En Aldealseñor, un pueblo de los páramos altos de Soria, quedan hoy 14 habitantes. Son la última generación, después de mil años de historia ininterrumpida. Hoy, la vida continúa. Dentro de poco, se extinguirá sin estrépito y sin más testigos. Los vecinos de Aldealseñor y el trabajo del pintor Pello Azketa comparten algo en común: las cosas han comenzado a desaparecer delante de ellos. La narradora vuelve a su origen y asiste a ese final al tiempo que intenta recuperar una imagen primera del mundo, de la infancia.
"Esto es muy antiguo, antiguo, sí lo más antiguo del mundo, sí, de cuando antiguamente, antes del diluvio. Sabrá Dios los millones y millones de años que hace que esto está aquí,”, Palabras de una abuela de Aldeaseñor. El cielo gira (2004) es una premiadísima película documental, prueba de la madurez del género en España. Mercedes Álvarez -la última persona que nació allí- regresa a su aldea natal, en Soria, donde conversa con sus últimos catorce habitantes. La idea realmente no es tan brillante como su realización, prueba del buen gusto y sentido de la medida.
¿Se llega a tocar fondo en una civilizacion o cultura? La despoblación, un tema tan poco candente y sin embargo, tan naturalmente inevitable, planteado de manera impresionante y escondida que no somos conscientes de estar ahí... pero otros vendran después. El cielo gira es un canto del cisne, una oda a ese momento de la vida humana que precede a su desaparición. Un momento en el que el tiempo parece estancarse para dejar constancia de la ruina y la decadencia.
Con un lenguaje tan ricamente cinematográfico -no todo va a ser periodismo puro, documentos sensacionalistas, Michael Moore, lenguaje televisivo y/o videoclipero-, la directora no trata de plasmar una verdad objetiva, sino de buscar las pequeñas cosas, desde un respeto absoluto a la personalidad y la palabra de las personas que filma. Un pequeño toque de poesía alejado de nuevas tendencias. Nada de rancio constumbrismo. Mercedes Álvarez nos demuestra la infinidad de cosas que pueden decirse, con altura estética, y la gran profundidad que el talento puede otorgarles.
El cielo gira nos muestra un pueblo, unos habitantes, las historias vividas por otros no conocidos, las que se viven, arte en pura esencia con la calma de un soporte más concienciado que el cine de películas. El principio, un cuadro en que dos niños encaran el misterio del agua; el fin, un plano general donde lentamente las figuras de dos ancianos se funden con el horizonte. Es maravilloso como en hora y media de imágenes se puede contar una parábola sobre el paso del hombre sobre la tierra y que, a lo mejor, dentro de doscientos años, pueda desaparecer, sin más historia, sin más huella. Sólo un montón de piedras.

helen

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Hong Kong, 1962. Chow, redactor jefe de un diario local, y su mujer se mudan a un inmueble habitado principalmente por la comunidad de Shanghai. Chau conoce a Li-zhen, una joven que acaba de instalarse también en el edificio junto con su esposo. Ella es secretaria en una firma de exportación y su marido es representante de una empresa japonesa para la que continuamente está en viaje de negocios. Como su propia mujer se encuentra también a menudo fuera, Chow pasa cada vez más tiempo en compañía de Li-zhen. Quedan a menudo con sus caseros para jugar al mahjong o hablar del último cotilleo. Chow y Li-zhen se hacen buenos amigos. un día, deberán enfrentarse a los hechos: sus respectivos cónyuges están teniendo una relación amorosa.
Wong Kar Wai, uno de los dioses absolutos de todo buen aficionado gafapasteril. Y un manipulador de mucho cuidado. Una historia vulgar, corriente, de todos los días, en un entorno ordinario con unas vidas ordinarias. Transformar eso en un espectáculo visual y auditivo tan exquisito y elegante es sólo posible si eres un maestro de la manipulacion pura y dura. Somos manejados sin piedad alguna, de forma invisible, como marionetas. Cuando nos damos cuenta es demasiado tarde para escapar del embrujo de esa historia contada en elegantes imágenes y envuelta en una musica hipnótica.
Deseando amar, 2000. Estamos tan acostumbrados a la rapidez, al ritmo vertiginoso, a los planos rápidos a ritmo de videoclip con el que tan acostumbrados nos tiene la TV, la publicidad y las superproducciones que nos cuesta saber saborear Deseando amar. Como una taza de te ardiendo. Belleza, sencillez, luz, espiritualidad, amor, respeto, deseo silenciado pero expresado con las tenues y bien llevadas actitudes de los personajes. De una gran lentitud, sí, pero necesaria. De ahí mana la sensualidad, la sencillez compleja.
A Kar Wai le gusta mimar la imagen, exprimir todas sus posibilidades. Buscar la verdad detrás de las apariencias, conseguida con imagenes en parte difusas, oblicuas, con elementos que tapan la acción. El maravilloso ritmo de la imagen. El contraste de la "pasividad" de los protagonistas con la vida que sigue alrededor suyo.
La fotografía, la intensa lluvia en los momentos más desesperados y a la vez más hermosos, el reflejo del agua en el suelo. La tensión que se palpa. Los planos de los pies al andar, al bajar las escaleras en busca de la cena, el leve y tenue roce de los protagonistas. La música de Nat King Cole. Los sonidos de Michael Galasso que taladran el corazón. Tony Leung. Las lágrimas del actor verdadero en los ojos de Maggie Cheung. 2046, una simple habitación.
El sentimiento surge de una pasión imprevista. En la amarga incertidumbre reside la emoción, y también el dolor. Es un querer y no poder, una aproximación... ellos lo intuyen... pero nada dejan al descubierto.

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Jack Worthing tiene un secreto. Por un lado, disfruta de una vida tranquila y respetable en el campo, donde ejerce como protector de la bella (y fabulosamente rica) Cecily Cardew. Pero, por otro, cuando necesita un mayor aliciente, Jack se escapa a Londres, donde asume la personalidad del caprichoso Ernesto Worthing, su imaginario hermano. Ernesto es un hombre disoluto con gran preferencia por la vida extravagante, extremo que comparte con su íntimo amigo Algy Moncrieff. Sin embargo, el objetivo de la última excursión de Jack es proponer en matrimonio a la prima de Algy, Gwendolen. Paralelamente, Algy se hará pasar por Ernesto para seducir a Cecily.
La importancia de llamarse Ernesto, nueva adaptación para la pantalla grande de una obra de Oscar Wilde, en esta ocasión con menos fortuna de la habitual. Mientras que en la obra teatral, Wilde utiliza unos diálogos ingeniosos y confusiones lingüísticas para criticar el sistema de clases, las costumbres y la hipocresía de la sociedad británica de su tiempo, aquí la fidelidad a la obra original que Oliver Parker (Un marido ideal) mantiene se traduce en un simplón humor inglés cercano al chascarrillo. Además, lo peor es que precisamente la principal apuesta del filme es su punto débil, la historia, lo que hace que el director centre su labor en el guión y descuide otros aspectos importantes, como el aspecto visual, relegado siempre a la ironía de los diálogos.
La trama, aunque con poca sustancia y altamente previsible, está repleta de personajes extravagantes y de un humor finísimo, por lo que de entrada, no es difícil entrar en el juego. Pero el toque trágico original de los personajes de Wilde, cuyos pesares y conflictos hacen funcionar a una trama aparentemente ligera, desaparece. Los personajes parecen meras marionetas presas de los líos en los que ellos mismos se han envuelto, y la crítica original queda diluida.
El reparto por lo general está acertado, cada actor y actriz en su papel habitual (Rupert Everett en su salsa, Judi Dench haciendo como siempre de amargada dama victoriana…), y sostiene en gran parte a la película. Los personajes femeninos, interpretados por Frances O´Connor y Reese Witherspoon, parecen una mezcla entre ingenuidad, estupidez y ambición feminista. Tom Wilkinson y Anna Massey forman una graciosa pareja.
En fin, que se echa en falta algo más de imaginación y creatividad a la adaptación cinematográfica –demasiado teatral- para que realmente convenciera al público actual. En vez de eso, nos encontramos ante una película típicamente inglesa, amable, divertida y bastante digna, que agrada durante la hora y media que dura y se olvida en la hora y media siguiente.

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Una familia integrada por un padre, una madre y una niña –Chihiro–, se trasladan en coche hacia la que será su nueva residencia a partir de entonces, para disgusto de la hija. Durante el trayecto, se equivocan de camino y, tras internarse en un túnel, van a parar a lo que parece un parque temático, aislado en el campo y que parece abandonado. Por motivos que escapan a su razón, Chihiro se siente recelosa y asustada en aquel lugar, sin embargo sus padres, cansados y hambrientos por el largo viaje, deciden explorar el paraje. Guiados por un apetecible aroma a comida, se detienen en un restaurante en el que no hay más rastro de vida reciente que unas enormes bandejas con suculentos y humeantes manjares... cuando descubre que sus padres han sido convertidos en cerdos, Chihiro descubrirá, sola y asustada, un mundo donde pasan cosas extrañas; un universo en el que no hay lugar para los humanos, sólo existen dioses de primera y segunda clase. Chihiro tendrá que emprender un viaje fantástico de aprendizaje para poder recuperar a sus padres y volver a su mundo.
El maestro japonés Hayao Miyakazi (el de Heidi y Marco) alcanza la perfección de estilo en este cuento fantástico animado a la manera tradicional y épica. Una de las grandes virtudes de esta pequeña maravilla es que derriba las barreras de la animación llevando el género a un plano universal. Hay tiempo para todos los géneros –aventura, drama, humor, amistad, amor... –, con una desbordante habilidad para crear toda la fantasía, una fuerza enorme y unos toques de humor entrañables. El viaje de Chihiro –la película más taquillera en la historia de Japón- ganó el Oscar y el Oso de Oro en Berlín.
Después de sobredosis de películas de Disney en la infancia de cualquier niño, algunas películas mejores que otras (pero todas con su moraleja final de cuento, con los malos malísimos y los buenos héroes), El viaje de Chihiro es una experiencia distinta. Y que dos horas largas de mundos, personajes y filosofías que nos son ajenos -salvo los aficionados como la compañera con la que vi la película-, se hagan cortas, dice mucho de la película. Llena de momentos tiernos, cómicos, aterradores (mi pesadilla personal, la del espectro negro con la máscara blanca)... Un monumento a la imaginación, a la inspiración, a la creación, al arte.
Una historia imaginativa, lúcida y profunda cuya amenidad -y disfrute- depende de la tolerancia del espectador a la fantasía más extraña. Nuevo umbral del genio humano y una experiencia imprescindible no sólo para los amantes del género, sino para los que todavía creen en los cuentos de hadas -o de espíritus-.

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A principios de los ochenta, un congresista americano al que le gustaba pasarlo bien, una mujer de la alta sociedad de Houston a la que le gustaban las buenas causas, y un agente de la CIA al que le gustaban los retos, conspiraron para realizar la mayor operación secreta de la historia. Joanne Herring, una de las mujeres más ricas de Texas y virulenta anticomunista, convenció al congresista Charlie Wilson para que ayudara a los muyahidines afganos, consiguiendo fondos y armas para expulsar a los soviéticos de Afganistán. El compañero de lucha de Charlie en esta dura batalla fue el agente de la CIA Gust Avrakotos.
Yo no entiendo de política. Ni aunque me la expliquen desde la historia. La guerra de Charlie Wilson no me atraía mucho de entrada –typical american, guerra fría, Pakistán, Uzbekistán, Afganistán, el que sea, el Mike Nichols de Primary Colors, actores de renombre… allá vamos.
Después de una primera parte bastante aburridilla –cabezada incluida, y no era la hora de la siesta-, la película va tomando un cariz algo más interesante, sobre una guerra que que no está en los libros. No tan patriota como parecería a simple vista, pero no acaba de rematar. Una historia desmesurada que parece más bien, pues eso, el argumento de una película.
La dirección es buena, los diálogos son muy acertados, el ritmo, adecuado, los intérpretes, de lujo… Pero el resultado es muy artificial. ¿comedia política? ¿historia real dramatizada? La mirada norteamericana es cínica, eso que el destino del mundo se decide en un despacho coqueto, pero la autocrítica es muy insuficiente. Me falta sutilidad y un poquito de humildad.
Para recordar, la primera conversación de Tom Hanks con Philip Seymour Hoffman. Auguramos un ácido encuentro cara a cara, pero las sexys secretarias de Hanks nos importunan a cada momento. Y Hoffman sabe lo que tiene que hacer. Una escena divertidísima, brillante, y con ritmo. Soltura y mucho morro. Y una sorpresa en el regalo.
Tom Hanks está bien, algo espeso, pero como de costumbre interpreta su papel sin esfuerzo alguno. Philip Seymour Hoffman es un crack, y su personaje, todo un regalo para que lo borde. La película merece la pena sólo por verle a él. Y Julia Roberts, ¡ay, Julia! Sosa, muy sosa.
¿Te hace pensar? Un poquito. ¿Se olvida con facilidad?, lo típico, un mes o dos. La guerra de Charlie Wilson contada por Charlie Wilson. Me siento orgulloso de mí mismo, todos me aclaman con los ojos arrasados de lágrimas. Yo también amo a América.

Lo mejor, la compañía. Gracias chic@s.

helen

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