Uno de los pocos films sobre la Guerra de Independencia de los EEUU (1775-1783). Realizado por John Ford y escrito por Lamar Trotti (“Incidente en Ox-Bow”, Wellman, 1943) y Sonya Levien, adapta la novela "Drums Along The Mohawk” (1936), de Walter D. Edmonds. Se rueda en escenarios exteriores de Utah y en los platós de Fox Studios (L.A., CA). Es nominado a dos Oscar (actriz de reparto y fotografía). Producido por Darryl F. Zanuck y Raymond Griffith (dos de los fundadores de la Fox), se estrena el 3-XI-1939 (NYC, preestreno).

La acción dramática tiene lugar en Albany (NY) y en el valle de Mohawk, en territorios actuales de Nueva Inglaterra, al Norte del estado de NY, entre 1776 y 1783. Gilbert “Gil” Martin (Fonda) y Magdalena “Lana” Borst (Colbert) contraen matrimonio en Albany y se trasladan como colonos al valle de Mohawk, donde les espera una vida de sacrificios, trabajo y aventuras. Gil es recto, íntegro y justo y conoce los secretos del cultivo del campo. Lana, hija de una familia acomodada y urbana, ha de hacer un gran esfuerzo de adaptación a la vida aislada y solitaria del campo en tiempos de guerra.

El film mezcla drama, romance, guerra y western. Construye un apunte intenso de la Guerra de Independencia de los EEUU, que amplía y enriquece el tratamiento que el realizador construye de la historia americana a través de sus films, especialmente los westerns. De acuerdo con sus constantes, se interesa por la vida cotidiana de los colonos, su pertenencia a grupos que participan como tales en la acción, el protagonismo de la mujer en los territorios de frontera, la importancia de su papel en los primeros pasos de la construcción del país, la presencia temible de los indios nativos, la crueldad de la guerra y la preocupación por todos los aspectos del drama humano. Combina drama y tragedia con humor, al que dedica escenas tan memorables como el enfrentamiento de la viuda McKlennar (Oliver) con dos indígenas que pretenden quemar su dormitorio y los prolegómenos de la amputación de una pierna al general Nicholas Herkimer (Imhof).

La narración se apoya en una trama sencilla y en escenas de gran vigor, como la larga persecución de Gil por tres nativos, la evocación de sus recuerdos de guerra y la contemplación por Lana de la marcha de Gil a la guerra. Hace uso de elipsis y sobreentendidos. Se sirve de un tono equilibrado y mesurado que le lleva a construir un dramatismo intenso que evita la exageración y las tintas sobrecargadas. Con habilidad y parquedad de medios crea situaciones de gran emotividad (boda, llegada de las tropas americanas, izado de la bandera).

El film marca la segunda colaboración en cine de Ford y Fonda sobre un total de seis. Exalta la fortaleza de la mujer y su capacidad de trabajo y sacrificio. Muestra los horrores de la guerra y sus secuelas. Elogia el espíritu patriótico. Admira la entrega y audacia de los pioneros. Explica el significado de la bandera.

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La música, de Alfred Newman, ofrece una partitura de aires dramáticos con interludios descriptivos y de acción. Confiere al conjunto cualidades solemnes y épicas. Como música ajena añade un corte de “Yankee Doodle” (tradicional) y de “America My Country Tus Of Thee” (izado de la bandera). La fotografía, de Bert Glennon (“Río Grande”, 1950) y Ray Rennahan, en color (technicolor), compone imágenes de visualidad pictórica, con numerosas secuencias de poca luz que resuelve con un uso acertado del dibujo y del claroscuro. Destaca el cromatismo entrañable del primitivo technicolor, dominado en este caso por los azules. Es gratificante el uso que hace de la profundidad de campo, la precisión de los encuadres, la eficiencia de los planos y la abundancia de los primeros planos (ramo de la novia). Es el primer film en color de Ford.

Miquel

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Para muchos es el largometraje más destacado de Mitchell Leisen. Charles Brackett y Billy Wilder escriben el guión a partir de un argumento de Edwin Justus Mayer y Franz Shulz. Se rueda en los platós de Paramount Studios (Hollywood), salvo algunas tomas filmadas en Paris. Producida por Arthur Hornblow Jr (“Testigo de cargo”, Wilder, 1957), se estrena el 15-III-1939 (EEUU).

La acción dramática principal tiene lugar en Paris y Versalles a lo largo de dos días de 1938, con un epílogo final. Una corista norteamericana en paro, Eve Peabody (Colbert), llega a Paris en busca de trabajo. Conoce al taxista Tibor Czerni (Ameche), de origen húngaro, que se enamora de ella y la invita a cenar. Más tarde conoce a Georges Flammarion (Barrymore), que la ayuda a encontrar alojamiento, la invita a una fiesta en su mansión de Versalles y le propone que enamore a Jacques Picot (Lederer), amante de su mujer, Helene (Astor). Eve es sencilla, simpática, honesta e inteligente.

El film suma comedia y romance. Es el largometraje nº 12 (sobre un total de 41) de la filmografía del realizador. Contiene elementos de “screw comedy” o comedia alocada. La acción se apoya en un guión escrito con maestría. El ritmo es ágil e intenso. Los diálogos son rápidos, ocurrentes y chispeantes. El humor se basa en torpezas, confusiones, suplantación de identidades, falsas identidades, engaños, mentiras, embrollos, etc. También se apoya en situaciones inesperadas, sorprendentes, imprevisibles e insólitas (Eve llega a Paris en traje de noche y sólo lleva lo puesto). Se sirve, además, de ocurrencias hilarantes, sorpresas y comportamientos impropios (quitarse los zapatos durante un concierto). Añade elementos de burla, farsa y crítica mordaz, que focaliza en la estupidez humana, la presunción, la vanidad y la falsedad. No falta el recurso al absurdo, la incongruencia y la locura.

La historia hace referencia a varios trazos del cuento de Cenicienta: la chica pobre, las ayudas casi mágicas que recibe, la llegada del príncipe azul, el temor de que la medianoche rompa el hechizo de la buena suerte, etc. Divide la sociedad en dos grupos: la burguesía y las personas humildes. La burguesía es perezosa, inútil, tonta, vanidosa, infeliz y mentirosa. Las personas sencillas son solidarias, alegres y felices. La interpretación de Colbert es espléndida. Son convincentes las de Barrymore, Astor (embarazada), Lereder, etc. El vestuario es variado y deslumbrante. Ofrece imágenes de época (1938) de París, cuyas calles lucen entrañables modelos nuevos de coches Renault (Juvaquatre, Primaquatre, Vivaquatre...), Citroen (series Rosalie), Peugeot (series 200 y 300) y Rolls Royce. La concentración de taxistas recuerda un hecho histórico ocurrido en Paris durante el sitio de la ciudad en tiempos de la IGM.

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Son escenas destacadas la del baile de la conga, la llamada telefónica a Budapest, la partida de bridge, la del desayuno durante el que Eve da a entender que su marido está loco y otras. La cinta es uno de los 700 films del período situado entre 1929 y 1949, que la Paramount vendió a la Universal en 1958. La obra incorpora diversos elementos que forman parte de las constantes de Billy Wilder, como el tren, la estación de tren, los coches flamantes (Rolls Royce), los nuevos modelos de coches, la suplantación de identidades, etc.

La música, de Frederick Hollander (“Sabrina”, Wilder, 1954), ofrece una partitura de composiciones festivas, alegres, divertidas y burlonas. Añade un fragmento de “Estudio nº 12” (Chopin) y de “La conga” (canción y baile cubano de origen africano). La fotografía, de Charles Lang (“Sabrina”), en B/N, crea planos de media y larga distancia, busca perspectivas generales, construye composiciones equilibradas y aporta una larga serie de lances de humor visual.

Miquel

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Séptimo largometraje de Louis Malle. Escrito por él en colaboración con Jean-Claude Carrière y Daniel Boulanger (diálogos), se inspira libremente en la novela "Le voleur" (1897), de Georges Darien. Se rueda en platós decorados por Jacques Saulnier. Producido por Norbert Auerbach, se estrena el 22-II-1967 (Francia).

La acción principal se sitúa en Paris, con salidas a Versalles, Bruselas y Londres, entre los últimos años del XIX y los primeros del XX. Georges Randal (Belmondo), hijo de una familia acomodada, queda pronto huérfano y bajo la tutela de su tío Urbain Randal (Lude). Cuando termina los estudios y tras cumplir el servicio militar, se encuentra que el tío ha dilapidado su herencia y ha convenido el matrimonio de su prima y novia Charlotte (Geneviève Bujold) con un vecino rico.

El film es una comedia dramática de época, con componentes de aventuras, romance, humor, tensión policíaca y descripción de costumbres. La novela en la que se inspira es obra de un autor de tendencias anarquistas, que no oculta en los textos sus posiciones anticlericales, anticoloniales, anticapitalistas y antisistema. Olvidado tras su muerte, Georges Darien es redescubierto a mediados de los 50, a raíz de la reedición de "Le voleur". Malle se mofa de los viejos y nuevos ricos, poniendo de manifiesto su petulancia, mediocridad e hipocresía. Desgrana un análisis cáustico sobre el enriquecimiento, el mundo de los negocios y las relaciones de los ricos con el poder. Identificándose con el protagonista, explica su visión crítica de la burguesía, individualista e insolidaria, a la que considera incapaz de servir al bien común. La figura del tío Urbain, cínico, tramposo y codicioso, es para él la encarnación de la misma. A lo largo del relato Georges deviene un adalid de la lucha contra una clase dominante, egoísta y expoliadora, a la que quiere herir donde más le puede doler: la riqueza y el dinero, simbolizados por joyas, valores, billetes, cajas fuertes, carteras, etc.

A través del protagonista propone una vida amorosa de encuentros esporádicos y romances efímeros, basados en la libertad sexual que arraigó a lo largo de los 60 en Europa y en EEUU. Rodada tras "¡Viva María!" (1966), es la segunda cinta realizada al amparo del contrato firmado por Malle con la United Artists. No es una obra culminante del autor, pero es atractiva e interesante.

La música, de Henri Lanoë, se limita a unos pocos insertos de piano, breves y románticos, dedicados a Charlotte. La fotografía, de Henri Decaë ("Los 400 golpes", 1959), presenta un excelente trabajo de cámara. Demuestra preferencia por colores y tonos sobrios (pastel, marrones oscuros). Resalta el humor visual (ladrones en el tejado, cena política), al que acompañan algunos apuntes de humor negro y macabro. Las buenas interpretaciones de Belmondo y Bujold muestran la habilidad de Malle en la dirección de actores. La banda sonora es rica en efectos sonoros realistas (trino de jilgueros, pasos, campanadas...).

Miquel

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Decimotercer largometraje de Vittorio De Sica. Escrito por Cesare Zavattini ("Ladrón de bicicletas", 1950), se inspira en hechos reales. Se rueda en exteriores y escenarios naturales de Roma y alrededores. Gana el premio OCIC de Cannes (De Sica), el Nardo d'Argento ("Silver Ribbon") al mejor guión y es nominado a la Palma de oro. Producido por De Sica y Marcello Girosi, se estrena el 6-X-1956 (Italia).

La acción tiene lugar en Roma en los primeros meses de 1956. Un peón de la construcción, Natale (Listuzzi), cuya aspiración es ser albañil, se casa con Luisa (Pallotta), sirvienta doméstica, pese a no disponer de un techo bajo el que dormir. El hecho sirve al realizador para componer un fresco realista de la Italia de la Posguerra, en especial de la ciudad de Roma, que explica en tono documentalista, con estilo sobrio, austero y sincero, exento de artificiosidad y con insobornable veracidad. Habla de la familia, la pobreza general del país, la carestía de la vivienda, el precio de los alquileres y de los subarriendos de habitaciones, la falta de servicios sociales, el paro, la subocupación generalizada. Muestra la desesperanza asociada a los difíciles años de la Posguerra, su prolongación en el tiempo, las ilusiones rotas por la IIGM y la dificultad de superarlas. Aproxima al espectador a una realidad trágica, en la que anidan la desesperación y la desesperanza, ocultas bajo capas de silencio y falsas apariencias de conformismo.

Los planos generales muestran un paisaje ruinoso, húmedo, sucio, descuidado y abandonado, en el que campan a sus anchas roedores, insectos y parásitos. El paisaje deviene espejo del alma de los personajes, abocados a luchar por la supervivencia en condiciones lamentables. "Umberto D" se ocupa de la triste situación de los jubilados, "El limpiabotas" presta atención a los niños menesterosos, "Milagro en Milán" habla de los marginados. "El techo" se ocupa de los jóvenes en edad de casarse enfrentados a la necesidad de una vivienda. El film cierra la etapa neorrealista del realizador con la mirada puesta en una realidad trágica, similar a las de sus películas del período 1946/55. El público le dispensó una acogida fría, pese a su interés.

La música, de Alessandro Cicognini, se basa en una partitura sencilla, de tono popular, sabor italiano y de potente impacto emotivo. La interpretación corre a cargo de pequeños grupos sinfónicos y de instrumentos inusuales, que subrayan los desequilibrios sociales que denuncia el relato. La fotografía crea composiciones de cuidada factura y excelente dibujo. La realización se complace en la creación de ambientes patéticos, como en films anteriores.

Miquel

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Film realizado por Delmer Daves ("El tren de las 3:10", 1957). El guión de Michael Blankfort se basa en la novela histórica "Blood Brothers" (1947), de Elliott Arnold. Se rueda en 1949 en escenarios naturales de CA (Alabama Hills, Inverson Ranch) y Arizona (Cathedral Rock, Flag Staff, Oak Creek Canyon y Old Tucson). Es nominado a 3 Oscar (guión, fotografía y actor reparto-Chandler). Producido por Julian Blaustein para la Fox, se estrena en "première" el 21-VII-1950 (EEUU).

La acción tiene lugar en Arizona entre 1870 y 1873. Tras el levantamiento apache de 1861, se viven cruentos enfrentamientos diarios entre indios y blancos. El joven Tom Jeffords (Stewart), solitario buscador de oro, es llamado a Tucson, donde el coronel Bernall le encarga la misión de visitar a Cochise (Chandler), jefe de los indios apaches chiricahua, para pedirle que permita el paso por sus tierras del jinete de postas (correo) que comunica Fort Bowie y Tucson.

El film suma los géneros de drama, romance y western, a los que añade elementos de acción, guerra e historia. Rompiendo con una larga tradición, el film trata con respeto a los indios. Resalta sus virtudes: apego a la tierra, lealtad, sentimientos humanitarios, etc. Muestra a Cochise como un líder inteligente, comprensivo y buen estratega militar. Denuncia los prejuicios racistas, defiende los matrimonios interraciales, apuesta por la convivencia y propone la igualdad de derechos.

El realizador desarrolla una narración fluida e intensa, a la que imprime un buen ritmo. Se basa en una historia interesante, construida con buen oficio, que incorpora hechos y personajes históricos (Cochise, Jerónimo, Tom Jeffords, general Howard), junto a otros de ficción (romance). El relato hace referencia a hechos del pasado (revuelta apache de 1861, batalla de Paso Apache de 1862), que permiten situar la historia dentro de un contexto amplio, realista y coherente, que le da densidad, fuerza y trascendencia. El personaje del general Oliver Otis Howard (Basil Ruysdale), sirve para dar relieve y confirmación autorizada a las posiciones del protagonista y del film. Añade una brillante puesta en escena, diálogos rotundos y movimientos colectivos muy bien diseñados. El film da lugar a dos secuelas: "Paz rota" (Sherman, 1952) y "Raza de violencia" (Sirk, 1954). Tuvo gran influencia en los westerns posteriores por lo que respecta al trato dado a los indios. Aprovecha las escenas bélicas para explicar, con planos generales y de detalle, el sentido estratégico y táctico de Cochise.

La música, de Hugo Friedhofer, aporta una hermosa partitura (21 cortes) de viento, que suma temas dramáticos, emotivos solos de clarinete y flauta y un sutil tema de amor. La fotografía, de Ernst Palmer, en color, combina escenarios de acción y lucha, composiciones ideadas para dar cabida a escenas intimistas y románticas y planos explicativos de los sentimientos de ternura que embargan a los indios y al público. Es uno de los mejores westerns de Daves.

Miquel

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