italiano fallecido en Madrid Luigi Boccherini (1743-1805) La fotografía, del húngaro-americano Vilmos Zsigmond (“Melinda y Melinda”, “El sueño de Casandra”), en color, crea imágenes luminosas, de elegante composición, colores atenuados y contrastes poderosos.

Se rueda en escenarios reales de Londres (Battersea, Westminster, Bayswater, Notting Hill…) y en los platós de Pinewood Studios (Buckingamshire, Inglaterra), con un presupuesto estimado (IMDb) de 22 millones de USD. Producido por Letty Aronson (hermana de W. Allen), Stephen Tenenbaum y Jaume Roures, para Mediapro, Versátil Cinema y Gravier Productions, se proyecta por primera vez en público el 15-V-2010 (Festival de Cannes, Francia).

Miquel

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Film realizado por Robert Guédiguian ("Marius y Jeanette", 1997). Escrito por el propio Guédiguian con la colaboración de Jean-Louis Milesi, se inspira en la novela "If Beale Street Could Talk" (1974), del americano James Baldwin. Se rueda en exteriores de Marsella y en plató. Gana el Gran Premio del Jurado de San Sebastián. Producido por Gilles Sandoz, se proyecta por primera vez en público el 7-IX-1998 (Toronto Film Festival, Canadá).

La acción tiene lugar en Marsella y Sarajevo, a lo largo de unos 6 meses, en 1997/98, con "flashbacks" explicativos. Clementina "Clim" Patché (Laure Raoust), de 16 años, conoce desde niña a François "Bebé" Lopez (Alexandre Ogou), de 18 años, hijo adoptivo, de color. Siempre se han profesado gran simpatía y han compartido juegos, paseos y conversación.

El film amalgama drama, comedia y romance. Analiza la historia de una pareja de adolescentes que viven sometidos a la dura presión de las actitudes racistas que informan una parte de su entorno social y afectan a algunos policías. Se ven enfrentados, además, a la fuerza devastadora de la droga, el paro, el paro encubierto, la semiocupación, los trabajos marginales, la falta de recursos y la ausencia de expectativas. Añaden dramatismo actitudes escapistas, de autoengaño y opciones a favor de falsas apariencias, de algunos mayores, que dificultan la afirmación de reacciones (personales y colectivas) responsables y racionales. Por otro lado, la ignorancia, las deficiencias de la información disponible y la falta de ejercicio de las habilidades personales, dificultan el despliegue de mecanismos de defensa y superación. Pese a todo, el amor profundo de pareja, las urgencias colectivas, la conciencia de que los problemas de la marginación y exclusión son colectivos, y otras circustancias, permiten tal vez no perder toda esperanza. La película muestra con fruición la amalgama de etnias y creencias que ocupa los barrios periféricos de las grandes ciudades europeas. Aporta un interesante viaje a Sarajevo, derruido visualmente por la guerra, como oportuna imagen de contraste para la reflexión.

La música incluye fragmentos de los nocturnos 1, 2 y 3, de Liszt, a los que añade canciones populares americanas ("Baby Let It Be", "Beale Street Blues"), francesas ("Te de homme", "Avec le temps") y magrebíes ("Ana el owerka", "Qum tara"). La fotografía se enmarca en escenarios de color pastel, hace uso de primeros planos psicológicos y apuesta por una estética realista que no evita planos escalofriantes (vertedero). El guión envuelve la historia en un clima sesegado, que corresponde a la visión ingenua y soñadora de Clim. Las interpretaciones son correctas. La película atenúa, sin ocultarlas, las aristas más dramáticas de una realidad alterada por el racismo de algunos, y el paro juvenil, la droga y la deseperanza de muchos.

Miquel

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Tercer film de la etapa mejicana (1946/55) de Buñuel. Se basa en un trabqajo previo de documentación en los suburbios de Méjico DF. Se rueda en 1950 en escenarios naturales y en los Estudios Tepeyac. Obtiene 1 premio de Cannes (dirección). Producido por Óscar Dancigers, se estrena el 9-XII-1950 (Méjico).

La acción tiene lugar en Méjico DF en 1950. La película aporta un retrato realista, crudo y pesimista del mundo de los adolescentes que viven en los suburbios de la ciudad, abocados a la miseria, la violencia y la criminalidad. El realizador no juzga a los personajes y no formula denuncias explícitas. Explica unos hechos que por sí mismos provocan malestar y mueven a la reflexión y a la crítica. La narración de Buñuel se desarrolla con una fuerza inusual, arrolladora e intensa. El estreno del film provoca entre el público y la crítica sentimientos de rechazo y reacciones de repulsa, a pesar de la voz en "off" que en el prólogo explica que el problema objeto de atención se da en todas las grandes ciudades del mundo: NY, Londres, París, Méjico DF y otras.

El film explora una realidad que el paso del tiemp ha agravado con la difusión del consumo de drogas, por lo que la propuesta de Buñuel mantiene su vigencia y actualidad. El punto de vista del realizador suma realismo y referencia surrealistas. Acentúa el dramatismo del argumento con referencias a temas tan perturbadores como la explotación laboral de menores, la pedofilia, el abandono de menores, la superposición de funciones de verdugo y víctima en los menores que pelean entre si, la burla de personas con discapacidad, la violencia entre iguales, etc. Se refiere, también, a la fatalidad del destino, al imperio de la irracionalidad y al absurdo de la vida. Se sirve de sueños, pesadillas y alucinaciones y de elmentos de su particular simbología: gallinas, huevos de gallina, gallos, cuchillos, perros, borricos. Aborda el tema de la lucha entre el Bien y el Mal a través de la interacción de Jaibo y Pedro. Muestra la pulsión del deseo con imágenes de los muslos de Merche manchados de leche, las cricias que recibe de don Carmelo y otras. Añade un plano transgresor, que pone de manifiesto la frustración y la rabia de Pedro en el reformatorio, al lanzar un huevo contra la cámara. La ceguera de don Carmelo sugiere la incapacidad de ver y los deseos de no ver de instituciones, Gobiernos y Administraciones.

La narración hace uso de elipsis (puerta que se cierra tras Jaibo y la madre de Pedro) y de sobreentendidos. Entre éstos, su concepción de que las causas del problema son estructurales y, por ello, las soluciones se hallan lejos de la política paternalista, supefricial y melosa de la Granja Escuela. Refuerzan el relato una banda sonorora vibrantge y potente, compuesta por Rodolfo Halffter a partir de temas de Gustavo Pittaluga, y una excelente fotogragía, de Gabirel Figueroa ("La noche de la iguana", Huston, 1964).

Gran película de Buñuel, emocionante, conmovedora e imprescindible.

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Los personajes principales son Jaibo (Roberto Cobo), fugado de un correccional; Pedro (Alfonso Mejía), hijo de una vilolación; don Carmelo (Miguel Inclán), invidente que malvive cantando en el mercado; la madre de Pedro (Stella Inda) y de otros menores; Merche (Alma Delia Fuentes), una adolescente atractiva e inocente; Julián y otros adolescentes de la calle.

Miquel

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