Guitarrista y miembro fundador de los Rolling Stones, Brian Jones falleció en extrañas circunstancias en Julio del 69, pocas semanas después de que hubiera partido peras con el resto de los componentes de la banda. Su cadáver fue hallado flotando en la piscina de su finca, y nunca se ha sabido con exactitud cuales fueron las causas de su muerte: accidente, sobredosis o asesinato. Stoned opta por la tercera tesis, pobremente avalada por una confesión de culpabilidad en su lecho de muerte en 1993 de Frank Thorogood, albañil encargado de las obras de rehabilitación de la mansión del músico. La crónica, ligeramente amarillista e inexplicablemente desapasionada, se ocupa de estos hechos y, a través de algunos flashbacks desordenadamente insertados (hecho que dificulta un seguimiento fluido del relato), da muestra de algunos de los momentos creativos más importantes de sus satánicas majestades. Haciendo hincapié en la relación de Jones con la actriz Anita Pallenberg, en sus crecientes adicciones, y en la frustración que la fama del guitarra supuestamente generó en su paleto albañil de confianza, Stoned margina al silencio las causas de la degradación del protagonista, así como la descripción de su genio artístico (si es que lo tuvo) y los verdaderos motivos de su ruptura con la banda. Tan atractiva como decepcionante y llena de lagunas.

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Correcto remake de La novia de Frankestein protagonizado por el cantante Sting y por la actriz protagonista de Flashdance, y dirigido por el realizador de Quadrophenia -una película de culto para a cultura mod-. La prometida aparca el mito de Prometeo para centrarse en una reflexión-símil, original pero simplista, sobre la liberación de la mujer en el ámbito cultural cristiano; en un momento de la película veremos cómo el doctor Frankenstein pone el nombre de Eva a la fémina creada, lo que evidencia innecesariamente el mensaje que transmite la película. Esta desviación temática no resulta tan inadecuada si se tiene en consideración que Mary Shelley, la escritora decimonónica que creó el personaje de Frankenstein, fue una de las precursoras del feminismo incipiente. Por lo demás, la película resulta entretenida, incluso delicada en algunos momentos, pero no levanta grandes pasiones.

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Sin ser una de sus mejores obras, La ciudad de las mujeres reúne la mayoría de las constantes del cine de Fellini. La admiración por el género femenino es el rasgo del director que más prevalece en esta película poblada por un sinfín de personajes extravagantes, aunque también hallamos otros rasgos fellinianos como el gusto por la estética circense, el surrealismo amable o la obsesión por las señoras de formas generosas. Todo ello conforma una caricatura del feminismo irracional y, sobretodo, un airado ataque contra el arquetipo del “macho” arcaico, el pretendido galán que en la mujer sólo ve una madre protectora, un ser desvalido a quien tutelar, o un objeto de uso (sexual). Un gracioso cuento moral que empele a los hombres a descubrir su parte femenina, lástima que los metrosexuales sólo se hayan quedado en la superficie.

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Pequeño retablo melodramático sobre la Transición española que vira vertiginosamente desde la esperanza inicial hacia la amargura crítica de la decepción. Durante buena parte del film, Luppi se decanta, sólo aparentemente, por un repaso a los cambios sociológicos que se avecinaban inexorablemente durante el mencionado periodo -el divorcio, la liberación sexual, la equiparación de los derechos de la mujer, los malos tratos…-, para al final hacer una lectura política desmitificadora en forma de metáfora: la inocente Ana simboliza sin duda alguna a las víctimas no restituidas de la dictadura. Luppi ha sido el pionero, ha abierto la veda, esperemos que algún día se realice una película claramente política que describa la Transición como lo que realmente fue, un periodo de cambio democrático que, a pesar de su indudable bonhomía, se fundamentó en la amnesia y el silencio colectivos.

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Los sonados éxitos de Moulin Rouge y Chicago en los Oscars del 2001 y 2002 respectivamente, envalentonaron al director Todd Graff para emprender la realización del musical Camp, otrora un sueño imposible en cuyo guión había estado trabajando desde hacía 5 años. Basada en sus propias experiencias (primero como alumno y después como instructor) en un campus veraniego para adolescentes con vocación en las artes escénicas, Camp se trata de una película fresca con innegables reminiscencias a la película Fama, el espléndido drama musical de 1980 realizado por Alan Parker, un dinámico retrato de un grupo de jóvenes que trataban de abrirse camino en el mundo artístico de Nueva York. La película de Graff aparca la carrera por el éxito que apuntaba Parker, reduce la edad del alumnado, y se centra en las relaciones que los jovenzuelos entretejen en el campus “Ovation”, en mostrar los conflictos (de personalidad, sexualidad y autoestima) propios de su edad y sus pinitos escénicos tutelados por un comprensivo profesorado. Presentada en el 2003 en Sundance y bien acogida por la crítica de su país, la cinta adolece del defecto que la mayoría de películas de su género poseen, el desequilibrio entre unas divertidas y vigorosas escenas musicales y unas distantes escenas dramáticas de insulso acartonamiento. A pesar de ello, se trata de un muy digno musical dirigido al público más joven.

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