Críticas de: FERNANDO BERMEJO

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FERNANDO BERMEJO

Por todos es sabido que En busca del tiempo perdido revolucionó la novela moderna. La monumental obra de Marcel Proust reproducía los movimientos de la memoria y plasmaba el funcionamiento de la mente de su narrador. Por ello es conveniente recalcar que una adaptación de esta novela o de un pasaje de la misma, como es caso, es una tarea harto difícultosa. Aunque la novela de Proust se presta a ello, Volker Schlöndorff –quien con la laureada El tambor de hojalata ya demostró una pericia considerable en lo que a adaptaciones literarias se refiere – no cayó en la tentación de la fragmentación excesiva, no hizo una película puzzle. Contrariamente, El amor de Swann mantiene una sorprendente (y reposada) coherencia cronológica, permitiéndose sólo alguna que otra digresión temporal y ensoñación ocasional. Esta licencia, más funcional que estilística, no impide que espíritu trágico del libro quede fielmente plasmado.

Ni sus inmejorables credenciales (producción de Sam Raimi y segundo film del director de Hard Candy), ni su notable factura técnica (ambientación gélida muy conseguida, buenos efectos sonoros y digitales, importante labor de maquillaje), ni tan siquiera la estimable ejecución de David Slade, que combina de manera interesante la explicitud más gore con el fuera de campo, salvan a 30 días de oscuridad de la decepción. Un poco preciso guión acaba imponiéndose a todos los atractivos antes señalados. Y es que los 30 días de asedio a que son sometidos los escasos supervivientes de Barrow (Alaska) por parte de un grupo de salvajes vampiros, no están bien puntuados ni definidos en ningún momento de la película: las elipsis no saben ponderar adecuadamente el transcurso del tiempo, la mella que el paso de los días debiera imponer en los acorralados no queda convenientemente reflejada (ni psicológica, ni físicamente) y, por último, la incapacidad de los vampiros (que, no lo olvidemos, huelen la sangre a kilómetros de distancia) para encontrar a su víctimas resulta, cuando menos, extraña, por no decir inverosímil. Seguramente, si los chupasangres hubieran sido algo más avispados y el periodo en que sucede el relato reducido a un par o 3 días, éste hubiera resultado muchísimo más efectivo y creíble, aunque estas decisiones posiblemente hubiera supuesto también una licencia demasiado inadmisible para los fans de la fuente original, un cómic homónimo obra de Steve Niles y Ben Templesmith.

En sus memorias, Ingmar Bergman dijo de él: “Cuando el cine no es documento, es sueño. Por eso Tarkovsky es el más grande de todos. Se mueve con naturalidad absoluta en el espacio de los sueños; el no explica, y además ¿qué iba a explicar?”. La cita resume elocuentemente la sensación final que el espectador puede tener al visionar esta película, y es que Sacrificio es una producción conmovedora, trascendente, simbólica y, en ocasiones, algo plúmbea, una obra magna que se mueve con innata naturalidad entre la vigilia y el sueño. Parsimoniosa y contemplativa, la última película del genial director ruso es capaz de atrapar al espectador con sus bellas imágenes y sus trabajadas penumbras. Y todo a pesar del cripticismo que la envuelve, y es que lo críptico también forma parte del ensueño.

Tras su merecido (e inesperado) éxito en la pasada edición de los Goya, Jaime Rosales se ha apresurado a estrenar su nueva película, algo que corre el peligro de ser interpretado como un modo oportunista de “aprovechar el tirón”, pero que visto el resultado no ofrece ninguna duda: el cineasta barcelonés continúa mostrándose independiente, transgresor e impasible ante cualquier canto de Sirenas, y su último trabajo, una observación obsesiva y morbosa de la rutina de un etarra, así lo ratifica.

Durante buena parte de Tiro en la cabeza todo resulta de lo más normal y apacible. Ion, el protagonista, se levanta, desayuna, pasea, lee la prensa, se bebe unos zuritos con los amigos en el bar, se acuesta con mujeres… nada hace sospechar que detrás de esa apariencia de ciudadano medio se esconde el implacable asesino que en realidad es, el sicario que, junto con otros 2 compañeros, ejecutó en Capbreton a los guardias civiles Fernando Trapero y Raúl Centeno.

Aunque su temática se presta a ello, la de Rosales no es una película estrictamente política. Es mucho más cercana a obras como El carnicero, Henry: retrato de un asesino o Elephant, que al cine-denuncia de temática terrorista (me vienen a la cabeza filmes como Omagh, La pelota vasca o 13 entre mil). Sin embargo, a diferencia de Chabrol, John McNaughton y Gus Van Sant, Rosales renuncia sin complejos a la narración convencional y se decanta por una mirada subjetiva, distante y carente de diálogos audibles, un vouyerismo en el que el vigía parece estar separado del objeto de su (nuestra) obsesiva vigilancia por una gruesa e impenetrable vitrina. Captada esta provocadora premisa, todo lo que acontece desde entonces es demasiado repetitivo y prolongado como para apuntalar nuestro interés con cierta firmeza, y sólo en su tercio final (el asesinato, los momentos que le precedieron y la huida) el film logra retomar el pulso.

No se le puede negar osadía y originalidad, pero lo nuevo de Rosales es más propio de una exposición de videoarte que de una sala de exhibición al uso. Triste pero cierto: en la mayoría de ocasiones, Cine y Arte parecen tan extraños y huidizos entre sí como el agua y el aceite.

Espectacular superproducción francesa que narra, con ritmo notable y en forma de fresco histórico, la liberación de París por parte de la resistencia y del ejército aliado durante la II Guerra Mundial. Basada en una novela de Dominique LaPierre y Larry Collins, dirigida por René Climent (A pleno sol) y guionizada por Francis Ford Coppola, ¿Arde Paris? es una película entretenidísima que, cargada de épica y heroísmo, luce unas hechuras fastuosas, casi hollywoodienses, algo que queda patente en su extenso y estelar reparto internacional: Jean-Paul Belmondo, Alain Delon, Charles Boyer, Anthony Perkins, Kirk Douglas, Orson Welles, Glenn Ford, Simone Signoret…

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