Película en b/n, de la Warner, dirigida por Curtis Bernhardt ("La bella del Pacífico", 1953). Se basa en un argumento de Rita Weiman, desarrollado por Ronald MacDougal y Silvia Richards. Se rodó en exteriores de LA y en los Warner Studios (Burbank, California). Fue nominada a un Oscar (actriz principal). Producida por Jerry Wald ("Alma en suplicio", 1945), se estrenó el 26-VII-1947.

La acción tiene lugar en LA, la costa de California y Washington, a lo largo de algo más de un un año, en 1946/47. Narra la historia de Louise Howell (Joan Crawford), enfermera, apasionada, de unos 30 años, encargada del cuidado de la Sra. Graham, inválida. Se enamora del ingeniero David Sutton (Van Heflin), vecino y amigo de la casa, de 35 años, melómano y pianista aficionado, con el que mantiene un romance que él no quiere convertir en matrimonio. Acepta sus ausencias, su negativa de casarse con ella y sus desaires, pero su equilibrio mental entra en crisis cuando él decide casarse con una rica joven de 20 años.

La película desarrolla una historia melodramática, que gira en torno al trastorno mental de una joven que se hunde en un infierno de pasión, celos, engaños y venganza, hasta convertirse en la encarnación de la maldad. Sorprende la subversión de los valores tradicionales de la familia que se establece, poco habitual en el cine de Hollywood de la época. La prevalencia del mal, de acuerdo con el Código Hayes, se hace depender de una enfermedad mental. Incluye referencias al psicoanálisis, según la moda del cine americano de Posguerra. Destacan escenas como la de la caída mortal de Carol por la escalera, la del ingreso de Louise en la sección psiquiátrica del hospital, la de su andar perdido por las calles de LA y la del recorrido de la casa de verano que hace Louise reviviendo, obsesionada, la presencia de la difunta Pauline. El fondo de perversión y maldad de la cinta permite enparejarla con obras de Lang y Siodmank.

La música, de Franz Waxman, acompaña el relato con fuerza e intensidad, al que aporta una potente orquesta de viento y metal que combina melodías ligeramente románticas y sonidos perturbadores. Añade fragmentos de "Carnaval", de Robert Schuman. La fotografía, de Jospeh Valentine ("Sabotaje", 1942), crea una narración visual espléndida, de tonos expresionistas, con barridos de cámara espectaculares, contrastes de luz muy sugerentes y tomas de cámara subjetiva (hospital), imitadas en obras posteriores. El guión dibuja con precisión suficiente los personajes de Louise y David, enlaza las incidencias del relato con fluidez y sumerge la historia en un ambiente onírico, inquietante y perturbador. La interpretación de Crawford es una de las tres o cuatro mejores de su carrera. La dirección, en manos de un artesano efectivo, consigue una obra memorable, con algunos momentos antológicos.

La película, recreación del mito de Medea, es una pieza de gran belleza sobre la perversidad, la maldad y la venganza.

Miquel

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Tercer largometraje de Paul Verhoenen ("Delicias turcas", 1973), poco conocido, realizado en Holanda antes de trasladarse a Hollywood. Se rodó en exteriores de Amsterdam, Leiden y Utrecht y en estudio, con un presupuesto ajustado. Se basa en la novela "Historia triste de una mujer alegre (Keetje)" (1919), de Neel Doff, inspirada en hechos autobiográficos. Fue producido por Rob Houwer.

La acción comienza en el puerto de Stavoren en 1881 y se desarrolla en Amsterdam a lo largo de varios años de finales del XIX. Narra la historia de Katty Nippel (Monique van de Ven), segunda hija de una familia de 8 hermanos, emigrantes del campo a la capital, sumidos en la miseria a causa de los empleos precarios del padre, los salarios escasos y el paro. Katty es de temperamento fuerte, luchadora e independiente, soñadora e idealista y lectora infatigable de "20.000 leguas de viaje submarino". Encuentra trabajos duros y mal pagados, que le dan a conocer el mundo de la explotación laboral y de la violencia contra la mujer.

La película glosa la historia de una muchacha nacida en la miseria, de carácter rebelde e indomable, que se ve enfrentada a los abusos de los ricos y a la degradación de la familia por el paro y la ausencia de ayudas. Inducida por la madre y bajo su vigilancia, trabajará como buscona callejera, lo que le permite conocer a hombres influyentes, cuyas relaciones aprovecha para convertirse en amante de uno de ellos, Hugo (Rutger Hauer), y ascender en la escala social en busca del sueño de un matrimonio que le dé estabilidad. La trayectoria de Katty denuncia el desamparo de los pobres y los abusos que padecen. Los más débiles enferman, mueren o enloquecen. Se condenan los abusos físicos y la violencia sexual que, con impunidad, practican los ricos con las mujeres trabajadoras y con los menores pobres. Lamenta el espíritu de sumisión y alienación de la mujer trabajadora, que acepta su situación y rechaza la crítica y la lucha obrera. Es de gran interés el fresco que dibuja de la vida en Amsterdam a finales del XIX. El recurso al desnudo, parcial o total, masculino y femenino, se presenta con sobria frialdad. El desnudo femenino deviene un medio expresivo de la violencia de género de la que la mujer es víctima.

La música se basa en una bonita melodía de vals que se repite con variaciones. La fotografía crea composiciones de dibujo brillante y equilibrado, hace uso de planos picados y semipicados y mueve la cámara con precisión y suavidad. El guión divide la obra en cuadros juxtapuestos, bien elaborados, pero hilvanados con algunos saltos y cierta brusquedad. La interpretación de Rutger Hauer ("Blade Runner") es convincente y la de Monique van de Ven desborda simpatía y naturalidad. La dirección crea una obra de denuncia contemporánea.

La película es una obra de época, bien ambientada, que contiene elementos de crítica social y de condena de la represión de los derechos de los trabajadores.

Miquel

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Primer largo de Richard Flescher (1916-2006), exponente de la generación de directores que emergió tras la II GM. Se basa en la obra teatral "Wednesday's Child", de Leopold L. Atlas, y en su primera adaptación al cine en 1934. Se rodó en estudio y en algunos exteriores, con un presupuesto de serie B. No se estrenó comercialmente en España.

La acción tiene lugar en una ciudad indefinida de EEUU, entre 1945 y 1947. Narra la historia de Roberta "Bobby" Carter (Sharyn Moffett), de 8 años, hija única del matrimonio de clase media alta formado por Ray Carter (Regis Tooney) y Jean (Madge Meredith). La falta de felicidad conyugal, propiciada por las frecuentes y prolongadas ausencias de Ray por negocios, provocan la ruptura de la pareja y su divorcio. La separación de los padres y sus posteriores matrimonios, crean a la niña dificultades de convivencia y de estabilidad emocional, que la sumen en una depresión. Con la ayuda de Peggy Allen (Ann Carter), compañera de habitación del internado, intentará aceptar los hechos.

La película, sometida a la censura del Código Hayes, presenta el divorcio como una fuente de males para los hijos, a los que causa traumas psicológicos graves. En la misma línea, culpa a la madre de la ruptura, por su adulterio con Michael Benton (Walter Reed), hombre bondadoso y afectuso. La fuerza dramática de la obra se basa en la incapacidad de la niña de entender la separación de los padres, de aceptar sus nuevos matrimonios, de combinar la convivencia en verano con el padre y el resto del año con la madre, sus celos y la falta de dedicación de tiempo de calidad que le prestan los padres, más atentos a otros intereses. La obra pretende exponer una visión del divorcio desde el punto de vista de los hijos, que concibe como víctimas innocentes de una situación inconveniente. No es necesario decir que las concepciones del film son frágiles e insostenibles. La obra aporta un interesante documento sobre la concepción imperativa del divorcio en los primeros años de la Posguerra y su rigurosa reglamentación legal. Se muestra la inferioridad de la mujer en el hogar, sometida a violencia doméstica impune.

La música, sin relieve especial, cumple funciones de mero acompañamiento. La fotografía comienza con cun "zoom" de alejamiento de una sala oscura que resulta ser una pieza de una casa de muñecas. El final se ciera con un "zoom" similar, ambiguo y sugerente. El guión explica una historia moralizadora. En la interpretación sobresalen Meredith, O'Connor y Ann Carter. La dirección en su primer largometraje demuestra habilidad narrativa y sentido dramático, pese a las limitaciones de la obra.

Película sobre el divorcio en una época de estigmatización, severa reglamentación y exigencia de culpabilidad por parte de uno de los cónyuges. Tenían que pasar 33 años para que se estrenara con éxito "Kramer contra Kramer" (1979). De gran interés para fans de Fleischer.

Miquel

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Película independiente, primer largo de Ruth Mader, productora, escritora y directora del film. Rodado en Austria, obtuvo 4 premios y 6 nominaciones. Se estrenó el 13-VI-2003.

La acción tiene lugar en Austria en 2001/02, a lo largo de varios meses. Narra la historia de Ewa (Aleksandra Justa), polaca, madre de una niña de 5 años, abandonada por su pareja, sin recursos económicos, que con un grupo de temporeros va a Austria para trabajar, durante 6 semanas, en la recolección de la fresa. Acabada la campaña, regresa con la hija y el grupo a la frontera, pero antes de pasar la aduana y subir al autocar de Katowice, decide huir y permanecer en Austria. Su condición de inmigrante ilegal, la obliga a aceptar trabajos ínfimos. Durante su participación en un sesión de exhibicionismo erótico en un club privado, conoce a Harold (Gottfried Breitfuss), vienés, agente inmobiliario, separado, padre de una niña de 6 años, inseguro, reprimido y solitario.

La película muestra la doble realidad de la desolación de la pobreza en Europa oriental y de la opulencia en la occidental. Ewa ha de trabajar en ocupaciones que hielan el alma: la insoportable recolección de fresones bajo la lluvia, el interminable despiece en cadena de pollos de granja, la limpieza a cepillo manual de la piscina, las sesiones de erotismo bajo la mirada inmóvil de un publico enajenado. Harold vive atormentado por el abandono de su mujer, la enfermedad degenerativa de la madre, las dificultades de comunicación con la hija y unas fantasías eróticas que incrementan su fustración. Ewa y Harold, los ciudadanos de la pobreza y de la opulencia, han de luchar por igual para salir adelante, resisitir y sobrevivir. El abandono social es tan demoledor como el abandono afectivo. Ewa y Harold, tras el descubirmiento de sus afinidades, deciden visitar una galería comercial en busca de una satisfacción, que será superficial, efímera e insuficiente para llenar sus vidas. Son escenas destacadas la de la cadena industrial de pespiece de aves (trivialidad de la muerte), la del paseo de los enfermos mentales por el jardín, la identificación de los trabajadores por el código de barras que llevan pendiente del cuello.

La música ofrece 4 bonitas canciones ligadas a la acción. "Just the Two of Us" suena sobre los créditos iniciales y tras el encuentro de los protagonistas. "Fantasy" acompaña a Harold en su viaje en coche en busca de fantasías eróticas. La fotografía se basa en sucesivas tomas largas de encuadres fijos. Posa la mirada con parsimonia y espíritu analítico. Crea composiciones de figura y armonías de color de gran belleza. El guión a penas hace uso del diálogo. La interpretación de Ewa sobresale por su temple y la riqueza de matices de su expresión corporal. La directora construye un relato de formato experimental, próximo al documental.

Película estilizada y depurada, que exalta la fuerza del gesto, la lucha por la vida y la capacidad de amor por encima de las contingencias de la vida.

Miquel

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Dirigida por Alan J. Pakula, es la tercera y última colaboración del realizador con Jane Fonda ("Klute", 1971, y "Llega un jinete libre y salvaje", 1978). Se rodó en NY (American Museum Of National History, Levittown, State University Of NY y Astoria Motions Picture And Television Center). Fue nominada al Razzie Award (peor actor). El productor fue Bruce Gilbert. Se estrenó el 11-XII-1981.

La acción tiene lugar en NY y en Arabia Saudita en 1980/81. Narra la historia de Lee Winters (Jane Fonda), antigua actriz de éxito, casada con el presidente de una corporación bancaria, Charles Winters, asesinado mientras trabaja en su despacho. Dispuesta a salvaguardar la fortuna que ha heredado, contrata los servicios de un experto, Hubber Smith (Kris Kristofferson).

La película constituye un documento de singular valor, que da testimonio de las ansiedades y paranoyas que dominaban el mundo occidental durante la segunda mitad de los 70 y primeros 80, tras las crisis del petróleo de 1973/74 y 1979. La energía dejó de ser barata poruqe el crecimiento de su demanda era mayor que el de su producción y porque las reservas disponibles de curdo eran limitadas. El alza de los precios no responde ni a conspiraciones ni a manipulaciones. El desarrollo económico occidental de los 60 evidenció la escasez de las fuentes naturales de energía en un mundo que vivía sumido en la falsa ilusión de su disponibilidad ilimitada. Causas similares 30 años más tarde (2004 y siguientes) determinan nuevas elevaciones de los precios del petróleo. Los hechos han demostrado que no caben conspiraciones financieras internacionales provocadas por manejos financieros de los excedentes del petróleo. Los países productores y los consumidores, como dice Maxwell Emery (Hume Cronyn) "tienen intereses comunes". A destacar las singulars imágenes del desierto y de la entrevista con un magnate saudí del petróleo.

La música se basa en variaciones sobre un tema central que se repite en fragmentos rítmicos y bailables, composiciones de viento y percusión y fragmentos disonantes de gran dramatismo. La fotografía presenta una narración de gran belleza, que hace uso de contraluces brillantes, claroscuros de acertada composición, colores predominantemente oscuros (marrones, azules y negros) y escenarios escasamente iluminados, en coherencia con el sentido opresivo de la acción. Es destacable la singular virtud de la obra, insólita en cine, de mostrar pintura de firmas como Willem de Kooning, Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Frank Stella, Adolph Gottlieb, el español Esteban Vicente y otros. El guión refleja los temores y ansiedades sociales de los 70 y primeros 80. La interpetación de Fonda es sólida y convincente. La dirección crea una obra de intriga y conspiraciones, que ha envejecido hasta el anacronismo.

La película muestra una magnífica galería de pintura americana (pop art y expresionismo abstracto). Entretenida e interesante, especialmente para estudiosos de historia económica y social.

Miquel

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