En la primera aparición del taxista Kit Latura, interpretado por Sylvester Stallone, el objetivo se centra en su cogote, aunque cualquiera, incluso el menos avispado, sabrá reconocer su peculiar voz (sea la propia o la de su habitual actor de doblaje en castellano, Juan Carlos Gustems). Sólo cuando su cliente le ofrece 50 $ si consigue llegar a tiempo a su destino el actor se gira para mostrarse con la mejor de sus sonrisas. Toda una declaración de principios hollywoodiense.

Seguramente sea tal principio el que llevó a los responsables de Daylight a liberar del ostracismo al cine de catástrofes, en boga en los 70. Tras la presentación de unos personajes variopintos que confluirán en un lugar y un momento inadecuados, la rutina desaparece por mor de un espantoso accidente que creará una situación límite que pondrá a todos al mismo nivel. En el caos y la desesperación sólo una persona será capaz de tomar las riendas e imponer su autoridad. Latura es, salvando las (enormes) distancias, un trasunto de Lord Jim: un error de su pasado profesional, por el que murieron personas, atormenta su alma y busca una segunda oportunidad que expíe sus culpas.

Para un servidor, la mejor escena de la película es la que muestra al héroe ante el rostro del crucificado dentro de la penumbra; Latura cierra los ojos e inclina poco a poco su cabeza hacia abajo, una muestra del desaliento vital que arrastra el personaje y de sus dudas, de su escasa fe, de salir del caos en que se encuentra . Pero aparte de este aislado capítulo de expresividad visual el resto del filme se desarrolla por la senda de lo trillado, con una narrativa convencional, unos personajes arquetípicos y unos diálogos tan vulgares que creo que la música de Randy Edelman suena un pelín más alta de lo recomendable con el mero propósito de disimularlos.

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Si existe una inclinación temática evidente en la cinematografía de los hermanos Farrelly es probablemente la relacionada con la escatología, la repugnancia estomacal y la pedorreta flatulenta. Si bien, casi siempre, esta predilección ha quedado en un relevante pero accesorio segundo plano en las películas del dúo, en esta ocasión va al grano (pustuloso, por supuesto). La peripecia del filme va directa al corazón de la ventosidad, del excremento y de la arcada. Los resortes internos que originan los “fenómenos corporales” configuran el meollo de la acción y del humor.

Osmosis Jones es peculiar desde su guión, cuenta dos historias diferentes aunque paralelas, cada una con su propio argumento, sus personajes y sus conflictos. Contraste acentuado con la elección de distinta técnica para cada historia (algo que ya vimos en Tron). Por un lado, la habitual de actores de carne y hueso (y, en este caso, también de mocos). Por otro, la técnica de animación. Sin embargo, existe una interrelación, es imprescindible la ósmosis de ambas tramas para que funcionen muchas de las escenas humorísticas (que parecen, por cierto, inspiradas por el último capítulo de Everything you always wanted to know about sex but you were afraid to ask) y para que avancen empujadas la una por la otra. Solo que la perspectiva es completamente distinta. Por ejemplo, lo que en la acción viva es una simple medicina, en la acción animada es uno de los héroes de la función. O lo que en la primera es una muestra de mal gusto, en la segunda es una trepidante escena de vida o muerte.

Claramente, la parte protagonizada por Bill Murray es la más Farrelliana, la que cuida más el gusto por el humor guarrete y las relaciones sensibleras, con un estilo más impersonal. La parte más interesante, la más animada, es un thriller policíaco, concretamente, una buddy movie, (sub)género en el que dos personalidades opuestas se ven obligadas a trabajar en equipo para cumplir una misión: Jones es un policía indisciplinado (un glóbulo blanco con destino en la boca) y Drix es un agente especial respetuoso de las normas (una cápsula contra el constipado) que deben aunar sus fuerzas para curar un aparente y simple catarro, tras el cual se esconde un siniestro y abominable virus de la muerte roja. ¿Quizá un homenaje a Poe?

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Uno de los mayores aciertos de la serie (término que estimo más apropiado que el manido y rimbombante saga) de Harry Potter es que “crece” junto a sus potenciales lectores. Es decir, un supuesto lector modelo que con 10 años leyese el primer libro en 1997, leería el último con 20 años. Y aquel tierno infante que vibró con las travesuras de Potter y sus amiguitos ha crecido y se ha enterado de que en el mundo existe el terrorismo y la guerra, el amor y el sexo, las diferencias y las injusticias; por eso, uno de los grandes méritos de J. K. Rowling es que su serie avanza desde la despreocupación propia de la niñez hacia asuntos cada vez más maduros y escabrosos.

Por primera vez en la serie, en The Goblet of Fire el universo fantástico se expande, y aparecen nuevas culturas, aunque sean grupos más pintorescos que otra cosa, como la escuela Durmstrangs, tosca a más no poder, y la escuela Beauxbatons, de lo más cursi que imaginarse pueda. Sin embargo, hacen su acto de presencia los mortífagos, acólitos de Lord Voldemort, cuyos actos de violencia inusitada siembran el terror entre la comunidad maga y reivindican la llegada de un nuevo orden mundial. Tampoco faltan los clásicos característicos que tanto juego dan en cada episodio: los laureles son aquí para Alastor “Ojoloco” Moody; sin olvidarse de la máxima atracción, Lord Voldemort.

La película se vertebra en torno al Torneo de los Tres Magos y las tres pruebas que lo componen; tres descabelladas pruebas que Harry Potter debe afrontar para demostrar a todos que es un tipo capaz de quebrantar las normas para lograr sus objetivos; tres pruebas cuyas filmación, edición y montaje dejan mucho de desear. Si bien la primera tiene su aquél, da la sensación de que la lucha contra el dragón daba para más emociones. La segunda, pichí pichá. Pero la tercera… adolece de emoción por los cuatro costados, es de una sosería abrumadora. Por fortuna es la escena que precede a…

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… la de la resurreción de Lord Voldemort. En un fantasmagórico y recargado decorado (que parece querer hacer gala de su condición de decorado) Lord Voldemort cobra por fin consistencia corpórea y la cámara no tiene por menos que enamorarse de su fealdad. Esta escena consigue, incluso, que uno olvide las plúmbeas intrigas adolescentes que se ha visto obligado a presenciar.

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Aunque con el título de esta reseña aludo al título en España (1) de la genial The fearless vampire killers, or pardon me, but your teeth are in my neck de Polanski, reconozco que vincularla con la película de Jackson es un propósito desproporcionado. Si bien es cierto que ambos filmes pertenecen al terreno del fantástico por su fundamento y al terreno de la comedia por su fragancia, la diferencia reside principalmente en que donde el neozelandés se decanta por lo grotesco, el polaco deslumbra con ironía.

Pero que nadie se descuide, porque Jackson aborda lo fantástico en su vertiente terrorífica, sobre todo en las secuencias en que aparece (nunca mejor dicho) la inquietante parca. Y donde escribo “terror” que nadie lea suma de sustos y golpes truculentos, sino la materialización del horror mediante la unión en el mismo plano de lo normal con lo monstruoso.

P.S.: de visión obligada para los fanáticos de Full metal jacket, en especial del sargento Hartman.

(1) El baile de los vampiros, mucho menos enmarañado que el original.

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Desde hace más de sesenta años, los estrenos Disney son ansiados acontecimientos, a medias alimentados por la devoción de sus fans y por la publicidad orquestada por los propios estudios. Y hasta hace bien poco, nadie (salvo Don Bluth) se atrevía a soñar con participar de la gallina de los huevos de oro del largometraje de animación. Sólo Disney ofrecía el virtuosismo técnico y artístico y las moralizantes historias envueltas de candor y sentimentalismo que el público esperaba.

Así, durante décadas, los autores de dibujos animados que deseaban llegar al gran público (o sea, los de Hollywood) se dedicaban al terreno del cortometraje. En este campo, la competencia era mayor. El ratón Mickey, el pato Donald y el “lo que sea” Goofy se codeaban con el conejo Bugs, el pato Lucas y el cerdo Porky (nacidos de la mano de directores como Tex Avery, Friz Freleng y Chuck Jones y de la boca del actor Mel Blanc), con el gato Tom y el ratón Jerry (creados por William Hanna y Joseph Barbera), y con el Pájaro Loco (de Walter Lantz).

Las historias que todos estos personajes protagonizaban se caracterizaban por un ritmo endiablado y tenían un denominador común: la anarquía y la violencia, parámetros sorprendentes para unos relatos que se suponían dirigidos a los niños. El gag, motor de los cortometrajes animados, era básicamente gráfico y se sustentaba principalmente en tremendos accidentes que, debiendo de ser mortales de necesidad, nunca tenían consecuencias fatales salvo la humillación. El paradigma de sujeto sometido a tal tortura sistemática es el coyote, cuya primera aparición data de septiembre de 1949 en Fast And Furry-ous, de Chuck Jones, donde el mentado coyote, movido por el hambre, en un hábitat donde la comida escaseaba, se devanaba los sesos para dar caza a una presa inalcanzable, el correcaminos, pero sus vanos intentos siempre eran calamitosos para su integridad física y mental.

Ya en Ice age se planteaba una concepción del relato animado que recogía las dos tendencias de los “cartones” hollywoodienses: sentimentalismo y violencia, concepción que se retoma en esta segunda parte, dirigida en solitario por el carioca Carlos Saldanha, que contiene dos tramas paralelas: las divertidas y típicas desventuras de la ardilla Scrat en pos de una bellota que no se deja cazar, por un lado, y las entrañables y tópicas aventuras de Manfred, Sid y Diego en busca de su propia identidad, por el otro.

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La historia más compleja, aunque más irregular, es la del mamut y sus amigos (viejos y nuevos), que parece calcada de la película Disney Dinosaur: el éxodo masivo de la fauna, la variedad de animales prehistóricos, los predadores al acecho que siguen a la manada, el animal que se identifica con una especie que no es la suya... Aquí, Saldanha y su equipo despliegan toda su técnica y su arte en conjugar sentimentalismo, moralina y humor, en crear personajes relevantes, y en mostrar animaciones espectaculares.

La otra historia, más sencilla pero excepcional, es la de la solitaria ardilla, heredera aventajada del coyote: el clásico gag del problema peliagudo, la solución insensata y el inevitable trompazo alcanza las mayores cotas de diversión; a pesar de golpes brutales, caídas abismales o ataques letales, en el siguiente gag, Scrat renace como si nada hubiera pasado. Bueno, hasta el final...

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