Realizado por Luchino Visconti, el film se basa en la novela del mismo título (1848) de Fedor Dostoyevski. Se rueda en plató al aire libre montado en Cinecittà (Roma). Gana el León de plata de Venecia, 3 Nardo d'Argento (actor, escenografía y música). Producido por Franco Cristaldi, se estrena el 6-IX-1957 en el Festival de Venecia.

La acción tiene lugar a lo largo de 4 noches de comienzos de invierno en una localidad portuaria de Italia, similar a Livorno (Toscana), en 1956/57. Mario (Marcello Mastroianni) es un modesto oficinista, soltero, que se topa en la calle con Natalia (Maria Schell). Mantienen una larga conversación, que repiten las tres noches siguientes. Él lleva poco tiempo en la ciudad y es de carácter solitario y melancólico. Natalia es joven, huérfana, soñadora, inmadura, ingenua y frágil.

La película desarrolla un drama con acotaciones de misterio y fantasía, que se enmarca en una atmósfera irreal y onírica. El escenario está hecho de calles húmedas, desoladas, sombrías, con rincones lúgubres y extrañas construcciones ruinosas. Las noches son largas y frías. Pueblan el lugar prostitutas, chulos, noctámbulos y personajes que se ocultan en la noche. La historia mezcla realidad, sueño y fantasía. Visconti manifestó que deseaba que el relato fuera a la vez real e irreal, objetivo e ilusorio. El inquilino (Jean Marais) en ocasiones parece un vampiro: viste de negro, aparece de noche y domina a la chica. Ella suma obsesiones, ternura y desequilibrios emocionales. La secuencia del baile es salvaje, erótica y ostenta un cierto aire visual dantesco. La obra se sitúa entre el neorrealismo de las primeras obras del realizador y la depurada estilización de sus últimos films.

El film constituye un notable experimento de cine poético en el sentido propio y más recio del término. A las imágenes líricas, los diálogos añaden el tono superior que se desprende de los valores de inocencia, honestidad, altruismo, hermandad, solidaridad, etc. Por lo demás, realiza un estudio serio, sosegado y profundo, de la soledad humana, que ahoga a los dos protagonistas, pese a su conversación y mutua interacción. La inquietud que se asocia a la soledad queda subrayada con los breves paseos de ambos, los intentos de escapar uno del otro, las búsquedas mutuas, los extravíos y sus reencuentros.

La música, de Nino Rota ("El padrino", 1973), sugiere sentimientos románticos, melancólicos y de intriga. Añade el rock "Thirteen Woman", de Bill Haley, que acompaña el baile, y una referencia operística ("El barbero de Sevilla", Rossini). La fotografía, en B/N, de Giuseppe Rotunno ("El gatopardo", 1963), crea imágenes de fuerte contraste, con predominio de tonos oscuros y luces irreales. Dedica un guiño de simpatía a Silvana Mangano, protagonista de "Mambo" (R. Rossen, 1955). Es excelente la interpretación de Mastoianni y notable la de Maria Schell.

Miquel

(ver vista para enlazar)

Producido por W. Lee Wilder (hermano de Billy Wilder), el film fue realizado por Anthony Mann. Se basa en el relato "The Big Shot", de Vicki Baum. Se rodó en plató, con un presupuesto de serie B. Se estrenó el 14-I-1945 (EEUU).

La acción tiene lugar en Pittsburg, San Francisco, Chicago y Méjico DF, en 1936. Narra la historia de Flamarion (Erich von Stroheim), solitario, enigmático, de gran puntería, convertido en artista de variadeades, a la manera de Guillermo Tell. Junto con sus ayudantes Connie (Mary Beth Hughes) y Al (Dan Duryea), presenta un número de arriesgados disparos, con los que hace blanco en botellas, bombillas, adornos del peinado y en los tirantes del vestido de Connie. Guarda un secreto en su interior, no fuma, no bebe y vive concentrado en mantener la puntería. Tras un largo paréntesis de 15 años sin relacionarse con una mujer, Connie le ofrece amistad y amor, que él acepta no sin resistencias.

La película desarrolla una historia dramática, que contiene celos, adulterio, chantaje, venganza y referencias de cine negro (asesinatos, mujer fatal, etc.). El film tiene interés especial por ser uno de los primeros (el 7º) de Anthony Mann (Emil Anton Bundesmann), en el que se ponen de manifiesto algunas de las constantes de sus héroes (oscuros secretos del pasado). Otro aliciente relevante viene dado por la presencia de Erich von Stroheim, genial director de cine mudo ("Avaricia", 1925), actor de cine sonoro. Los personajes del film son seres atormentados, que se mueven por celos, engaño, fraude, manipulación, deslealtad y traición. De modo sutil, pero intenso, el ambiente de la obra está saturado de sensualidad, erotismo, adulterios, deseos reprimidos, amores despechados, sexo en solitario y sexo con animales (Cleo). La protagonista, Connie, mantiene relaciones amorosas con el marido, Flamarion y Eddie, en una versión de ninfa maligna, que desea la eliminación de uno y la desparición de otro. No sólo la pasión y los instintos impulsan el comportamiento de Connie, también la mala fe, la maldad, el chantaje, la extorsión y la inducción al asesinato. Flamarion hace las veces de narrador en flashback, que con un flash sobre el final, hecho de dos disparos y un grito de mujer fuera de plano, suscita el interés del público desde el primer momento.

La música ofrece notas graves y profundas en los momentos dramáticos y ritmos de vals en los momentos románticos (suite del hotel Empire). Añade dos gratas canciones: "Chita" (Faith Watson) y "Lights Of Broadway" (Leser Allen). La fotografía presenta sombras que sirven funciones diversas: creación de ambientes sombríos, exposición de lo que ocurre tras la cámara y desestructuración de imágenes (sombras de cortinas venecianas). Usa tomas largas y sugestivos movimientos de cámara. El guión crea un crescendo dramático de progresión absorbente. La interpretación de Stroheim se ajusta con precisión a su papel. La dirección demuestra su extraordinaria habilidad narrativa.

Miquel

(ver vista para enlazar)

Realizada por Dino Risi ("La escapada", 1962), se basa en un relato del libro "Il buio e il miele" (1969), de Giovanni Arpino. Se rodó en exteriores de Turín, Génova, Roma y Nápoles y en plató. Ganó un premio de Cannes (actor). Obtuvo 2 nominaciones a los Oscar (film de habla no inglesa y guión adaptado).

La acción tiene lugar en un viaje de 7 días, que se inicia en Turín y concluye en Nápoles, en 1973/74. Narra la historia del capitán Fausto Consolo (Vittorio Gassman), mutilado a causa de un accidente en unas maniobras militares. Ha perdido la vista y parte del brazo derecho. Abatido y amargado, se comporta de un modo cruel y desconsiderado, pese a haber adquirido notable soltura de movimientos y una precisa noción de la ubicación de las cosas. Es mujeriego, bebedor, entrometido, maleducado, presumido y goza de un olfato muy agudo.

La película muestra los esfuerzos que una persona es capaz de poner en práctica, en determinadas ocasiones, para ocultar sus sentimientos y alimentar una falsa apariencia de fortaleza y seguridad. El film centra la atención en una persona con discapacidad sobrevenida, pero hace extensiva la reflexión a todas las personas que ocultan sus sentimientos por cualquier motivo. La tensión interior que sufren éstas, se traslada a su conducta y a sus relaciones con las personas que les rodean. No aceptar la compasión de los demás es una cosa diferente de no aceptar afecto, cariño, ternura y amor. El viaje de Fausto simboliza en cierto modo el trayecto personal que media entre la propia aceptación y la aceptación del afecto de los demás. La obra muestra en paralelo la capacidad de Fausto para enseñar a su joven acompañante, Giovanni "Ciccio" Bertazzi (Alessandro Momo), muchas cosas. En especial le enseña a distinguir entre apariencia y engaño, amor y fraude, halagos y egoismo, palabras y hechos. Le enseña, además, a pensar: observar, relacionar, deducir, razonar y entender. La sabiduría humana no consiste tanto en saber muchas cosas como en ser capaz de captar el sentido de las cosas.

La música, de Armando Tovajoli ("Dos mujeres", 1961), se apoya en una partitura original con un tema central romántico ("In The Dark") y variaciones con emocionantes solos de piano, guitarra y órgano. Añade canciones de otros autores, como "Champagne" (Peppino di Capri). La fotografía construye un relato sazonado de humor, en el que destaca la gesticulación de Gassman, el comedimiento de Momo y la sensualidad de Sara. El guión define bien a los personajes, los interrelaciona con acierto y elabora unos diálogos brillantes. La interpretación de Gassman es excelente, incluidas las sobreactuaciones previstas en el guión. La dirección crea una obra irónica, rica en matices, intrigante y muy humana, que trata un tema universal e intemporal.

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

El objetivo oculto del viaje termina en un afortunado fracaso, que da sentido y confiere fuerza al relato.

Miquel

(ver vista para enlazar)

Una de las pocas comedias de Greta Garbo, rodada en 1938 en París y en los estudios de la Metro. Basada en un musical de Broadway titulado "Silk Stocking", obtuvo 4 nominaciones a los Oscar (película, actriz principal, historia original y gruión).

La acción tiene lugar en París, Moscú y Constantinopla en 1938. Narra, en clave de comedia, la historia de amor entre una rígida y fría agente sociética, Ninotchka (Greta Garbo) y un distinguido playboy, el conde León d'Algout (Melvyn Douglas). La película desarrolla una elegante y divertida crítica del comunismo y del régimen soviético de la era de Stalin, que presenta adusto, totalitario y amenazador (depuraciones, deportaciones a Siberia), frente a la libertad, alegría y diversión del sistema occidental. También critica el régimen nazi, al mostrar con aire de extravagancia un saludo a mano alzada entre una pareja o matrimonio, en la estación del tren. Sobre todo, Lubitsch y la película ofrecen una estudio profundo y apasionado del ser humano, que no se adapta a las conductas rígidas, a la gravedad de las consignas, a la ebullición ideológica, a la vida bajo amenazas y peligros constantes, porque está hecho para la alegría, la risa, la amistad, la vida social, la libertad, la iniciativa personal y el libre pensamiento y para el amor, que rompe convenciones y moviliza energías de fuerza incontenible. Es, además, una comedia que rebosa ironía, comicidad, farsa y sátira, en una narración realizada con gusto, finura y sutiliza. El trío de agentes bolcheviques aporta uno de los motivos principales de humor, que se completa con la figura hierática de Ninotchka, sus justificaciones ideológicas y su inicial falta de sentido del humor.

La música combina antiguas melodías vienesas de cuerda con modernos fragmentos de viento y percusión. La fotografía mueve la cámara con agilidad y diligencia, haciendo uso de giros soberbios y travellings extraordinarios, como el inicial que sigue el recorrido del recepcionista del hotel y el de aproximación desde el aire a los agentes rusos en el aeropuerto de Constantinopla. Merece destacar el "efecto Lubitsch" que se utiliza para presentar la comilona de los bolcheviques desde fuera de la puerta de la suite en la que tiene lugar la acción. La imagen está tratada con una paleta de grises de extraordinaria riqueza. El guión, basado en una historia original de Melchior Lengyel ("To Be Or Not To Be"), contiene unos diálogos brillantes y una magnífica descripción de la trama. La interpretación de los protagonistas es soberbia. La dirección imprime a todas las escenas el delicioso "toque Lubitsch".

Estrenada en noviembre de 1939, dos meses después del inicio de la II GM en Europa, obtuvo un gran éxito de público. Obra memorable y míticia, ha sido objeto de varios remakes y de numerosas imitaciones.

Miquel

(ver vista para enlazar)

Película de Preminger, basada en la novela de Françoise Sagan, que levantó en su día una gran polémica y obtuvo un gran éxito de ventas. La película se presenta como la evocación en blanco y negro por parte de la narradora y protagonista Cécile (Jean Seberg), de 17 años, desde un París invernal, de los recuerdos del último verano en la Riviera francesa, que se insertan en forma de diversos flash-back. Éstos están rodados en color y cinemascope en escenarios naturales de gran belleza y de presencia gradiosa y espectacular. La narración constituye una exposición sincera y desgarrada de una sociedad acomodada que aprovecha las vacaciones para rendir culto al placer. Lo hace desde una perspectiva de despreocupación, indolencia y sensualidad, en un marco natural en el que el sol, el mar, los deportes náuticos, la pesca deportiva, los paseos en lancha, el baile, la buena cocina, la bebida abundante, el juego y el clima social invitan a gozar de los sentidos sin inhibiciones y en plenitud. El culto al placer es el tema central de la novela y de la película. Su tratamiento se hace desde una perspectiva seductora y, a la vez, ambiguamente crítica, ya que se explica que la envidia, los celos, los temores, el resentimiento y la defensa de los propios intereses, generan enredos, maquinaciones y engaños tendentes a la marginación o al desplazamiento de aquéllos que quieren poner límites al deseo y a la pasión de otros. Los resultados, vistos por la protagonista desde la perspectiva que ofrece el paso del tiempo, la ubicación en un lugar diferente, los sentimientos de culpabilidad y la contraposición entre invierno y verano, generan en ella una sensación suavemente ácida de tristeza. La interpretación de Deborah Kerr (Anne), David Niven (Raymond) y Jean Seberg realzan y engrandecen la película. El entonces crítico de cine Jean-Luc Godard quedó prendado de la actuación de Jean Seberg hasta el punto de hacerla protagonista de su primer largometraje, "Al final de la escapada" (1959).

Miquel

(ver vista para enlazar)