Primera película protagonizada por James Dean, inspirada en la novela homónima de Steinbeck. Obtuvo un Oscar a la mejor actriz secundaria y tres nominaciones (guión, director y actor principal).

La acción tiene lugar en Monterrey, Salinas y alrededores. El relato se inicia en 1917, antes de la intervención de EEUU en la I Guerra Mundial en abril de 1917 y finaliza antes de la terminación del conflicto (noviembre 1918). Narra la historia del granjero Adam Trask (Raymond Massey) y de sus dos hijos, Aaron (Richard Davalos) y Caleb/Cal (James Dean), que compiten por el aprecio del padre. Éste tiene sus preferencias puestas en Aaron, sumiso y formal, mientras Cal soporta sus reproches por independiente y rebelde. La madre, Kate (Jo Van Fleet), persona de espítiritu libre y vitalista, se vio obligada a dejar la casa y los hijos. Logró salir adelante regentando en Salinas, junto con Sally, un próspero establecimiento de lenocinio. La película aporta elementos muy valiosos de reflexión. Critica el comportamiento inflexible del padre, que busca en la Bíblia refugio para su debilidad. Exalta la libertad de pensamiento y acción del hijo menor, más inteligente que el padre y más competente para los negocios. Rechaza la sumisión del hijo mayor y exalta la figura de su novia, Abra (Julie Harris), que sabe intervenir en el conflicto familiar, con determinación, desenvoltura y conciencia de que su papel en la vida ha de ser activo y fuerte. La madre aparece como la principal víctima de la intransigencia de Adam, que le ha negado el efecto y el respeto que le debía y la ha alejado de los hijos. Recluída en la satisfacción efímera de sus ganancias y el afecto de Sally, es una persona atormentada, que se siente indigna ante los hijos y sufre la herida de su forzada exclusión de una vida familiar feliz. La condena de la guerra emerge en diversas secuencias ("La guerras están hechas para los hombres de negocios").

La música, de Rosenman ("El señor de los anillos"), en su primera intervención cinematográfica, se resume en la obertura de la obra, que contiene todos los registros y variedades necesarios para dar vida a cada uno de los episodios. La fotografía, de Tec McCord ("Belinda") ofrece algunos encuadres que inclinan la imagen global para mostrar centrada la del protagonista. El guión, de Paul Osborn ("Sayonara"), determina intervenciones breves, rápidas y contundentes. La interpretación de James Dean añade a su presencia y dicción una expresión corporal de gran mérito. Son destacables las intervenciones de la pelirroja Julie Harris y la de la madre, que borda un papel dificilísimo. La dirección rebosa vitalidad, inquietudes sociales, anhelos de paz y una envidiable brillantez narrativa.

Drama familiar, bien construído, que obtuvo un gran éxito de público y encumbró a la fama al protagonista, símbolo de una nueva generación de grandes actores.

Miquel

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Western dirigio por Fritz Lang, escrito por Daniel Taradash ("De aquí a la eternidad"), basado en un relato de Sylvia Richards y producido por la RKO.

La acción, situada en torno a 1860, se inicia en Wyoming, continúa en Texas y termina en el rancho "La rueda de la fortuna" (Chuck-A-Luck). Narra la historia del vaquero Vern Haskell (Arthur Kennedy), que persigue al bandido que asesinó a su novia, Beth Forbes (Gloria Henry). El sheriff y numerosos ciudadanos le acompañan hasta la frontera. En solitario, encuentra indicios fragmentarios que le permiten seguir un hilo que le conduce a la antigua cantante de cabaret Altar Keane (Marlene Dietrich), que regenta un extraño rancho con el apoyo circustancial de un antiguo amigo, Frenchy (Mel Ferrer). Lang capta los mitos y temas del western, que enriquece con su singularísimo sello personal, proclive al dramatismo, a la presencia de la maldad, a la creación de ambientes de misterio, intriga y fatalidad. En torno a Altar vive una colonia de bandidos y asesinos, que se ocultan de la justicia, de los compañeros y de ellos mismos. El silencio que domina la convivencia los sumerge en un mundo, casi irreal y opresivo, en el que bullen sentimientos de rencor, envidia y odio. La dueña del rancho, abatida por la soledad y el desamor, busca una salida emocional en la codicia, pero ésta aumenta su desazón. Los seres atormentados que pueblan el film no podrán evitar espirales de violencia verbal, psicológica y física. Escenas destacables del film son la descripción del brazo caído y la mano crispada de Beth, la canción de Altar al piano, la intimidad fugaz entre Altar y Frenchy ("Tú eres lo único que tengo", "Vern no me quiere") y la escena final.

La música, de Hugo Friedhofer ("Lo que el viento se llevó", "Gilda"), está ejecutada por un grupo orquestal de viento, bajos y percusión. Amplía el clima de tensión con sonidos disonantes y graves profundos. La película aporta tres cancions originales, de Ken Darby. Sobresale la balada "The Legend Of Chuck-A-Luck", interpretada por William Lee. La fotografía, de Hal Mohr ("El capitán Blodd"), usa una paleta de colores oscuros con predominio de ocres y verdes. La cámara se mueve en travellings muy dinámicos, giros de largo recorrido, abundantes primeros planos, planos próximos a grupos, escasos planos medios y algún plano profundo (paisajes inmensos). Abundan las escenas nocturnas y las de interiores con poca luz. El guión aporta diálogos breves e inquietantes. La interpretación de Kennedy, en uno de sus pocos papeles protagonisas, resulta sincera y emotiva. Marlene Dietrich está fascinante. Mel Ferrer traspira sobriedad y elegancia.

El mejor wester de Lang. Obra compleja, absorbente y admirable.

Miquel

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Sexto largometraje de los realizadores Joel Coen (Mineápolis, 1955) y Ethan Coen (Mineápolis, 1957) (no acreditado), para algunos es una de sus mejores películas. El guión, ficticiamente basado en hechos reales, es original de Ethan y Joel Coen. Se rueda en escenarios naturales de Minesota y Dakota del Norte, con un presupuesto estimado de 7 M USD. Nominado a 7 Oscar, gana 2 (guión original y actriz) y obtiene el premio a la mejor película del Festival de Cannes. Producido por Ethan Coen y Joel Coen (no acreditado) para Working Title, se estrena el 8-III-1996 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar en los primeros días del mes de febrero de 1987 en Brainerd (Minesota) y en otras localidades de Minesota (Mineápolis, Moose Lake...) y de Dakota del Norte (Fargo, Bismark...). Jerry Lundegaard (Macy), jefe de ventas de una empresa de compraventa de coches de segunda mano, con sede en Mineápolis, necesita con urgencia dinero para cubrir unas deudas personales. Contacta con dos mercenarios para que secuestren a su esposa Jean (Rudrud) y pidan a su suegro, Wade Gustafson (Presnell), un rescate de 80.000 USD, a dividir en dos partes iguales. Los mercenarios son Carl Schowalter (Buscemi) y Gaear Grimsrud (Stormare). Los hechos desencadenan la intervención de la sheriff de Brainerd, Marge Gunderson (McDormand), embarazada de 7 meses, que inicia una investigación. Jerry es tímido, apocado, frágil y de escasas luces. Marge, sencilla y tranquila, es sagaz y dispone de gran intuición. Carl es descuidado, incompetente y bastante tonto. Geaer es introvertido, pasa horas sin hablar, padece esquizofrenia y es violento y sanguinario.

El film suma crimen, thriller y comedia negra. Combina un relato criminal atroz con humor negro fresco y sorprendente. Construida con precisión y cuidada atención al detalle, la obra resulta una delicia, que sorprende y cautiva. Aunque a primera vista parezca un trabajo desmañado, en realidad es esmerado, complejo y rico en matices. Se sitúa entre los mejores de los hermanos Coen.

El relato se apoya en el uso alternado de dos planos narrativos prácticamente paralelos: el triángulo que forma Jerry con sus dos cómplices calamitosos y la intervención de la policía de un pequeño pueblo por medio de la sheriff del mismo, una profesional inteligente, astuta, lúcida y eficaz. Como es habitual en ellos, los realizadores se sirven, tal vez con mayor frecuencia que en otros films, de la figura de la contraposición. La comparación de contrarios les brinda buenas ocasiones para resaltar los aspectos que desean destacar, dotar al relato de vibración e intensidad y proveer una fuente de humor y comicidad.

(Sigue en el “spoiler” sin desvelar partes del argumento)

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

A lo largo del metraje se pone en relación la torpeza de unos y la astucia de otros, la degradación y la honradez, el descontrol de la acción propia y el cómodo control de la misma, la incapacidad de prever el futuro inmediato y la facilidad que tienen algunos de anticiparse a lo que va a suceder, etc. En este orden de cosas se muestra el desgaste emocional y físico de energías frente a la adecuada administración de las mismas. Las contraposiciones crean situaciones propicias para la ironía y la comicidad, como la contraposición entre las desbordadas ambiciones de dinero de unos y el interés prioritario de Marge por cosas que no se consiguen con dinero (conversación en el coche policial). Grandes interpretaciones de McDomand y Steve Buscemi.

Son escenas destacadas la de la máquina trituradora de madera, el largo enfrentamiento a tiros de un criminal y una de las víctimas, la intimidad doméstica de la sheriff y su marido, la conversación en el bar de Fargo, etc. Rinden homenaje a los pioneros escandinavos que participaron en la colonización de Minesota, al gigantesco leñador Paul Bunyan de los relatos legendarios del folclore norteamericano de las tierras del norte, a las costumbres sencillas y entrañables de la vida en familia y al cine y a los cinéfilos por medio de referencias a “Rashomon”, “Psicosis”, “Taxi Driver”, “La naranja mecánica”, “Paris, Texas”, “Sangre fácil” y otras.

El film explora con afición la cotidianidad. En ella funda las bases realistas y clasicistas que informan la estructura y el sentido del relato. Más allá de los límites del mismo, el film se adentra en la descripción de la realidad de la América profunda, que presenta dominada por la violencia, la codicia, la afición desmedida al dinero y por la cruel mediocridad de una vida encerrada en visiones de campanario, localistas, egoístas, interesadas y exageradamente miopes.

La banda sonora, compuesta y dirigida por Carter Burwell (“Quemar después de leer”, 2008), ofrece una partitura de 16 cortes, orquestal, variada y colorista, que acompaña adecuadamente a la narración visual. Combina pasajes fríos, elocuentes (“Paul Bunyon”), intimistas y descriptivos (“Moose Lake”). La fotografía, de Roger Deakins (“No es país para viejos”, 2007), en color, se complace en mostrar los paisajes nevados del invierno de las llanuras del norte, a las que dota de simbolismos y valores alegóricos. El aspecto desértico de las mismas evoca la pobreza espiritual de los que practican la violencia y el crimen, habla de la desolación que acompaña a los que desprecian la vida de los demás, explica que el mundo se hace pequeño y difícilmente transitable para aquellos que sólo aprecian la posesión de bienes materiales, presenta paisajes similares a los propios del día siguiente al de un desastre nuclear, etc. Derivadamente previene contra la guerra y formula propuestas a favor de la paz.

Miquel

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Fritz Lang vuelve a demostrar que es uno de los grandes del cine a través de esta película de pasión, frialdad, celos, amor, odio y muerte. El guión, de Alfred Hayes, se ajusta con esquematismos inevitables, pero con suficiente fidelidad, a la obra homónima de Emil Zola. Extrae de ella una historia en la que las pasiones de los personajes se entremezclan, se desarrollan y se enfrentan con violencia. La fotografía, de Burnett Guffey, acompaña la narración del guión con unas imágenes sobrecogedoras, llenas de expresividad y de gran belleza plástica. Combina enfoques en picado (de arriba hacia abajo y de abajo hacia arriba), luces y sombras intensamente dramáticas, contraluces sorprendentes, secuencias rápidas de planos estáticos y secuencias en las que la cámara se mueve ligeramente para subrayar un gesto o un movimiento de algún personaje. A todo ello se añaden unos magníficos travelings que acentúan la sensación de vértigo imparable que la historia incorpora y explica. La secuencia final en la que la cámara avanza sobre las vias del tren a gran velocidad y en una dirección indefinida constituye uno de los finales más atractivos del cine de todos los tiempos. La banda sonora incorpora una música compuesta e interpretada para acompañar la acción, de modo que ambas se funden en aras de conferir a la película una fuerza inusitada, poco común y de notable eficacia cinematográfica. La interpretación de Gloria Grahame (Vicky), Glenn Ford (Jeff) y Broderick Crawford (Carl) se beneficia de una dirección bien ejecutada por uno de los maestros más notables. En suma, la película ofrece al espectador un drama intenso bien realizado, bien interpretado y bien dirigido.

Miquel

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Quinto largometraje de Chaplin. El guión se inspira en la protagonista de la canción "La violetera", de José Padilla. Lo escribe Chaplin con la colaboración de Harry Clive y Harry Crocker (no acreditados). Se rueda en exteriores de San Francisco y en los Chaplin Studios, con un presupuesto estimado (Wikipedia) de 1,5 M dólares. Producido por Chaplin para UA, se estrena el 30-I-1931 (L.A., CA).

La acción tiene lugar en una gran ciudad americana en 1930, en los primeros meses de la Gran Depresión, cuando cunden el paro, la miseria, los atracos, los suicidios y la deseperanza. Un joven vagabundo (Chaplin) conoce casualmente a una vendedora ambulante de flores ciega (Cherill), de la que se enamora. Para que la chica se pueda someter a una costosa intervención quirúrgica de la vista, se pone a trabajar en oficios que exigen grandes esfuerzos físicos.

El film suma los géneros de comedia, drama y romance. Chaplin invierte 2 años de trabajo en la tarea de llevar adelante la producción y realización de la cinta. Convencido de que el cine es el arte de la pantomima, opta por realizar un film mudo, cuando el sonoro se hallaba consagrado. Terminado el rodaje, le añade efectos sonoros y la banda de música. Los diálogos se presentan en carteles escritos o se esbozan con el sonido de un silbato de feria (inauguración del monumento). Incorpora una sátira del cine sonoro y una apasionada exaltación del cine mudo. El guión es sobrio, sencillo y directo. El estreno de la obra obtiene un gran éxito de público, posiblemente el mayor de la carrera de Chaplin.

El protagonista es Charlot, el vagabundo marginado, solitario y sin techo, de la imaginería particular de Chaplin. En esta ocasión los dos únicos amigos que tiene, la florista ciega y el millonario excéntrico, no le pueden ver. El millonario sólo lo reconce cuando está bebido. El relato suma slapstick, parodia, sátira y crítica. Construye una historia conmovedora, tierna y enternecedora. Crea una atmósfera de ensueño en la que se dan la mano lo cómico y lo melodramático. Se burla de la vacuidad de los discursos políticos, la escasa fiabilidad del oído (la chica confunde a Charlot con un millonario), la mala calidad del sonido de los primeros films sonoros, la falsa felicidad que da la riqueza, las limitaciones y la fragilidad de la amistad, los deportes violentos, etc.

Son escenas destacadas la comida de espaguetis, el atraco de Charlot por unos ladrones, la errónea detención de la policía y, sobre todo, los emocionantes planos finales.

La música, de Chaplin, ofrece una partitura original romántica, melódica y colorista. El tema principal es el de "La violetera". Añade un fragmento del himno nacional de EEUU. La fotografía, de Roland Totheroh y Gordon Pollock, resalta la comicidad visual, la expresividad del mimo y el lenguaje corporal. Las imágenes destilan sobriedad, atención al detalle y el perfeccionismo de Chaplin. Se cuenta habitualmente entre las 100 mejores películas americanas.

Miquel

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